Marielly, has hecho historia al ser la primera dominicana finalista en Pitch to LAFS 2023, en la categoría de accesorios, ¿Qué representa esto para el propósito de la marca y para el tuyo, como creativa? Para la marca, es un reconocimiento del trabajo duro y la creatividad que ponemos en cada diseño. A título personal, es un honor y una responsabilidad. Me siento inspirada para continuar elevando y representando a la República Dominicana en el escenario global.
¿Qué significado tienen para ustedes los sombreros y por qué este accesorio en particular para emprender en la moda? Para nosotras, los sombreros son una extensión de la personalidad y un símbolo de empoderamiento. Los elegimos porque creemos que tienen el poder de transformar un conjunto y expresar la individualidad de quien los lleva. Además, representan una conexión con la tradición y la artesanía, algo que valoramos profundamente. Originalmente, los sombreros representaban un poderío similar al de las coronas en las personas, por eso “Modern Monarchie”, con este nombre reflejamos nuestra visión de los sombreros como símbolos de poder y elegancia contemporánea. Queremos que quien lleve uno de los nuestros se sienta que lleva una corona moderna. Ambas son formadas en Derecho.
¿Cómo, cuándo y dónde viene la preparación en moda y qué rol juega cada una de ustedes dentro de la marca? Nuestra formación en Derecho nos ha dotado de habilidades críticas como la atención al detalle, la gestión de contratos y una comprensión sólida de los aspectos legales del negocio. Debido a nuestros antecedentes similares, ambas nos encargamos de diversas áreas dentro de Modern Monarchie, desde la logística y operaciones hasta el diseño y el marketing. Nos complementamos en todos los aspectos de la empresa, lo que nos permite mantener altos estándares de calidad y eficiencia en cada paso del proceso.
Sus piezas persiguen contar una historia de empoderamiento y cultura latinoamericana. ¿Cómo lo logran? Nuestra herencia latina se refleja en cada diseño. Utilizamos materiales como paja toquilla y fieltros, que son tradicionales de la región. Además, cada sombrero está hecho a mano por artesanos que emplean técnicas transmitidas de generación en generación. Nos esforzamos por incorporar elementos y técnicas artesanales de nuestra herencia latina que no solo distinguen, sino que también empoderan a quien los lleva, recordándoles sus raíces y su capacidad para destacar.
Aspen y Miami son dos destinos estratégicos para ustedes. ¿Por qué? Aspen y Miami representan lo mejor de dos mundos: la elegancia y exclusividad de Aspen, y la energía vibrante y multicultural de Miami. Fundamos Modern Monarchie en Miami y rápidamente nos expandimos a Aspen debido a la demanda y el interés en nuestros diseños. Estos destinos nos permiten conectar con diferentes tipos de clientes que valoran la calidad y el diseño único de nuestros sombreros. Revolve, Nordstrom, Anthropologie, Free People y Cultmia son solo algunas de las vitrinas donde exponen sus piezas.
¿Qué comparten con estos grandes escaparates mundiales y cuáles tienen en agenda conquistar? Una visión de calidad y diseño exclusivo. Nos enorgullece estar en sus plataformas y nuestra meta es seguir expandiéndonos. Estamos mirando hacia mercados en Europa y Asia, y esperamos conquistar vitrinas como Harrods y Selfridges en un futuro cercano.
¿Cuál ha sido la colaboración más significativa hasta el momento? Cada colaboración es especial, pero una de las más significativas fue con LoveShackFancy. Nos permitió combinar nuestras estéticas y llegar a una audiencia más amplia. Fue un proceso muy orgánico que surgió de un mutuo respeto por el trabajo del otro.
¿Cuál es el punto de partida de la inspiración y cómo son los pasos que le siguen? El proceso creativo es colaborativo y fluido. Nos inspiramos en nuestros viajes, en la naturaleza y en las historias de la gente que conocemos. Comenzamos con un concepto o una emoción y luego lo traducimos en bocetos y prototipos. Cada sombrero pasa por varias fases de revisión hasta que estamos completamente satisfechas con el resultado final.
¿Se visualizan emprendiendo con otras piezas? Sí, pronto estaremos lanzando dos nuevas categorías de accesorios. Aunque todavía no podemos revelar los detalles, estamos muy emocionadas por esta expansión.
¿Qué pueden adelantarnos de los proyectos y sueños que están por hacerse realidad en este año? Estamos emocionadas por varias colaboraciones que están en camino, incluyendo una muy especial con una diseñadora dominicana. Además, continuaremos expandiéndonos en nuevos mercados y perfeccionando nuestras colecciones para ofrecer siempre lo mejor a nuestros clientes.
Editorial.
Sabía que junio sería interesante, de emociones intensas. Tenía que representar de alguna manera lo que han sido estos 10 años de historia aquí, en Listín Diario, en Ritmo Social y en esta columna que creé y fundé con tanto amor. Tenía, de alguna manera, que honrar a esa joven de grandes sueños cuyos pininos vivirán por siempre en estas páginas, a cada persona talen- tosa con la que he tenido el privilegio de caminar de la mano todos estos años; a cada lector que ha vivido conmigo estas más de 240 ediciones, a cada invitado especial que ha sabido hacer de este espacio, el suyo; y a la mujer que está convencida de que llegó el momento de seguir creciendo profesionalmente, aunque esto signifique partir del lugar que, hasta hoy, ha sido mi casa.
Los románticos sabemos el poder que tienen los sentimientos en lo que escribimos, por eso, más que la nostalgia que envuelve los “broches de oro” como este, estas palabras nacen desde la gratitud infinita por todo lo que hemos logrado juntos, el orgullo de un alma creativa que encontró muchos espacios donde pudo “ser”, la emoción de quien abraza los retos con el compromiso y la pasión única con la que es capaz de hacer este “trabajo”: entregándose por completo; y el corazón conectado con un Dios que siempre ha estado ahí, iluminando mis pasos, y a quien le pertenecen por siempre cada una de “mis glorias”.
Cuando llegué a Ritmo Social, no existía un espacio dedicado enteramente a la moda. Así que mi primera misión fue crearlo. Recuerdo que tenía todos los prototipos listos para presentar este proyecto, pero me faltaba el nombre. Quería algo “catchy”, que comunicara lujo pero que reflejara también el valor de lo escrito a mano. Así que pensé en las cartas, y en cómo a veces dejamos lo más importante para el final, la posdata. De ahí P.S.IT’S FANCY, como título y cómo indicador de que cada palabra a seguidas, es igual de protagonista.
Y no siendo esta ocasión la excepción, me despido con el sombrero de “la monarquía moderna” en el corazón, la innovadora propuesta de lujo artesanal de Marielly Alba y Mercedes Lairet que están llevando el nombre de Latinoamérica muy lejos. También recordando las palabras de bienvenida de quien ha sido mentora para mí, el día en que asumí mis funciones como coordinadora editorial de esta revista y como editora de Ritmo Platinum. “Natalia, estás condenada al éxito”, me dijo. Y entendiendo que esto representa algo distinto pero inmenso para cada persona, extiendo aquella “sentencia” a cada uno de ustedes, en el fragmento del capítulo que sea que estén viviendo en estos momentos; y de manera muy especial, a quienes están listos para emprender el próximo, como lo estoy yo. Gracias por todo. P. D. ¡Hasta pronto!
Admiro de mi hijo la felicidad con la que vive, la facilidad con la que fluye y la suerte de no ser apegado a nada”.
En un jardín que ha sido testigo de grandes momentos familiares, sobre una sillita que lleva su nombre, rindiendo homenaje al proyecto y a la historia de Carlos, el joven artista de Palenque que ha demostrado cómo el autismo puede ser un poderoso motor; Álvaro nos regala la mejor de las dichas para estas fechas: ver a Lía en el más influyente de sus roles, la maternidad.
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Con ella nos mudamos a España, cuando, después de culminar su carrera en Diseño de Interiores en el país, decidió respaldar con estudios su pasión por la moda, formándose en Estilismo y Asesoría de Imagen en el Istituto Europeo di Design, IED. A su regreso, la vimos convertirse en embajadora de importantes marcas de moda y lujo. Fuimos testigos del lanzamiento de su firma de arquitectura y diseño de interiores, Hour Design Studio, junto a su amiga y socia Oriana Ascencio, en octubre de 2020. La vimos comprometerse con su novio de toda la vida, Bryan Larry Christopher y planificar una boda en plena pandemia, que terminó convirtiéndose en una doble celebración: primero civil, y poscovid, en octubre de 2021, eclesiástica. Fuimos espectadores del anuncio de su embarazo y de cada paso hasta convertirse en mamá. Y hoy, pocos días después del primer cumpleaños de su hijo Álvaro, y 10 años después de haber empezado a hacer su vida pública, Lía Alejandra nos habla con la misma honestidad que lo ha hecho siempre, sobre cada matiz que define su vida, siendo el protagonista y el más importante de todos, el que inicia y termina con la personita que le acompaña en estas fotos.
Ritmo Social: Dicen que cuando nace un hijo, también nace una madre. ¿Cómo es la Lía que surge a partir de la maternidad?
LÍA MONTÁS:Definitivamente una nueva Lía, y creo que fue tan notorio, que todos me lo decían. Más práctica, más empática, pero, había algo dentro de mí que había cambiado y era mi actitud y perspectiva ante la vida. Ahí es que me doy cuenta que mi hijo me hizo más humana y vino a revolucionar mi mundo.
RS: ¿Qué fue eso que comprendiste de tu mamá, cuando te convertiste tú en una?
LM:Que la preocupación y el desvelo por los hijos es para siempre, por el amor tan inmenso que se les tiene.
RS: ¿Qué ves de ti y de tu infancia, hoy en tu bebé?
LM:La felicidad con la que vive, la facilidad con la que fluye y la suerte de no ser apegado a nada, simplemente viviendo y disfrutando del momento. Y es exactamente como me lo imaginé…
“Con la llegada de álvaro, mi actitud y perspectiva ante la vida cambió. nació una nueva Lía, Más práctica, más empática, más humana. mi hijo vino a revolucionar mi mundo”.
RS: ¿Cuáles mitos y realidades sobre la maternidad y el embarazo experimentaste y qué fue lo que más te sorprendió que fuera cierto o que no?
LM:¡Ufff!, creo que es lo que más me causa risa. Pero el que más experimenté es que siempre me preguntaban que si era hembra porque dicen por ahí que las hembras tienden a poner a las embarazadas lindas, y en mí fue todo lo contrario y era varón. También el mito de esperar los 40 días para lavarte la cabeza, y yo, dos horas después del parto, ya estaba en el baño lavándomela.
RS: Álvaro recién cumplió su primer año. ¿Qué han significado estos 12 meses para ti y cómo fue celebrarlo?
LM:Una montaña rusa de sentimientos, nostalgia y felicidad. Nos celebramos todos, mamá, papá y bebé, por llegar hasta aquí orgullosos de esta nueva aventura que hemos estado viviendo.
RS: Eres una mujer de múltiples roles y trabajos: madre, esposa, diseñadora de interiores, empresaria, creadora de contenido digital y embajadora de marcas. ¿Cómo defines un balance sano y en qué momento lograste encontrarlo?
LM: Antes de decidir ser madre, siempre dije que aparte de ese rol tan importante, yo quería seguir conservando mis demás roles, pues para mí es imprescindible conservar cada aspecto de mi vida y lograr ese balance. Pero poner límites y priorizar es lo que considero más sano, no lo encontré, sino que desde un principio yo misma lo tenía muy claro.
RS: Siempre has sido una persona muy transparente a través de tus plataformas digitales. Tu proceso de parto no fue la excepción. Para quienes no tuvieron la oportunidad de ver “el live”, compártenos tu experiencia: ¿cómo te preparaste, qué funcionó y qué no para ti y cuáles fueron las ventajas y desventajas de haber optado por el extranjero, siendo primeriza?
LM:Soy una persona muy organizada y planificada; desde mucho antes ya yo había preparado todo para la muy esperada llegada de mi Álvaro, por lo tanto, nada me iba a tomar por sorpresa. Gracias a Dios, no hubo sustos ni emergencias, fue un parto bendecido y muy tranquilo. Hicimos un duro trabajo en equipo, pero muy gratificante.
Dar a luz en el extranjero no es tarea fácil, pero salimos a flote. La ventaja, es de contar con un centro más preparado ante cualquier emergencia y la desventaja es que te tienes que separar de los tuyos y pues ante tantos cambios drásticos, como es traer una criatura al mundo, estar en un país que no es el tuyo, no te sientes en ‘casa’.
RS: En una próxima ocasión, ¿qué harías diferente y qué prevalecería? ¿Te animarías a utilizar doula en el futuro?
LM:Haría todo tal cual, seguir llevando una vida normal con sus cuidados, pero conservando mi rutina de ejercicios, buena alimentación y mantenerme activa. La doula es un elemento que ya tenía pensado y que, claro, que un próximo optaría.
“Mi palabra constante en todo este proceso de maternidad es: ‘fluir’; es una palabra con poder que implica ‘aceptación’ de lo que está sucediendo en el momento”.
RS: En un momento donde la lactancia materna ha vuelto a ser tendencia y norma, tú abiertamente expresaste que fue algo que no funcionó para ti. ¿Qué le dirías a esas mujeres que genuinamente no han podido llevarla o qué les está costando dejarla por tema de culpabilidad, presión social, etc.?
LM:Mi palabra constante en el proceso de maternidad es ‘fluir’; es una palabra con poder que implica ‘aceptación’ de lo que está sucediendo en el momento. La lactancia continuará siendo muy importante y estoy muy de acuerdo con ella, pero cuando las cosas no se te dan fácilmente y está implicando un lapso mental en un proceso tan difícil llamado ‘maternidad’, es hora de poner en primer lugar tu paz mental. A esas mujeres que se puedan identificar conmigo, les diría que no te hará mejor o peor madre, que es igual de amoroso dar de comer a tu hijo de una forma u otra, y que ciertamente es una elección que solo tú, como madre, tienes el derecho de tomar.
RS: Siempre has sido una persona muy segura de ti, independientemente de lo que diga el peso. El tema de la bariátrica, como prevención de enfermedades hereditarias y como inicio de una vida en salud, fue una alternativa que optaste y que también viviste en transparencia. Para quienes se ven en ti, ¿tuvo esto alguna consecuencia en el proceso de concepción o durante el embarazo en sí, donde es natural que la piel se expanda y que el peso aumente? En fin, ¿esto condicionó de alguna manera tu proceso de convertirte en madre?
LM:La bariátrica fue una de mis mejores decisiones; me permitió que evolucionara tanto Lía la mujer, como la esposa y como la madre, para poder desempeñarme mejor en todos los roles. Antes de ser madre, sabía que iba a necesitar un cambio físico y mental para lo que se avecinaba priorizando la salud y no tuve contratiempos para concebir y, gracias a Dios, fue un embarazo totalmente bendecido en todos los aspectos.
Pienso, que cuando llegas a un estado de aceptación de ti misma y de quién eres, creo que lo demás, como por ejemplo la piel, es banal; aunque día a día yo trabajo para ser la mejor versión de mí. Lo condicionó para bien y creo que en el embarazo y después de, es cuando me he sentido en mi mejor etapa.
RS: Eres una abanderada de la estimulación temprana. ¿Cuáles beneficios has visto en Álvaro hasta el momento, en qué consiste y por qué del centro o el profesional que elegiste?
LM:La estimulación temprana, para mí, es primordial en los primeros meses de desarrollo de un bebé. Le permite explorar, fortalece la conexión y los lazos. Es un momento que disfruto muchísimo con mi hijo, pues me permite ver sus avances y me llena de mucha alegría. Álvaro es muy observador y atento, eso ha beneficiado su manera de imitar gestos, palabras, etc. Elegí al centro de Oleica Jiménez por el respeto tan inmenso que le tiene a las habilidades y a los tiempos del bebé, sin necesidad de ir corriendo porque alcance sus ‘metas’ y por su pasión hacia su trabajo.
RS: La base religiosa, espiritual, juega un papel importantísimo en la formación integral de cualquier individuo. ¿Qué papel juega Dios en tu vida y cómo fue para ustedes la selección de los padrinos de Álvaro?
LM:Soy de familia creyente, donde Dios siempre será primero y el centro de todo lo que hacemos y gracias le doy por todo. Con él comienza mi día. La selección de los padrinos de Álvaro fue muy fácil, pues siempre había comentado que quería que fueran personas presentes en nuestras vidas, que lo quisieran a él como su propio hijo y que fueran personas de fe. Por eso, elegimos al hermano de mi esposo y a mi mejor amiga y socia, que es como una hermana, quien siempre ha estado y estará en mi vida.
“Convertirnos en padres, mejoró el matrimonio y la vida, y aunque mucho ha cambiado, siempre tenemos presente, como pareja, el conservar eso que nos unió”.
RS: Hemos hablado de cómo fue para ti convertirte en mamá, pero ¿cómo fue para ti el volver a ser mujer, especialmente siendo una pareja de jóvenes?
LM:Siempre me sentí en total control de mis emociones y sentimientos, y desde que tomé la decisión de ser madre, siempre supe que no quería dejar de ser la mujer, la esposa, la hija. Cuando hay el deseo, entiendo que todo fluye y que hay tiempo para todo. Un hijo llega para hacer mejor el matrimonio y la vida, y aunque mucho ha cambiado, hemos tratado de conservar eso que nos unió.
RS: Tu estilo es inconfundible. Partiendo de que eres una amante del arte en todas sus manifestaciones, ¿cómo se han ido reflejando cada una de tus vivencias en tu manera de vestir, de decorar, de comunicarte como profesional?
LM:¡Wow!, creo que se refleja en absolutamente todo lo que hago. Las vivencias es uno de mis mayores tesoros, porque ahí es donde se refleja quién soy actualmente. A través de los viajes, las experiencias, las personas que se han cruzado en mi camino, han formado mi manera de vestir, ha cambiado en gran parte mi sentido general de la estética y se ha encargado de definir la manera de comunicarme tanto verbal como visualmente. La inspiración llega a través de todas esas manifestaciones y es donde se crea la autenticidad.Siempre hay cambios, pero la esencia es la misma.
RS: Hija de arquitectos, optaste por el diseño de interiores, y junto a Oriana Ascencio, fundaste un poco antes de la pandemia a Hour Design Studio. ¿Cuáles son sus sueños y metas con este proyecto y cómo fue traer a la realidad la habitación de tu bebé a través de él?
LM:El arte está en mis venas en muchos ámbitos y el Diseño de Interiores es mi pasión. Mi empresa es un sueño hecho realidad, aunque con muchas metas por lograr, cada día con mucho entusiasmo damos lo mejor de nosotras por crecer; el camino no siempre es fácil, pero el deseo de ambas hace que todo sea posible y llevadero.
Diseñar la habitación de Álvaro, siempre fue un sueño. Aún cuando no existía la empresa, ya tenía la idea de cómo sería. Pero lo más emocionante, fue vivir el proceso y compartirlo con mi socia y la madrina de Álvaro; hasta ahora, nuestro proyecto más hermoso y especial.
RS: El corto que hiciste para Carolina Herrera recientemente es referencia de creatividad, innovación, e intervención también quizás de tus años viviendo en Europa. ¿Qué quieres aportar a la moda y cómo se es diferente cuando “todo está inventado”?
LM:El punto diferenciador lo pones tú. Siempre supe que si iba a incursionar en el mundo de la moda, quería que fuera por hacerlo bien y por la forma de hacer las cosas… con altura, con amor, con creatividad y pasión.
A la moda, quiero aportar que no tiene que ver con marcas, sino la forma en cómo las utilizas, la elegancia con que las llevas, la seguridad y la actitud con que te las pones, pero sobre todo que hable de quién eres sin tener que decir una palabra.
Se es diferente siendo tú, porque como tú no hay dos en el mundo; aunque todo esté inventado, siempre hay una forma de hacerlo con tu toque personal. Para mí, no es negociable mi autenticidad ni quién soy, y eso es lo que me mantiene vigente y creativa en este mundo. Ciertamente hay gran parte de esos años en Europa en mí, y creo que ha influido mucho en los ojos con los que miro, admiro y aprecio la moda.
RS: Viendo la figura materna como esa guía; tu voz en las redes sociales, hasta cierto punto, te permite ser “madre”, alcanzando e impactando la vida de personas, de manera positiva. ¿Cómo asumes tú esta realidad?
LM:He construido una comunidad muy bonita. Muchas me escriben que se identifican con mi forma de ser madre, pues yo no sacrifiqué cosas por serlo, sino que me aferré a todo lo que era en una mano y pues agarré este nuevo rol de madre en la otra mano y ahora todos caminamos juntos de la mano. Es una realidad que me sorprende mucho, los comentarios y las anécdotas que me dicen, pero más que impactar la vida de los demás, ellos me dan lecciones de vida a mí, a través de esos mensajes que tienen mucho poder e influencia en mí.
“Esas madres, de las que si busco dentro de mí siempre encuentro algo de ellas, son tantas, pero en todas vi lo mismo: Su manera de afrontar la maternidad, sin dejar de ser quiénes son”.
RS: En el plano familiar, profesional y personal, ¿qué sigue para ti?
LM:Soy muy de aceptar los planes de Dios; nos encargamos de planear, pero, al final, él es quién dispone. La palabra ‘fluir’, como dije anteriormente, también tiene poder y es mi mantra.
En el plano familiar, sí quisiéramos un hermanito/a para Álvaro y que fortalezcamos ese lazo como familia. En el plano profesional, crecer ambas pasiones: la moda y el diseño de interiores, con grandes proyectos que están en agenda en un futuro cercano. Y en lo personal, pues seguir nutriéndome de cosas positivas que hacen que eso se refleje en todo lo que hago.
RS: ¿Quiénes son las mujeres de tu vida, esas madres de las que si buscas dentro de ti, siempre encuentras algo de ellas?
LM: Son tantas, pero en todas vi lo mismo: su manera de afrontar la maternidad, sin dejar de ser quiénes son. Mi madre, mi abuela, mis amigas que ya son madres más cercanas; mujeres trabajadoras, soñadoras e incansables.
RS: Mañana es el Día de las Madres en nuestro país. ¿Cómo lo celebras y qué mensaje tienes para todas, incluyéndote a ti?
LM: Mamá, todos los días es tu día. Quiérete, ámate, cuídate y mímate. Te mereces todo y más, lo estás haciendo muy bien a tu forma y a tu ritmo. Y recuerda que nadie es como tú, eres única e incomparable.Sobre la celebración… todavía no sé dónde, pero sí que siempre será en familia.
CONFESIONES ÍNTIMAS
Una canción de cuna: ‘A dormir’ de Lunacreciente.
Un cuento: ‘Oso y Ratona ¡Buenas noches!’, contado por mamá.
Un juguete: ‘Sophie’ la jirafa.
Un momento del día: La mañana, al despertar.
Ser mamá: El reto más hermoso y satisfactorio.
Ser hija: Ser el ‘todo’ para alguien.
Ser esposa: Compromiso y equipo.
Álvaro es: La representación del amor y el centro de mi vida.
La mejor herencia familiar que recibiste: Los valores.
Un valor: El amor.
Un rol: Ser madre.
Un propósito: Inspirar a mujeres a través de mis distintos roles.
El no negociable más grande de tu vida: El tiempo con mi hijo y el tiempo para mí.
Lo mejor y lo no tanto de ser hija única: Crecí con todo el amor y atenciones, me hice muy independiente.
Un modelo a seguir: Mi mamá.
Un sueño de niña que viste cumplir de grande: Relacionar de alguna forma mi vida con la moda.
Tu abuela es: La muestra del amor y sacrificio.
La primera comida de Álvaro: Un puré de papa que yo me terminé comiendo (risas).
Su primera palabra: Papá.
Lo que le pediste a Dios que nunca le falte: Salud y felicidad.
¿Te gustaría ser madre por segunda vez? Nos gusta el número 4.
¿Existe un “cuándo”? Pronto, los puedo sorprender.
Una colección de medallas en honor a la Virgen de la Altagracia por Mónica Varela
¿Qué representa para ti y para tu marca, como dominicanas, la Virgen de la Altagracia? Es una de las devociones más importantes para el pueblo dominicano. Es nuestra protectora. Para mí, ella es una guía y un modelo a seguir por todas sus virtudes. Como mujer, quisiera poder imitarla y que mis clientes no solo la lleven en su pecho en señal de veneración, sino que también la lleven dentro de su corazón.
¿Cómo es tu relación personal con ella, como madre divina? Es quien me lleva a adorar al corazón de su hijo y a conocerlo más. Es la madre que me consuela, la que invoco para que interceda cuando tengo una petición y la que me inunda de paz y consuelo.
¿Quién es o fue esa persona que te conectó con ella? Mi madre siempre nos cuenta que una vez que fue a visitar a las monjas, una de ellas le dijo que mi abuela, Immacolata, estaba a los pies de la Virgen moviéndole el faldón para que proteja a sus hijos y a sus nietos. Esta imagen se ha quedado en mi mente por muchos años, y hace dos años que tomó fuerza para mí.
¿En qué momento de tu camino a la maternidad llega la inspiración de esta colección de medallas? La inspiración de la medalla llegó mucho antes de la maternidad. Pero cuando llegó Sabina, sentí que era el momento perfecto de lanzarla. Durante mi embarazo tuve a la Virgen muy presente y mi parto, tan natural como lo deseé, no hubiera sido posible sin su presencia.
¿Cuál imagen en particular es la que resaltas en estas piezas y por qué? Esta medalla está inspirada directamente en la imagen oficial de Nuestra Señora de la Altagracia. A la derecha está la estrella de Belén, en su halo las doce estrellas que representan a los apóstoles sobre la corona de la Reina del Cielo, el Niño Jesús dormido en su regazo, sus manos unidas en adoración y san José a la izquierda con la vela en su mano izquierda.
¿Qué ha sido lo más retador como diseñadora y cómo artista, de inspirarte o “intervenir” de alguna manera a una figura santa? Esto es una representación que llegó a mí porque así la Virgen lo permitió. No creo que es casualidad que mi diseño en general sea tan moderno y que así, a través de mis diseños, ¡podamos llegar a más personas que anhelen venerar a la Virgen!
¿Por qué tres tamaños? Porque lo que un símbolo tan poderoso representa es diferente para cada persona que lo lleva puesto, igual como lo es la espiritualidad. Habrá quien la quiere llevar pequeñita, cerquita del cuello, todos los días, para no quitársela aunque se adorne con otras cosas. O quien la quiere lucir un poco más grande, pero siempre de un modo tradicional, a medio pecho. Y también quien prefiera resaltar la modernidad de una imagen que, en su esencia, es clásica, poniéndosela como un statement piece.
Además de medallas, ¿piensas llevar a nuestra Virgen a otras piezas de joyería a futuro? Todavía no hay planes para eso.
¿Qué papel juega la llegada de Sabina en el presente y futuro de Mónica la marca, Mónica la diseñadora y Mónica la madre y mujer que lo está viviendo todo? No imagino mi vida sin Sabina; ¡qué gran regalo son los hijos! Todo lo que haga de aquí en adelante, lo haré siendo su madre. Estoy muy agradecida de que, además de sentirme realizada como diseñadora y empresaria, ahora soy también esposa y madre.
Mañana será tu primer día de las madres, ¿Cómo piensas celebrarlo? Lo celebraré junto a mi familia. Tengo años precelebrando el Día de las Madres, ¡porque siempre supe que algún día sería madre! Este año ya es oficial y lo pasaré abrazada de mi esposo, quien me dio el privilegio de serlo.
EDITORIAL.
Quiero que conste, detrás de estas líneas, hay un corazón que encontró su voz y un teclado lleno de lágrimas, de tanto sentir. Son de alegría, de incertidumbre, son por las batallas ganadas y también por otras que me vencieron a mí, de expectativas superadas por una realidad que cambió para siempre mi perspectiva. Lágrimas de esclarecimiento, también de orgullo, de emoción, de fe, pero sobre todo, son de agradecimiento eterno con Dios y con la intersección de una madre divina que buscó la manera de anunciarnos la llegada del primer varón de la familia, de nuestro bebé sano, sabio, feliz, y desde entonces, se quedó con nosotros. Ella caminó de nuestra mano desde mucho antes de la gestación, pidió luz por mi parto, y Dios lo permitió tan fluido y perfecto, que mis sueños quedaron en desventaja. Convirtió mi “miedo de primeriza” a lo desconocido, en la seguridad inquebrantable de quienes lo logran una, y otra, y otra vez. Lanzó mi capacidad de amar al abismo de la eternidad, haciéndola cada instante más profunda, más intensa, más inmensa, más inexplicablemente entendida, perenne e incondicional como solo las madres somos capaces de vivirla. Ha estado en nuestras noches de desvelo, en nuestros días de lactancia, en cada rayo de sol que, desde hace siete meses, alumbra sus piecitos inquietos por las mañanas. Ha estado en sus carcajadas, en lo curioso y encantador de su personalidad. En la razón detrás de su primera palabra: papá, como ese reconocimiento a su figura masculina, mi compañero de vida, nuestro “todo o nada” que siempre sabe serlo todo para nosotros. Está en mi madre, en mi abuela, cerca de mi suegra en el cielo. En la oración de cada mujer que espera con ansias una respuesta, y en la que agradece el haber sido escuchada. Está en estas palabras, en el propósito que tienen estas páginas y en la vida de cada persona que las lea.
Moda, arte y diseño de productos son tus grandes pilares, de hecho, los exploraste todos en el mismo orden, ¿Cómo fue tu paso por la moda y cuando y por qué haces la transición a piezas del hogar?
Después de graduarme de la escuela, decidí seguir mi pasión por la moda y me trasladé a Milán para estudiar en el prestigioso Instituto Marangoni. A mi regreso, fundé Bless my Funk como una marca de moda que destacaba por diseñar y producir sus propios textiles, creando así piezas únicas y distintivas. Sin embargo, tras una colaboración exitosa con una tienda de muebles, comenzamos a expandir nuestro enfoque hacia productos para el hogar, utilizando nuestros textiles exclusivos. Con el tiempo, esta transición nos llevó a alejarnos gradualmente del mundo de la moda, centrando nuestra atención exclusivamente en el campo del interiorismo.
La pintura y el dibujo fueron tus primeras formas de expresión artística, ¿Cómo evoluciona este vínculo con el tiempo, hasta hacerte y hacer lo que eres hoy?
Desde los seis años, el dibujo y la pintura han sido mis primeras formas de expresión artística. Esta temprana incursión en el arte ha moldeado mi percepción visual y estética, proporcionándome un ojo entrenado para la composición y los colores. Esta habilidad, adquirida a través de la práctica constante, ha demostrado ser invaluable en mi carrera como diseñadora y creo firmemente que mi conexión innata con el arte, desde la infancia, me ha permitido infundir esta pasión en todas mis proyectos.
Te formaste también en ilustración, ¿qué sueñas con esta carrera?
Durante mi adolescencia, me sumergí en numerosos cursos de ilustración, explorando las técnicas y estilos en este arte. Sin embargo, con el paso del tiempo, he llegado a percibir la ilustración como un componente esencial dentro de un proceso creativo más amplio, en lugar de considerarla como la pieza final en sí misma. Entiendo que la ilustración puede ser una herramienta poderosa para dar vida a ideas y conceptos, integrándola de manera orgánica en proyectos más grandes. Esta perspectiva me ha permitido utilizar la ilustración de manera más versátil y creativa, incorporándola en diferentes aspectos de mi trabajo para enriquecer y complementar el resultado final.
Los estampados diseñados por ti siempre han sido tu insignia, ¿Qué tan distinto era diseñarlo para prendas de vestir y qué cambia cuando lo haces para el hogar?
Ya no usamos tanto el collage, si no más bien composiciones geométricas y arquitectónicas. Los prints siempre serán prints, lo que cambia es la estructura y el gimmick del negocio.
Además del collage, ¿cuáles otras técnicas integras en tu día a día como diseñadora?
Si hablamos de técnicas diría que bordados, ilustraciones a mano, renders 3D.
Hiciste el primer coffe table book que no necesita leerse y que carece de páginas, ¿Cómo surge este “invento” y cuál fue tu propósito detrás de él?
Decidimos jugar un poco con el concepto de la decoración con los famosos «Coffee table books», esos libros que suelen usarse únicamente con fines decorativos para proyectar una imagen de intelectualidad. Así que, como una especie de broma inteligente, creamos un objeto que sirve al mismo propósito, pero con una pequeña diferencia: ¡no tendrás que leerlo nunca!
¿Qué tan importante ha sido una base en moda, para desarrollar después todo esto de Bless My Funk Home?
La moda ha dado a Bless my Funk Home un desarrollo fascinante, transformándola en una marca de productos para el hogar que se gestiona con el mismo enfoque y estilo que una marca de moda. En nuestro enfoque, siempre estamos tejiendo historias intrigantes, creando personajes cautivadores y diseñando todo con un estilo distintivo que nos caracteriza. Esta fusión entre moda y decoración nos permite ofrecer productos para el hogar que no solo son funcionales y estéticamente atractivos, sino que también cuentan con una narrativa propia y que tienen una personalidad única.
Como diseñadora de modas fuiste parte de esa generación de jóvenes creadores para los que no existen los limites creativos y que cambiaron por completo el panorama de la industria en el país, ¿Cómo artista, cuál sería “la corriente” o “el movimiento” en el que estás o te verías perteneciendo?
Creo firmemente que estamos en el proceso de gestar un movimiento y un espacio donde la creatividad no conoce límites. En este momento, me encuentro inmersa en un nuevo proyecto que aborda precisamente esta idea. Estoy convencida de que, mediante la unión y la colaboración, somos capaces de generar cambios significativos. Y precisamente eso es lo que estamos gestando en este momento.
Para Verónica y para la firma, ¿cuál es el siguiente paso emocionante?
Bless my Funk está en una etapa emocionante de su desarrollo, explorando la posibilidad de exportar y abrir nuevos horizontes en otros territorios. Mientras tanto, yo personalmente me encuentro en un momento de expansión aún mayor, preparándome para embarcarme en un nuevo proyecto que se asoma en el horizonte.
¿Te visualizas regresando a la moda algún día?
Visualizo mi papel como directora creativa, curadora y productora de campañas, pero no necesariamente como diseñadora. Aunque siempre amaré el mundo de la moda, simplemente no me veo como ese arquetipo de persona.
Editorial.
Sus pininos están en la moda, pero su presente en el arte y el interiorismo. Llevando de un escenario a otro ese “Embrace your funk” tan característico, como el llamado a eso que te hace único y distintivo como persona; celebrando esencias y, sobre todo, siendo fiel a ella (uno de los más grandes aprendizajes adquiridos de su master class con Agatha Ruiz de la Prada, cuando recién se iniciaba).
Hoy por hoy, y en sus palabras, “el arte constituye el vehículo a través del cual puedo vivir en armonía con mi propósito de vida”. Estando su foco, independientemente de la industria en la que se encuentre, puesto sobre el claro objetivo de ser una plataforma para los talentos genuinos de su país y ser un agente de cambio en la industria del diseño.
Para esta edición especial de Arte y Literatura, nadie mejor que Verónica Modesto, creativa detrás de la inconfundible firma Bless My Funk, para establecer una conversación y con su ejemplo inspirar a diseñadores, de todas las ramas, a cambiar las reglas del juego y borrar los límites del ingenio creativo y de la colaboración, para ser y dejar huellas verdaderamente significativas.
María Canela es Barranquillera pero con orígenes en la Guajira, “mis papás y mi familia son de ahí”. De ahí viene su conexión con Waya, de donde surge su lujosa firma de bolsos artesanales que comenzó hace 7 años, y con todas las artesanas y comunidad indígena de la zona. Tiene 32 años y estudió administración de empresas. A diferencia de otras diseñadoras, su marca llegó primero y es a través de ella que inicia esta relación tan latente con la moda.
Su principal pasión es el tema social y eso inició siendo su firma, un proyecto social que quería llevar la cultura y tradiciones wayúu a cada rincón del mundo y mejorar la calidad de vida de estas grandes artistas. Su “instrumento” fue la pieza insignia de esta comunidad, la mochila o bolso wayúu, pero con un ligero twist que la elevara a un nivel más lujoso, high end y un poco más moderno.
De ahí parte su primera línea de negocio que hoy ha evolucionado a una marca que también crea hogar y ready to wear. Hasta el momento todo lo diseñado lo hizo de manera empírica, pero eso está al punto de cambiar. Desde su nuevo destino, Italia, la diseñadora detrás de una firma que ha conquistado a todo Latinoamérica con sus carteras de lujo puramente artesanal, nos comparte 9, más bien 12, facts sobre ella, su firma y el futuro de ambas.
1. ¡El Canela mi mamá lo escuchó en un aeropuerto cuando tenía 20 años! Se acordó de el justo a tiempo, antes de que mi papá “decidiera” que yo sería RITA.
2.Tengo dos ahijadas, ambas hijas de artesanas que trabajan con WAYA. Definitivamente esto llegó a reafirmarme que somos una familia, cosa que me hace inmensamente feliz. Empezamos con un grupo de 10, que aun hoy, que son más de 300 artesanas trabajando, siguen con nosotras.
3. Soy administradora de empresas, no diseñadora de moda como muchos creerían. ¡Todo en Waya ha sido completamente empírico! Hoy, después de muchos años de querer hacerlo, decidí estudiar Fashion Design en Italia. ¡Nunca es tarde!
4. Después de ser, por años, quien llevaba una ropa porque sí, otra por si acaso, y otra por si había plan z, hoy puedo vivir con una maleta, y de mano, por meses (literalmente).
5. Soy una persona súper despistada, debo anotar hasta que al siguiente día voy a ir al gym. (Todo en el block de notas, nunca en calendario)
6. Mi familia, 4 hermanos, mamá y papá; es mi todo, el mayor regalo de Dios para mí.
7.Puedo alimentarme de queso, brownies y huevos. ¡Eso sí, la comida es una de mis pasiones!
8. A pesar de ser muy social, me encanta viajar y sentarme a comer en un restaurante sola. Mi primer viaje SOLA fue a CHINA. También, creo que en mi vida pasada fui dominicana. Amo con locura este país y su gente. De hecho, después de Pandemia viví muy feliz, por unos 4 meses, en Punta Cana.
9.Como buena geminiana, casi todo me lo compro doble. Mismos zapatos, blusas, pantalones: uno en negro, otro en blanco, por ejemplo.
10. Soy muy fresca y confiada, siempre pienso que todo sale y listo. Muchas veces esto me pasa mala jugada, pero la mayoría funciona. Soy de las que siempre va tras sus sueños.
11. Nada me aburre más que la monotonía, me encanta aventurar y descubrir. De ahí viene mi inspiración para crear.
12.Como dicen por ahí, en casa de herrero, cuchara de palo. No tengo Wayas como todos piensan. Me pongo una y termino regalándola. La única que ha perdurado siempre, porque es un must para toda ocasión, es la “Enrramada bag”, en negro.
Editorial.
“En Waya siempre estamos en la mira de contrastes, donde tratamos de conectar dos mundos completamente diversos pero que, al final, siempre encuentran un punto de fusión y este punto para nosotros es este tejido artesanal que hacen estas mujeres.
A estos dos mundos a los que me refiero, pertenecen dos mujeres completamente distintas. En el primero están estas mujeres de la comunidad Wayúu, nuestras mujeres artesanas, con una mirada muy basada en disfrutar de lo simple, de lo básico.
Que buscan simbología en todo lo que las rodea y que al final vienen a enseñarle a las otras mujeres a disfrutar de lo sencillo. Rodeadas de naturaleza, sabias y en casas construidas por ellas mismas.
Y está este otro mundo, donde habitan las mujeres modernas, que de pronto tienen una mirada cambiante, viajera, que llevan un estilo de vida mucho más ligero, más rápido y que al final es la mujer que muestra con estilo estos bolsos artesanales por cada rincón del mundo, llevando con ellas siempre la historia de estas otras mujeres: las artesanas que las tejen.
Al final, eso es lo que buscamos: Unir a estas dos mujeres, consientes de que dentro de cada una no hay un yo sino un nosotras y que se complementan de manera poderosa a pesar de ser tan diferentes. Eso es Waya”.
Y eso también es su diseñadora, María Canela, el resultado y vivo ejemplo de este punto de unión perfecto de dos mujeres, dos visiones y dos mundos.
Yo disfruto un rico vino, una cervecita bien fría y un coctel de esos diferentes y bonitos. Por eso durante este viaje tan especial en familia para NYC, estando embarazada, me tomé la tarea de encontrar las mejores opciones “spirit free”. Aquí algunas de ellas con un toque de los outfits que me acompañaron durante cada salida.
Raspberry Lemon Spritz: The Parlour Room
Un barcito que encontramos caminando por las calles de Midtown con un menú súper divertido de cócteles (y mocktails obvioooo). La decoración de este lugar al igual que su nombre se concentra en generar un espacio acogedor, homey. Entré cuadros y libros es un espacio sumamente espectacular para disfrutar de buena compañía.
Estrella Galicia 0.0% : Towne Crier
Durante nuestro viaje pasamos por el pueblo de Beacon, New York para una boda muy especial. En nuestro tiempo allá nos tomamos la tarea de pasear y conocer este hermoso lugar. Parte de ello fue entrar a todos los barcitos y ver que opciones spirit free podrían ofrecer. Gozamos de un poco de live music con unas birras y en mi caso me fui con la Estrella Galicia 0.0%
Mango Passion : Mamo
Uno de mis lugares favoritos para comer y pasar un buen tiempo en la ciudad es Mamo. Vinimos una noche a celebrar el cumpleaños de mi suegra y entré buena pasta y la mejor compañía, los cócteles de este lugar son un must! Por eso estaba segura que un mocktail aquí tendría que ser un hit!
Bubbly Cyder : all around town
Una de mis opciones favoritas durante todo el viaje fue poder disfrutar de cualquier bubbly cyder. Durante nuestro viaje teníamos muchas cosas por las cuales celebrar y por eso cualquier espumante iba perfecto!
EDITORIAL.
Debo ser franca: no conocí el verdadero valor de los mocktails hasta mi embarazo. Cada encuentro, celebración, momento importante, venía acompañado de copas nada aptas para gestantes y era ahí donde los cocteles “spirit free” se hacían irresistibles protagonistas.
Es una manera de seguir llevando la fiesta contigo. De encontrar, en esta nueva etapa en la que estás, “normalidad”, un seguir siendo parte.
Y, tomando en consideración que esta es una realidad que se extiende hasta la lactancia, en honor a todas las mom to be o quienes recién se estrenan en la maternidad, como yo; para esta edición especial de vinos, destilados y maridajes, en PS It’s Fancy, les invitamos a recorrer New York a través de estos cocteles libres de alcohol.
Teniendo como la mejor de las anfitrionas a Nicole Marie Betances, consultora, fashion marketer y un nombre importarte para la industria de la moda y el lujo en nuestro país; quien a la espera de su primer bebé, nos hace parte de su más reciente viaje to the city y de los looks pensados para cada mocktail. A partir de ahora, la narradora es ella.
Parecen joyas, pero son armaduras, esculturas, arte puro pero no simple. Ornamentos hechos para personas que no temen a hablar en voz alta ni mucho menos a llamar la atención. La joyería Paula Mendoza combina estética escultórica y ancestral con diseños contemporáneos.
A lo largo de un viaje de 20 años, la diseñadora colombiana se ha hecho conocida por sus formas circulares que representan la conexión en todas sus formas, un símbolo universal de totalidad y movimiento; un equilibrio entre causa y efecto, al tiempo que invoca femineidad y protección.
Anillos, collares, pulseras, earcuffs y toda pieza relacionada a la gama de la joyería, hechas en cobre y bronce, lo evidencian. Cada material encontrado en sus colecciones se obtiene de forma ética y libre de conflictos.
Además, estamos frente a una fi rma que desde sus inicios decidió conscientemente posicionar a su país como fuente de inspiración y producción, que defiende las prácticas de producción sostenible e invierte en el crecimiento económico de los artesanos locales, artistas que han crecido con ella, creando un espíritu de responsabilidad social cada vez más fuerte.
Esto sin dejar a una lado que su mamá y sus dos hermanos también son parte, siendo uno de ellos el CSO (chef security officer) de la marca.
Su firma ha llegado a los minoristas más reputados del mundo, como Net-APorter, Saks, Harvey Nichols y Bergdorf Goodman y ha sido protagonista de innumerables publicaciones como Vogue, Harper’s Bazaar, Elle, Marie Claire, InStyle, W Magazine y una portada en Allure. “En todas las culturas, la joyería ha ofrecido inspiración y celebración a la humanidad y la naturaleza. Nuestro lema es buscar joyas en los materiales y técnicas artesanales, así como en objetos, personas y entornos. Apreciamos las joyas y colaboramos en la creación de nuevas realidades a través de ellas”.
Paula Mendoza
Meet The Designer
Su ojo distintivo por la estética y la artesanía se desvincula de las restricciones de cualquier etiqueta, permitiéndose experimentar en diferentes campos creativos: ropa, accesorios y decoración del hogar. Paula es bogotana, de nacimiento y de corazón. Y lo suyo, desde siempre, fue comunicar, lo que la llevó a estudiar Comunicación Social, moldeando su comprensión sobre la cautivante conectividad humana. En 2003, al darse cuenta de su carrera no era el canal a través del cual quería expresar su pasión y creatividad inherentes por el diseño, abrió su primer atelier en Bogotá. Un año después, se mudó a Washington, D. C., donde estudió Escultura en el Corcoran Art Institute. Es a partir de este momento que comienza a ver las joyas como pequeñas esculturas que uno puede usar. Así que consiguió una clientela privada que le permitió experimentar y ganar popularidad. Combinando la artesanía incomparable de los artesanos colombianos y su enfoque innovador del diseño, Paula Mendoza ha pasado sus últimos años trabajando entre Colombia y Nueva York. Es cofundadora y directora creativa de “Looking for the Masters”, un proyecto que busca trabajar con artesanos y comunidades indígenas para preservar las técnicas artesanales tradicionales precolombinas. En 2014, fue premiada por el presidente de su país como una de las 100 personas más infl uyentes fuera de Colombia. En 2019 recibió el premio “Colombianos estrella”, por motivos similares y, en 2020, Forbes la presentó como una de las 50 mejores creativas de su país, junto a reconocidos artistas como Fernando Botero, Sofía Vergara y Esteban Cortázar.
Editorial.
El recorrido de la moda a través de la tecnología ha sido extenso, en constante movimiento, en constante avance. Desde la industrialización hasta las texturas que resultaron de impresiones 3D, desfiles virtuales, los hologramas, la inteligencia artificial y un sinnúmero de “inventos” y maneras que ambos mundos siempre encuentran para crear juntos.
Sin embargo, no podemos dejar fuera de este capitulo a la globalización, ese proceso que derribó las barreras geográficas para acercar países, regiones, al mundo; y el papel que ha jugado la comunicación para que esto suceda y para que la tecnología misma sea capaz de llegar a todos prácticamente al mismo tiempo.
Es gracias a esta interconectividad, a herramientas como las redes sociales, que hoy nos sentimos todos parte una misma comunidad, de un mismo momento, tan cercanos a pesar de los mares, culturas e idiomas de distancia, tan presentes en la vida de tantas personas que físicamente no conocemos, pero de las que sabemos y sentimos tanto como si sí.
A jugar con los tiempos, siendo capaces de vivir dos presentes: el que nos toca en la realidad y el que programamos con una publicación.
Como las de Paula Mendoza, que la han conectado con celebridades como Lauren Santo Domingo, Beyoncé, Kylie Jenner, quienes hoy lucen sus piezas. O como esta columna misma, que la redacto estando embarazada y, posiblemente, cuando se publique en unas semanas, en su propio presente, y todos podamos leerla, ya me habré convertido en mamá.
“Como trabajo de manera remota desde Europa, la gran parte de mi horario laboral comienza a partir del mediodía. Mis mañanas siempre consisten en: levantarme a las 8:00 a.m., desayunarme y beber mi cafecito dominicano (que no puede faltar) mientras leo mis correos. A las 10:00 a.m. me ejercito (últimamente estoy amando Pilates ) y luego me baño y me alisto para el día.
Como directora de mercadeo y operaciones de La Dorada, mi función es ser el principal contacto con las marcas que trabajamos, organizar el calendario anual de nuestros exclusivos Trunk shows, manejar el funcionamiento de nuestra pagina web, crear e implementar todas las estrategias de comunicación, ventas y mercadeo para luego reportar los resultados. Tengo el placer de trabajar con marcas increíbles como Johanna Ortíz, Andres Otalora, Leal Daccarett, Mónica Sordo, entre otros y poder crear experiencias únicas para nuestras clientas.
En el día a día se traduce a: reuniones con las marcas para organizar las fechas de nuestros eventos, coordinar todos los detalles con nuestros aliados y hacer la selección de las piezas que van a estar disponibles en el evento; reuniones con Lia Pellerano, CEO de La Dorada, y el equipo de redes sociales para organizar el calendario de contenido; reuniones con nuestro equipo web para realizar cualquier actualización/ajuste a nuestra página web. Esto es claro, un super resumen, pero aunque son muchos roles a la vez, me encanta poder conectar con personas que también aman la moda y colaborar con marcas latinoamericanas de diversos países, a pesar de la distancia física.
Adicional a esto, disfruto compartir mi conocimiento y experiencias en el mundo de fashion marketing con mis estudiantes de Chavón y en mis redes sociales @mariachahin”.
Obsesiones actuales: Hacer scouting en los vintage shops en ginebra, el estilo escandinavo, skincare y home decor. Para mí la moda es: creativa, divertida y expresiva Nunca me pondría: Crocs. No puedo vivir sin: Mi celular y un cafecito dominicano 5 cuentas de moda para seguir en Instagram: Slipintostyle, Tamara, Hoskelsa, BOF, Emili Sindlev
Editorial.
La moda siempre ha sido parte de ella. También lo ha sido la comunicación. Encontrar la fusión de ambos mundos en una carrera universitaria, fue una respuesta de la vida. Tan certera como el haber hecho del lugar donde la estudió, un espacio donde encontró el amor y el idioma que tendría que adoptar para los siguientes capítulos de su historia: francés.
Precisamente durante sus días cursando Fashion & Luxury Brand Management en el Istituto Marangoni de Paris, hizo pasantía en Dior y pudo experimentar la magia del real behind the scenes de la semana de moda parisina. Sin embargo, fue su pasantía en Style Rac, una agencia de moda en Miami, la que marcó el inició de su experiencia laboral en la industria, donde también se sumaron marcas como Charlotte Olympia, Harpers Bazaar y Longchamp.
Maria Chahín Goico es actualmente directora de mercadeo y operaciones de La Dorada y comparte sus vivencias en el mundo del mercadeo de moda de lujo con la escuela de diseños de Altos de Chavón. Todo esto desde Ginebra, una ciudad encantada que adoptó como hogar desde sus nupcias en 2022.
También es una joven apreciadora de la estética, la textura, los momentos, los detalles; esos que conforman un estilo de vida que viene compartiendo desde hace años en sus redes sociales, como un contenido exquisitamente curado e inspirador. Y que en esta edición especial dedicada a la moda y a la cultura, plasma en estas páginas a modo de Take Over, convirtiéndose en la narradora absoluta de todo lo que está a continuación.
“Esta es la primera vez que damos el paso de hacer una línea propia, fabricada exclusivamente para nosotros. Eso es Maison Rattan”.
Sin haber sido esta una intención, con 30 años de trayectoria en la industria del diseño, las hermanas Claudia y Natalia Ravelo se han convertido en las embajadoras por excelencia del mimbre y el ratán. Y es a estos materiales tan suyos, a los que rinden homenaje con el lanzamiento de su primera línea de mobiliario: Maison Rattan”.
Como interioristas, son amantes de los espacios para vivir. Como individuos, apasionadas de lo simple, de lo hermoso y de lo práctico. Isleñas cuya debilidad se marca sobre las playas y los atardeceres, especialmente los de Las Terrenas, Samaná, encuentran en esas segundas casas, en las de veraneo, el lienzo perfecto para crear y ser con intensidad, las grandes diseñadoras que, por más de tres décadas, han transformado su industria. Y que, sobre todo en los últimos años, han concentrado intención sobre el sector hotelero, colaborando con firmas de gran prestigio internacional.
ESTUDIO B, su estudio, suple diseño y crea mobiliario, productos diseñados y traídos a la realidad por manos dominicanas. Artistas, socias y hermanas además, son también propietarias, desde 2012, de LU & BO, un lifestyle boutique ubicada en Santo Domingo, donde todos estos accesorios artesanales, papeles decorativos, ornamentos, iluminación y muebles de colección, curados por ellas, encuentran casa y exhibición. Son distribuidoras exclusivas, en República Dominicana, de las más importantes marcas de mobiliario exterior: Sika Design, EMU y Gervasoni. Listado al que, recientemente, se ha unido la propia: Maison Rattan.
Ritmo Social: Se podría decir que ustedes, como diseñadoras de interiores, son la semejanza perfecta de la influencia de su madre y su carpeta de recortes de revistas de decoración y las obras y planos de su padre, escenario sobre el que ambas crecieron. Pero, ¿en qué momento de este trayecto es que cada una encuentra su identidad en este mundo creativo y cómo la definen, en lo individual?
Claudia Ravelo:Creo que una parte importante está en la sangre. Mi papá es arquitecto y mi hermana mayor diseñadora. En la familia sobran los artistas. En mi caso, estando muy joven, ayudaba a Natalia a hacer algunas tareas de su universidad. Creo que ahí me enamoré y decidí hacerlo mi profesión. Pero siento que siempre he sido sensible a las cosas bellas.
Natalia Ravelo:Encontré mi identidad en mi adolescencia. Fui a trabajar un verano a una tienda de mobiliario con una diseñadora de interiores, doña Mayra de Jorge. Fue una experiencia que simplemente me fascinó. Me visualicé ambientando, ordenando y embelleciendo espacios.
RS: Si existe una verdadera constante en estas casi tres décadas de carrera profesional, son el mimbre y el ratán. ¿Cómo es que llegan ambas a estos materiales y cómo terminaron haciéndolos tan suyos?
CR:El mimbre y el rattan siempre han estado presentes en nuestras vidas. En nuestra casa materna siempre estuvo integrado en la decoración. Luego, conozco a mi esposo, y resulta que ellos eran dueños de una fábrica de muebles de mimbre y ratán. Ahí se acrecentó el amor por esos materiales de gran belleza natural.
Durante nuestra carrera profesional teníamos la posibilidad de hacer las piezas que quisiéramos para nuestros proyectos y para vender en la tienda. Así fuimos encontrando diferentes líneas extranjeras como lo es Sika Design y ahora con nuestra propia línea importada Maison Rattan, que complementan nuestra oferta. Cada día sentimos la necesidad de que estos materiales sigan siendo nuestros, como lo han sido desde hace años.
NR: El material llegó a nosotros en nuestra casa de infancia, alrededor del año 1970. Me encantaba estar en la terraza de la casa sentada con la familia entre butacas y muebles de este tipo. Mi primera casa también tenía mobiliario de mimbre y ratán.
“El diseño, el arte y la artesanía son manifestaciones de la creatividad popular, combinada con estética y utilidad. Si su consumo y apreciación toma un papel protagónico, en la vida cotidiana de una sociedad como la nuestra, se refuerza la identidad nacional”.
RS: El trabajo con artesanos ha estado muy atado a sus propuestas. ¿Cómo y cuándo nace en ustedes la apreciación por lo hecho a mano, cuándo empieza a ocurrir esta simbiosis y cómo estas colaboraciones han evolucionado con los años, hasta convertirse en una realidad de negocio, complemento de ideas, mejoría de vida, proyección y posicionamiento para ambas partes?
CR & NR:Nosotros empezamos a trabajar con artesanos desde el año 1996, hacíamos piezas para proyectos puntuales como lámparas, mobiliario y piezas decorativas, pero oficialmente, desde la apertura de nuestra tienda Lu & Bo, empezamos a hacerlo de una forma constante, para tener en nuestra tienda piezas para el mercado dominicano.
RS: Recién presentan su exclusiva firma de muebles “Maison Rattan”. ¿Cuál es la historia y conceptualización detrás de esta serie de piezas y qué podemos esperar a nivel de diseño?
CR & NR:Maison Rattan llega para agregar una nueva propuesta a nuestra tienda: una línea de mobiliario propia de nuestra marca Lu & Bo, con todo nuestro gusto y estilo. Es una colección de más de 20 diseños que fusionan entre los materiales ratán, mimbre y pajillas; armonía, naturaleza y un estilo atemporal. Diseñadas con la armonía, autenticidad y durabilidad de las fibras naturales, que crean ambientes acogedores y llenan de vida cualquier espacio.
RS: ¿Siguen siendo los artesanos dominicanos y materiales de nuestra tierra los protagonistas?
CR & NR:Realmente los artesanos no son los protagonistas de nuestra industria creativa, son los diseñadores. Uno de los mayores retos que presenta esta industria es la falta de recursos y educación técnica para la población dominicana.
El diseño, el arte y la artesanía son manifestaciones de la creatividad popular combinada con estética y utilidad. Si el consumo y apreciación de esta toma un papel protagónico en la vida cotidiana de una sociedad como la nuestra, se refuerza la identidad nacional y se transmite de generación en generación.
RS: Esta no es la primera vez que diseñan y desarrollan productos… ¿por qué lanzarlos ahora a modo de colección y firma, y cómo lo ven evolucionar en el futuro?
CR & NR:Esta es la primera vez que damos el paso de hacer una línea propia, fabricada exclusivamente para nosotros, para irla expandiendo con el tiempo a nivel nacional e internacional.
CONFESIONES ÍNTIMAS CLAUDIA
Nombre completo: Claudia Raquel Ravelo López.
Soy la hermana número: 4.
Un color: Azul.
Un destino: Marruecos.
Rasgo más fuerte de su personalidad: Compasiva.
Guilty Pleasure: Shopping.
Una textura: Madera.
Un momento del día: El amanecer.
¿Qué tiene y qué le falta al diseño dominicano? Tiene talento y ganas. Le faltan recursos y apoyo.
¿Cómo se ve dentro de 10 años? Una mujer adulta que valora su tiempo y lo usa inteligentemente.
¿Qué le diría la Claudia de 10 años a la de ahora? Trabaja tus emociones y confía en Dios. Sus planes son perfectos.No dejes de trabajar, el trabajo te da la libertad y te mantiene activa física y mentalmente.
Una pieza/ornamento que la ha acompañado a lo largo de la vida: Mi mesa de centro de mi sala. Tiene conmigo 23 años. La amo, se me hace difícil pensar en cambiarla.
Un recuerdo de infancia: Mis perros. Mi vida libre en Cuesta Hermosa. Mi bicicleta. Los viajes a la playa con mi familia.
El diseño en dos palabras: Belleza creativa.
Proyecto favorito hasta la fecha: Cayo Levantado.
El mejor aprendizaje que le ha dejado Natalia: No importa lo que la vida te muestre, cuan alto te suba, cuan bajo te lleve, siempre con buena actitud y disciplina sales adelante. La familia lo es TODO.
CONFESIONES ÍNTIMAS NATALIA
Nombre completo: Natalia Ravelo López
Soy la hermana número: 1
Una cualidad o sentido que haya despertado
con la maternidad: Un gran compromiso hacia la familia.
Un talento oculto: La cocina
Rasgo más fuerte de su personalidad: La creatividad.
Una obra: “Crazy Allure”, Gustavo Peña (2022).
Un artista: Luis Miguel.
Una inspiración: El mar.
Un material: El ratán.
Una técnica: Los tejidos artesanales.
Exposición favorita de todos los tiempos:
“Aguas superficiales” – Gustavo Peña
¿Un maestro en su carrera?
Antonio Prats Ventós, fue un gran maestro en la universidad
de la asignatura de “Composición”.
El diseño en dos palabras: Pasión y creatividad.
Género musical: Bossa Nova.
Pasatiempo: Cocinar para mi familia.
Desayuno frecuente: Café.
Un momento que ha marcado su vida:
El nacimiento de mis nietos.
Área predilecta de la casa: Mi cocina.
Un sueño por cumplir: Una casa en la playa.
El mejor aprendizaje que le ha dejado Claudia: El amor incondicional.
RS: Casa La Altagracia, su más reciente participación para Design Week, que tuvo como escenario la casa donde vivió Salomé Ureña y donde se puso en evidencia el verdadero significado de “por amor al arte”, el sembrar y recibir de tantos artistas a quienes le hicieron curaduría y con quienes completaron su discurso. ¿Cómo es el tras bambalinas de este tipo de proyectos, cuáles fueron los mayores aprendizajes que les dejó esta experiencia y qué rol juega cada una en el proceso de conceptualización, selección y puesta en escena?
CR & NR:Casa La Altagracia fue un espacio único auspiciado por nosotras en el marco de Design Week RD; reunió la creatividad, pasión y talento de diseñadores, arquitectos, artesanos y artistas dominicanos destacados en el país y en el extranjero. Más allá que una exhibición, Casa La Altagracia es un colectivo para exponer lo mejor de perfiles emergentes y establecidos.
Fue un milagro dentro del marco de Design Week RD. Un día de aquellos en los que la incertidumbre tenía la delantera con los preparativos y montajes de este evento, Jorge Brown, creador de la plataforma, nos comunica que tenían los permisos de las Casas del Siglo XVI, grupo de propiedades de la Ciudad Colonial, de usar la mismas casas que habían utilizado en la primera edición de Design Week RD en el año 2019. Le llamaron el «Design house» en aquel año. Nosotras saltamos de la emoción como si hubiésemos estado esperando con ansias el reto de hacer una exposición puramente de talento dominicano y una experiencia memorable.
Cuando llegamos a la casa para el primer levantamiento, no había plan ni recursos, pero nos encontramos con un letrero viejo, abandonado, en uno de los rincones. Decía: – LA ALTAGRACIA – y como señal divina, para el que interpreta señales, los tres sentimos lo mismo: este será el milagro de la Virgen de la Altagracia. Ella es una figura muy importante en la cultura y religión dominicana, y por ende, todo lo que allí pasaría, estaría impregnado de su magia.
Tomamos semanas en acondicionar los espacios para la exposición con muchísimo cuidado y amor, ya que es una propiedad histórica. Hoy recordamos Casa La Altagracia con agradecimiento, como un bello recuerdo, como testimonio de que la unión hace la fuerza y que buena energía atrae buena energía.
“Cada día sentimos la necesidad de que el mimbre y el ratán sigan siendo nuestros, como lo han sido desde hace años”.
RS: Ustedes son dos de cuatro hermanos, ¿qué creen que ocurrió entre ustedes que las conecta de esta manera?
CR & NR:Desde pequeñas tenemos esta conexión, a pesar de nuestra diferencia de edad. Dormíamos en una cama twin aunque cada una tenía la suya, solamente para estar juntas.
RS: En un podcast con Ángela Viro, precisamente para Design Week, recuerdo que mencionaban que habían ido vestidas exactamente igual y de camino de se cambiaron. ¿Siempre han sido de estilos e ideas alineadas? Y, ¿cuándo llega el momento en que se es tan igual, dónde queda cada una?
CR & NR:Sí, siempre hemos estado muy conectadas. En cuanto a gustos, somos prácticamente idénticas, tenemos mentalmente las mismas soluciones, vamos a tiendas y compramos lo mismo. Sin embargo, de personalidad no lo somos, en lo absoluto.
RS: ¿Cómo y cuándo nace Lu & Bo, qué abarca y en qué se asemeja y difiere de aquella primera tienda?
CR & NR:Primero cerramos una linda etapa. Nace cuando emprendemos nuestro camino como hermanas, juntas, en el año 2011, desde el primer momento hacer lo que asemejara nuestra esencia al cien por ciento, desde una silla, un tirador, una vela, un espejo… decidimos vender solo lo que nos encanta. Primero, queríamos tener un pequeño showroom donde también estuviese nuestra oficina de diseño de interiores, pero la experiencia de tienda propia de más de 20 años, y la clientela que siempre nos seguía, no nos dejó.
RS: La simpleza, es una de sus huellas distintivas, pero no siempre los clientes están completamente a unísono. ¿Qué tanto han tenido que desdoblarse en estos años de carrera?
CR & NR:Nuestra propuesta es que el diseño sea para vivirlo. Donde las tendencias son importantes, pero siempre preferimos trabajar conceptos que perduren con el paso de los años. Somos defensoras de lo simple, hermoso y práctico. Gracias a Dios, a los clientes que nos buscan les encanta nuestro estilo y nuestra forma.
RS: Cayo Levantado es uno de los tantos proyectos hoteleros que llevan su firma. ¿Cómo incursionan en este mundo y cuáles han sido sus proyectos favoritos?
CR & NR:Cayo Levantado efectivamente es uno de nuestros más recientes proyectos hoteleros, ha sido un proyecto en el que nosotras nos identificamos muchísimo, ya que en sus diseños se incluyeron muchas piezas de mimbre y ratán.
Esto nos dio la oportunidad de decir presente con una gran oferta, tanto de artículos de fabricación local como de mobiliario importado. Pudimos fabricar luminarias con artesanos locales con bellos detalles e importar piezas diseñadas por nosotros en nuestro estudio, para el uso exclusivo de Cayo Levantado Resort, perteneciente a la cadena de Bahía Príncipe.
Fue un proyecto lleno de mucho esfuerzo, sacrificios, mucho trabajo y muchas satisfacciones. Pues pudimos entregar un mobiliario con buen diseño y buena calidad. Apostamos por muchos proyectos más como este.
RS: ¿Cuál sería el siguiente paso importante?
CR & NR:Seguir expandiendo nuestra empresa como una opción de mobiliario auténtico y de calidad.
Ella ha hecho de un estilo, el “Cottage”, su nombre distintivo. Andreína Chirinos, o Andreina Cottage, es un referente de la buena mesa y una de las diseñadoras de interiores, estilista de mesas y creadoras de contenido más importantes para el público de habla hispana en el mundo.
fotos Cortesía Andreína Chirinos y Melissa Amengual
Nieta de diplomático y proveniente de una familia con alto sentido de la estética y criterio artístico, esta venezolana ha sabido despertar el interés de marcas y publicaciones de diseño como Pottery Barn, William Sonoma, Anthropologie, Cottages and Bungalows, The Cottage Journal, Southern Living y Victoria Magazine. También de personalidades como la directora creativa de Dior, Cordelia de Castellane; la diseñadora de Tous, Eugenia Martínez de Irujo, y de Discovery Channel, con quienes se convirtió en host de un programa de temporada: Living Green.
Sus mesas son el reflejo de experiencias tan específicas como el Baile de la Rosa en Mónaco, el té parisino o las pasarelas de Dior. Con su infalible propuestas de manejo de color, estampados y texturas, se ha colocado a la cabeza de una industria. Esto, sin dejar a un lado la inclusión sin excepciones, de piezas antiguas que siempre cuentan una historia y que son tan características de su firma, que destaca dentro del exquisito mercado del estilismo de mesas.
En lo personal, está radicada en Estados Unidos, específicamente en Miami, aunque esto está por cambiar. Es esposa, madre de dos: Juan Diego de 14 años y de Fabiana de 7 años, y es una soñadora incansable que ve cómo su gran propósito de vida, la irrebatible apuesta por “menos casa y más hogar”, misión que viene cumpliendo desde hace media década.
RITMO SOCIAL: Tu apellido, Chirinos, ha sido, hasta cierto punto, sustituido, por el mundo, por “Cotttage”. ¿De qué se trata este estilo y proyecto con el que las personas te identifican, por qué lo eliges y desde cuándo comienzan a reconocerte como Andreina Cottage?
Andreína Chirinos:El estilo Cottage es un estilo que evoca las casas de campo inglesas, donde se le da importancia a los ambientes acogedores, funcionales y con elementos que cuenten una historia, donde todo lo vintage y antiguo cobra protagonismo en espacios actuales, con muy buen gusto y buen criterio.
Elijo este estilo como mi “signature” pues crecí en una casa precisamente estilo cottage. Mis padres, a pesar de ser venezolanos de nacimiento, ambos, por distintas razones, crecieron y estudiaron en Europa, por lo que este tipo de estética forma parte de mi ADN.
Andreína Cottage comenzó hace un poco más de cuatro años, como un hobby y, poco a poco, fue adquiriendo matices a nivel profesional, hasta llegar a ser el nombre que es hoy en día.
“El estilo Cottage es un estilo que evoca las casas de campo inglesas, donde se le da importancia a los ambientes acogedores, funcionales y con elementos que cuenten una historia”.
RS: Eres una mujer orgullosamente venezolana. ¿Cómo sientes que tu nacionalidad se hace visualmente presente en cada una de tus creaciones?
AC:Soy venezolana y me siento muy orgullosa de serlo. Trato de que siempre, en mi trabajo, se vean plasmados los principios y valores de casa. En lo posible, trato de transmitir una estética con trasfondo y mensaje que siento tanta falta hace al mundo actual en el que vivimos.
La buena mesa, tu estilo y la apreciación de los detalles, es herencia puramente familiar. Háblanos de tus padres y de tus abuelas, y cómo se convierten ellos en tus mentores, en esas personas que te guiaron hacia tu carrera y tu propósito de vida.
Tuve la inmensa fortuna de nacer en una familia con muy buen criterio estético, lo bonito ha formado parte de mi vida siempre y creo que eso ha sido clave para desarrollar y afinar un buen ojo. El cuidado de las tradiciones ha sido la mejor herencia que ellos me han dejado y es algo que trato de transmitir a mis hijos y de plasmar en todo lo que hago.
Mi papá, Carlos Antonio Chirinos Mondolfi, hijo de diplomático; mi abuela, Eva Mondolfi Otero, muy involucrada al mundo del arte y de familia de grandes artistas y coleccionistas. Y por mi lado materno, mi mamá, Graciela Paoli Alvarado, y mi abuela, Grazziella Alvarado Lozano, han sido mis grandes referencias.
Ese amor a los detalles definitivamente lo heredé de ellas. Aunque mi vena artística y mi mayor parecido lo heredé de mi papá, sin duda alguna. De hecho, el mejor consejo que recibí de él fue: “ No importa lo que decidas ser en la vida, sólo asegúrate de ser la mejor, pero sobre todas las cosas asegúrate de que te haga feliz”, y eso es lo que trato de hacer cada día con este proyecto.
También debo decir que la incidencia de mi familia continúa latente en el presente. La mayor bendición ha sido tener unos padres y, en el presente, un esposo que siempre me apoya en todo. Sin la ayuda de mi mamá y mi esposo nada de lo que hago sería posible, pues son quienes me brindan el apoyo logístico en casa cuando me tocan jornadas arduas y largas de trabajo.
“El cuidado de las tradiciones y de la estética, ha sido la mejor herencia familiar”.
RS: Como amante de una buena mesa, ¿qué sientes que nunca debe de faltar en una composición ideal de mesa de buffet y de invitados?
AC: En una mesa de buffet nunca debe faltar un gran arreglo floral, manejar de manera inteligente las alturas a la hora de exhibir cada uno de los platillos a ofrecer y, sobre todas las cosas, manejar la distribución de cada uno de los elementos con buen criterio y sentido común.
El error más común que veo al servir una mesa de buffet es colocar al inicio de la mesa las servilletas y cubiertos junto a los platos, obligando a los comensales a transitar alrededor del buffet con las manos llenas y colapsadas, haciendo de esta experiencia algo incómodo y hasta estresante.
El mejor consejo que puedo dar en relación a esto es siempre colocar los platos al inicio y los cubiertos y servilletas al final del buffet.
En una mesa de invitados, nunca puede faltar…
– Un arreglo de flores naturales, cuidando que no despidan un aroma fuerte que compita con el de la comida.
– Una bonita servilleta, siempre de tela, al igual que unos bonitos platos, cubiertos y cristalería . Los elementos desechables y flores artificiales siempre serán un rotundo NO que, bajo ninguna circunstancia, será un tema negociable, a menos de que se hable de un picnic o una fiesta infantil. Y en este caso, lo desechable sólo lo reservaría para los niños.
RS: Las piezas que son herencia familiar, son grandes tesoros para ti. ¿Cuáles consejos puedes compartirnos para conservarlas correctamente?
AC: Tengo el inmenso privilegio de haber heredado verdaderas joyas que cuido como grandes tesoros. Por experiencia propia, trato de guardar mi mantelería antigua sin almidonar y envuelta en papel de seda azul para evitar manchas.
Las vajillas y cristalería de Baccarat, como unos pequeños bowls y posa cubiertos que heredé de mi bisabuela materna, los envuelvo y guardo con papel bomba.
RS: Las antigüedades en general, son el corazón de tu sello distintivo. ¿Cuáles casas de piezas vintage son las mejores para Andreina Cottage y en qué parte del mundo podemos encontrarlas?
AC:Definitivamente creo que las antigüedades pueden elevar el nivel de cualquier mesa y/o decoración. Soy amante de los mercadillos de calle. Los mejores para mí por tradición se ubican en Francia y Londres. En Latinoamérica, sin duda alguna, San Telmo en Buenos Aires, Argentina es un “must” y parada obligatoria.
RS: El té parisino y el Baile de las Rosas de Mónaco han sido punto de partida. ¿Cómo es tu proceso para contar historias y tradiciones como estas a través de la mesa y qué es eso que te mueve a elegir una u otra?
AC:Mis procesos creativos varían y dependen mucho de mi mood, del momento y requerimientos particulares de cada cliente. Me puede inspirar desde una ópera, una obra de arte, un diseñador de moda, una época…
Me gusta inspirarme en tópicos y estéticas donde no nada más pueda desarrollar la parte de diseño a través de la mesa o la decoración, pues la parte gastronómica juega un papel fundamental cuando de conceptualización y desarrollo de eventos se trata. Cada platillo y su presentación forman una parte importantísima y en lo que me involucro en un 100%.
Recientemente, tuve el inmenso privilegio de hacer una producción para Instagram inspirada en “La Traviata” con la pieza del brindis grabada especialmente para mí por la gran cantante de ópera María Brea.
Así como acabo de desarrollar una cena benéfica inspirada en la India, siguiendo las últimas tendencias como el desfile de Dior en Mumbai o el último baile de las Rosas en Mónaco.
“Instagram es una plataforma fabulosa que ha dado a conocer mi trabajo y me ha abierto las puertas de colaboración como estilista de mesas de grandes marcas como Anthropologie, en New York”.
RS: ¿Cuáles son los puntos a considerar para la selección de mantelería, servilletas, lencería en general de mesa?
AC:Definitivamente tu estilo de vida. Si eres una persona práctica, con un ritmo de vida acelerado y sin mucha ayuda en casa, mi mejor consejo es no complicarte y escoger un tipo de mantelería de fácil cuidado y mantenimiento.
Un mantel y servilletas blancas y/o beige siempre son un buen punto de partida a la hora de comprar, pues es una manera fácil de combinar con cualquier vajilla.
Un consejo: mandar a bordar con tu monograma, así sea un juego de servilletas. Este tipo de detalles, a la hora de montar tu mesa, hace la diferencia.
RS: ¿Cuáles lineamientos globales sigues a la hora de vestir la mesa?
AC: El table styling es mi especialidad y el Mix & Match la herramienta que más me gusta utilizar a la hora de diseñar mis mesa. Esto hace que las mesas sean como un lienzo en blanco, donde puedo plasmar mis gustos y personalidad. Sin embargo, trato de cumplir con las reglas básicas de protocolo en la mesa y con todo aquello que ayude a los comensales en el buen desenvolvimiento en la mesa. Por supuesto, cuando diseño para un cliente, sus necesidades y gustos se ven plasmados a la perfección.
RS: Para alguien que crea tendencia, ¿cuáles serían las flores y estilos de arreglos ideales para este año, o la vida, según Andreína?
AC:Creo que cada quien debe colocar en su casa y en su mesa lo que más le guste y represente. Sin embargo, si eres del tipo de persona que le gusta salirse de lo tradicional, frutas y vegetales son tendencia para elaborar arreglos, pues aportan color y frescura al instante.
RS: ¿Cómo te conviertes en la table stylist de marcas y revistas tan prestigiosas como Anthropologie, Pottery Barn, The Cottage Journal, entre otras tantas y qué representa esto para ti a nivel profesional y personal?
AC:Instagram es una plataforma fabulosa que ha dado a conocer mi trabajo y estilo particular, y trabajar para grandes revistas y marcas siempre es un gran honor e inmenso placer. Creo que cuando el trabajo es constante, y das lo mejor de ti, los frutos llegan y esto es prueba de ello.
“Soy amante de los mercadillos de calle. Los mejores para mí, por tradición, se ubican en Francia y Londres. En Latinoamérica, sin duda alguna, San Telmo en Buenos Aires, Argentina”.
RS: Como diseñadora de interiores, tu visibilidad alcanza espacios que trascienden la mesa. También como madre de dos. ¿Cómo se logra un hogar elegante y funcional para los niños al mismo tiempo?
AC:Cuando se es madre de niños pequeños, debemos escoger colores y materiales encubridores porque los accidentes son parte del día a día.
De igual manera, educarlos y enseñarlos a cuidar los ambientes de casa es una labor que no debemos olvidar.
Evitar los espacios vitrina, esos espacios que son muy bonitos, pero que no se usan, deben quedar en el pasado de cualquier hogar, más aún si es un hogar con niños, porque las cosas están para vivirlas, usarlas y disfrutarlas. Si no, no tiene sentido tenerlas.
RS: También te formaste en moda. ¿Te ves haciendo carrera en esa industria?
AC:La moda es una de mis grandes pasiones y estoy segura que retomaré esta faceta de mi vida en algún momento. Es una asignatura pendiente que no dejo al olvido.
Mi última incursión fue la elaboración de una marca de ropa infantil creada en NY que llegó a Piti Bimbo, la feria más grande en Europa en cuanto a moda infantil se refiere, y que tuve que dejar en pausa por el nacimiento de mi hija menor. Espero, más pronto que tarde, dar una grata sorpresa en cuanto a moda se refiere.
RS: Con Discovery Channel fuiste host de un programa que crearon en conjunto: Living Green; grabado en pandemia y de un alto trasfondo de ayuda social. ¿Cómo fue llevar tu proyecto a televisión? ¿Existe planes de una segunda temporada a futuro y qué fue lo más significativo que lograron, a través de la decoración, para mejorar la vida de niños y familias?
AC: Siempre me ha gustado colaborar y trabajar en proyectos con trasfondo social.
“Living Green” fue una bonita experiencia donde pude, a través del diseño, transformar vidas y espacios haciendo aportes significativos a la ciudad de Miami, como el huerto del Museo de los Niños, un invernadero y centro de trabajo para personas necesitadas en una de las zonas más deprimidas, haciendo de este espacio un oasis de paz en medio del caos.
Discovery Channel me contactó pues estaban buscando una persona latina que reuniera las características del perfil que ellos buscaban para elaborar y desarrollar el programa y, al ver el reto que involucraba y la labor social que conllevaba, no dude en aceptar.
De igual manera, esto incluía ser imagen latina de Lowes en los Estados Unidos, así que fue una experiencia muy bonita. Trabajar en TV me encanta, siempre que tenga la disponibilidad y que el proyecto me llame la atención, es una ventana que permanece abierta.
RS: En lo personal, eres una aficionada de la cocina, ¿qué disfrutas preparar y cuál es el sello distintivo de tus emplatados?
AC: La buena mesa me encanta, creo que comer rico es uno de los placeres más grandes de la vida. No soy chef ni pretendo serlo, pero me gusta compartir con mis seguidores las recetas que, como mamá, esposa y anfitriona de casa, me resultan.
Mis recetas son fáciles y rápidas, ideales “for dummies”, pero que te dejarán muy bien parada y con seguridad halagarán el resultado. Mi sello distintivo es la presencia de flores naturales a la hora de presentar los platos. Ese toque Cottage nunca puede faltar.
“Definitivamente, creo que las antigüedades pueden elevar el nivel de cualquier mesa y/o decoración”.
RS: ¿En qué, de tu vida, se convierte Miami en casa y qué impregna la Ciudad del Sol en tu estilo de vida?
AC:Viví muchos años en Miami y fue mi hogar por mucho tiempo. Actualmente estoy comenzando una nueva vida en New England junto a mi familia y muy ilusionada de vivir en una zona netamente Cottage.
RS: Cap Cana también ha sido un destino hogar para ti. ¿Cuántos años estuviste viviendo en nuestra isla y qué llevas de nosotros los dominicanos en ti?
AC:La República Dominicana es mi segundo hogar. Así lo siento. Siempre he dicho que de no haber sido venezolana, me hubiese gustado ser dominicana.
Viví en varias oportunidades en Cap Cana durante 10 años. De esos años conservo la época más feliz de mi vida y amigos entrañables.
Extraño escuchar el bonito acento con que hablan, la hospitalidad y la alegría del dominicano es sin igual.
RS: Actualmente estás de regreso en tu país natal, Venezuela, por una temporada más larga de la que tenías planificada. ¿Qué nuevas ideas y proyectos han surgido estando en la cuna de todo para ti?
AC:Siempre estar en contacto con la tierra que me vio nacer y crecer es un cable a tierra. Después de estar 11 años lejos de mi país, haber pasado esta temporada en Venezuela me dio la oportunidad de compartir con nuevos amigos y crear nuevas alianzas comerciales que conocerán muy pronto.
RS: Pronto estarás de regreso en Estados Unidos. Háblanos del nuevo capítulo que se aproxima, ¿qué sigue para Andreína en lo profesional y personal?
AC:Viene una nueva etapa por iniciar, una nueva vida, en un nuevo lugar, la reinvención es parte del proceso y es algo que me llena de ilusión pues los cambios me ayudan a potenciar mi parte creativa, con nuevas colaboraciones y oportunidades. Ya veremos.
Sus procesos aclaman la industria del slow fashion contemporáneo, porque cada pieza es hecha a mano con el cuidado y la intención de que la durabilidad sea extensa y también por el hecho de honrar la artesanía. Se especializa en crear prendas utilizando textiles antiguos, como una manera de brindarles una nueva oportunidad de vivir. En su mayoría, fueron elaborados a mano, con énfasis especial en sus bordados y encajes.
Rosina Hoyland
Meet The Designer
Su imaginación no conoce de límites, y se magnifica en cada puesta de sol. Amante de las flores, los animales, los estampados, los colores, las antigüedades y, por supuesto, la moda, esta joven inglesa encontró la manera de fusionarlos todos en una firma de prendas de vestir con aires vintage, donde su capacidad de diseño no se centra solo en las piezas finales, sino también en textiles, esas telas y tejidos a mano que dan vida a todo lo que tiene sobre papel.
Editorial.
Esta firma nace en el jardín, en los de Reino Unido, donde las distintas especies de plantas y flores se convierten, sin tener la intención, en el enmarcado de color y elegancia de una íntima tarde de té. Desde la mantelería, hasta la alta valoración de vajillas y piezas centenarias de plata, encuentran cómo ser inspiración de un vestido o la “vibra” de toda una colección. Para esta firma inglesa, Spilt Milk, las historias se escriben a partir de otras, por lo que encuentran en el clóset de la ropa blanca, o las gavetas de lencería de mesa, la fábrica de telas idónea para crear cada uno de sus diseños. La conocí durante mis “andanzas” virtuales, por Instagram. Llamó mi atención una blusa blanca, donde resaltaban los bordados en el cuello y en el espacio de los broches; sentí que habían hasta puntadas de mi abuela en ellas, y cuando indagué y leí su historia, entendí que precisamente ese es el propósito: atrapar. Porque sientes el romance, que hay algo de ti, de tus abuelas, de tus antepasados en ellas. Y para esta edición especial de la buena mesa, me pareció la firma de moda perfecta para apropiarse de estas páginas.
¿Cómo fue tu experiencia trabajando para el lanzamiento de la colección de Iris Apfel en Bergdorf Goodman? Fue emocionante. El director artístico de las vitrinas, David Hoey, me presentó este proyecto semanas antes de que fuera revelado. Se trataba de múltiples vitrinas, y un grupo de más de 20 artistas. Mi parte fue crear una frase de Iris Apfel en almohadas de terciopelo rojo, superintenso, noches sin dormir, pero el resultado final fue un espectáculo, como lo es ella.
Esta no ha sido tu única colaboración con Bergdorf Goodman, cuéntanos sobre las distintas intervenciones a sus icónicas vitrinas y cómo inicia esta relación con ellos. Siéndote totalmente honesto, a Bergdorf llegué una mañana tocando el cristal de la vitrina donde una de las artistas trabajaba. Les presenté mi portafolio e inmediatamente me contrataron para colaboraciones. Una de las más importantes fue la oportunidad de diseñar un vestido de seda estampada para exhibirlo en un maniquí de 10 pies; también tuve la oportunidad de conocer a la familia Swarovski, de donde saldrán colaboraciones que todavía no puedo revelar.
Heidi Klum es la reina de Halloween, y uno de sus trajes más recordados fue diseñado por ti. ¿Cuándo conectan por primera vez y cuál fue el punto de partida de este traje?
Heidi Klum es una persona a la que admiro por su ética de trabajo y su conducta como persona. La conocí trabajando con Martin Izquierdo. El primer traje para ella fue un robot de 8 pies donde colaboramos varias personas. El siguiente año, Heidi regresó con la idea de “La Mujer Visible” (El Cuerpo Sin Piel) y toda la responsabilidad cayó en mis manos. La primera prueba se hizo seis meses antes, ya para el traje final me tomó 45 días pintar a mano todos los músculos, línea por línea, diseñar, coser y crear otros tridimensionales hechos de colcha de látex y silicón. Al final, tuve que personalmente encargarme de todos los detalles, ya que la precisión era muy importante para mí.
¿Cómo llegas al universo del Costume Design y en cuáles filmes y obras has visto realidad tus creaciones?
Mi primera creación nació de la necesidad de crear un superhéroe para una fiesta, pero no poder contratar a alguien que pudiera materializar mi visión. Eso me llevó a aprender todo lo necesario para darle vida a lo que imaginaba. Después, me llegaron propuestas de trabajo como Club Kid, en los clubes de New York, donde se congregan artistas y diseñadores. Dos años más tarde conozco a Martin Izquierdo, a quien considero uno de mis maestros del diseño de vestuarios en Broadway y en el cine. Trabajando en sus estudios como asistente de diseño, tuve la oportunidad de crear monstruos para películas como Men In Black 3, obras como El Libro De Los Mormones, en videos musicales como Runaway de Kanye West y para Heidi Klum, Madonna, Hannah Jeter, entre otros.
¿Cuáles materiales son tus favoritos a la hora de diseñar?
Depende la pieza. Lana y seda siempre darán resultados elegantes y caídas teatrales, materiales elásticos ayudan con la comodidad. En cuanto a colores, prefiero trabajar con colores sólidos, pienso que no compiten con la anatomía.
¿Cómo dirías que se vive la creatividad para alguien que se establece en New York?
Diez años atrás era excitante ser creativo en New York; por el momento es todo un poco corporativo, pero New York es una ciudad cosmopolita, fuerte y que se reinventa década tras década. Siento que un nuevo renacimiento se aproxima.
¿Qué puedes adelantarnos de la colección que estarás lanzando? Se enfocará en siluetas que complementen la figura humana, una interpretación futurista influenciada por superhéroes. Quiero que la comodidad y el estilo puedan coexistir.
Editorial.
Él es amigo de Edmundo Castillo, el director artístico de Stuart Witzman, y el diseñador de vestuario predilecto de Heidi Klum, con quien además lo vimos hace unos años en unas cápsulas especiales de Project Runway. También se desdobla en las vitrinas de Bergdorf Goodman, en especial en la de All Things Iris Apfel y otras en colaboración con Levis y otras tiendas en Soho NY. Sus instalaciones son tan llamativas que despertaron la atención del museo del Instituto Tecnológico de la Moda (FIT), que terminó exhibiendo dos de sus diseños para una exposición en retrospectiva de la fashionista y productora de eventos nocturnos en New York, Susanne Bartsch, en 2016, quien ha sido vestida por diseñadores como Thierry Mugler y Jean Paul Gaultier. Renato es dominicano de nacimiento, y su primer contacto con el arte se remonta a las clases de pintura con María Angélica y a la orientación de Víctor Erarte en la creación de sus primeros trajes de disfraces durante su adolescencia. Sin embargo, a la fecha, su listado de mentores lo encabeza el reconocido diseñador de vestuario de Broadway, Martin Izquierdo, con quien trabajó al poco tiempo de llegar a las calles envolventes y cosmopolitas de New York en 2001 y el lugar que ha sido hogar y escenario desde entonces. En 2015 lanzó su firma homónima de moda que, tras cuatro colecciones y una pandemia, ha estado en pausa y este año se prepara para regresar. Amante de los peces y de la historia de las civilizaciones, sostuvimos una conversación glamorosa con el costume designer, ilustrador, artista y creativo, Renato Dicent.
Luego de casi un año de anunciar su ruptura con el futbolista Gerard Piqué, Shakira y sus dos hijos, Milan y Sasha, se marcharon este domingo 2 de abril desde Barcelona para instalarse en Miami, acompañado de un post en su instagram en donde se despide de su querida Barcelona, la cual ella describe como el lugar en donde llegó en busca de estabilidad para sus hijos y debido a este mismo motivo alzó su vuelo a Miami.
El traslado de la cantante se vio retrasado en un momento debido a distintos motivos, entre ellos estaban esperando culminar el año escolar de sus pequeños o en su defecto pasar las vacaciones de Semana Santa y por supuesto el estado de salud en el que se encontraba su padre.
Pero una fuerte especulación indica que el motivo por el cual adelantó la mudanza se debió a que Joan Piqué, padre del futbolista, le notificó mediante una carta a su ex nuera que solo tenía hasta el 30 de abril para dejar la mansión, pese a esto la cantante no dudo en contactarse con el colegio de sus hijos y la nueva escuela a la que van asistir en Miami, para iniciar el proceso de traslado cuanto antes.
El colegio de Barcelona, en donde se encontraban los retoños de esta ex pareja, apoyó firmemente la decisión del traslado debido a que los niños últimamente se notaban desanimados y con signos de angustia ante la presión de los paparazzi. Según reporta «La Vanguardia», el nuevo colegio al que estarán asistiendo los hijos de Shakira en Miami es el Country Day School, en donde iniciarán a tomar clases el próximo martes 11 de abril.
En el caso de los padres de los menores, ambos llegaron a un acuerdo en donde explican que Gerard puede ir a visitarlos siempre que él quiera y que el bienestar de sus hijos es lo que más les interesa a ambos.
Sin embargo, a raíz de la partida antes de lo previsto de la cantante y sus hijos, nacieron fuertes especulaciones por parte de diversos medios internacionales de que la interprete de «Te felicito» ya no figura como dueña de la mansión que compartía en Barcelona con el padre de sus hijos y que la razón principal de ello se debe a que Piqué llegó al acuerdo con ella de que le cedía total custodia de sus hijos a cambio de la lujosa residencia.
A pesar de que la pareja aún no ha sacado a la luz pública ninguna declaración, el paparazzi Jordi Martin informó durante su aparición en el programa «Intrusos», que durante un tiempo obtuvo acceso a las escrituras de la mansión en la que tanto Shakira como Piqué figuraban como dueños desde el 2012, aseguró que la cantante colombiana ya no es más la dueña, figurando solamente Gerard Piqué y Joan Piqué, su padre, como los actuales propietarios.
Originaria representa la evolución de la identidad cultural de Panamá dentro de la moda. Es una propuesta de surge de las mezclas de referencias culturales y artesanales panameñas convertidas en perfectas piezas “ready to wear”. Es un espejo del pasado sobre el pedestal del presente, para que las nuevas generaciones valoren y celebren su cultura, la cuna de sus tradiciones, sus raíces.
Las chaquiras (una especie de collar principalmente utilizado por hombres, joya de la artesanía de la Comarca Ngäbe Buglé de Panamá que abarca Veraguas, Chiriquí y Boca del Toro), el tejido de chacaras (bolsas tejidas de fibra), detalles regionales y estampados étnicos son la insignia de cada colección de esta firma, que por primera vez las implementa en indumentaria.
“Orígenes”, que fue con la que debutó en el Panamá Fashion Week en 2021, “Precolombina”, su primera colección cápsula a mediados del año pasado, y “Cañaveral”, que es su más reciente propuesta para SS23 son, hasta el momento, los capítulos de una historia infinita de una firma que desde ya se proyecta como una marca de lujo 100% panameña que deja un legado cultural en el mundo.
Darlenys Del Río
Meet the Designer & Creative Director
Su pasión por la moda es el resultado de una poderosa herencia artística por parte de su familia de ascendencia colombiana, quienes se especializaron en el arte del calzado, despertando en ella una gran admiración por lo manual, por las artesanías. Desde muy temprana edad, la panameña de nacimiento, mostró sus inclinaciones por el diseño de prendas de vestir, lo que la llevó a fundar años más tarde, en 2009, su primer atelier, dedicado al diseño y la confección de vestidos de alta costura. Para ese entonces ya se había formado en Marketing y Publicidad, Patronaje y Confección de prendas de vestir y Diseño de moda, y había colaborado en 2004 creando colecciones en diversas empresas locales. 10 años más tarde, en 2019, se va a México, para especializarse en técnicas de Estructuras y Acabados, Moulage o Draping, en Ciudad de Mexico; que consiste en patronar directamente sobre el maniquí de costura; y regresa a su natal Santiago de Veraguas, Panamá, para fundar Originaria Panamá en 2020.
Las manos de artesanas panameñas Detrás de cada prenda, hay una vida y una historia: La de las artesanas panameñas. El objetivo principal de esta firma es compartir su admiración por el arte panameño y potenciar el trabajo y los conocimientos ancestrales de sus mujeres artistas, creando grandes oportunidades de crecimiento sustentable para todos.
Editorial.
Ella cuenta la historia de su país y de su gente a través de las puntadas. No por menos “Originaria Panamá” ha sido reconocida por LAFS como una de las cinco marcas panameñas que embanderan las técnicas artesanales de sus tierras. Admiradora de su cultura, ve en la moda esa oportunidad maravillosa de enaltecerla y llevarla por el mundo como el gran legado que es para los panameños y para todos nosotros. Sus piezas necesitan conectar con quienes la lleven, por lo que cada una está hecha para mujeres que sepan leer y valorar el universo que existe detrás de los tejidos. Darlenys Del Río es una diseñadora de modas muy curiosa, maestra además dentro y fuera de su atelier. Canaliza en su firma su deseo de ayudar, orientar y capacitar a personas en el arte de la costura y la moda, lo que para ella es su gran proyecto de vida. Tuve la oportunidad de conocerla en su reciente visita al país para la celebración de Raíces by LAFS en nuestra Ciudad Colonial y en esta edición de P.S. It’s Fancy compartimos un poco de todo lo que tiene para contarnos.
Cada pieza que conforma “Cresta de Gallo” es “única, sofisticada e irrepetible” con un gran común denominador: la comodidad, un concepto al que Karla Mayer, su diseñadora, denomina “Comfy Haute Couture”.
Esta firma ve la moda como arte, por lo que sus piezas primero que todo son medios de expresión con una estética muy poderosa y definida donde el color, las texturas y formas, juegan el más importante de los roles.
El proceso detrás de la creación de sus piezas es minucioso, a detalle, partiendo de una búsqueda exhaustiva de telas o prendas “vintage”. En el caso de las telas, toma fragmentos y en el caso de prendas, las desconstruye. Ambas, al final, las combina con telas (sedas, linos, algodones, viscosas) de origen japónes italiano, francés, indio y español y trae a la realidad creaciones sumamente enaltecedoras.
Velos para el alma
Cada diseño es tan único como lo es Karla y cada persona que los elige; y tan personales que las llama «velos para el alma».
Arte Equipo
Cada pieza es elaborada con sumo cuidado por un valioso equipo altamente preparado y experimentado que se encarga de plasmar sus ideas y diseños en una realidad.
Karla Mayer
Meet the Designer
Ella es una mexicana enamorada del diseño, del coleccionismo de arte y de los textiles vintage. Es justamente esta pasión la que la lleva a fundar el Atelier Experimental “Cresta de Gallo” situado en la mágica tierra de Mérida, Yucatán (México) en 2020. En él crea diseños siguiendo los dictados de su pensamiento, expresando en cada pieza quién realmente es, por lo que detrás de su estética hay una mezcla de gustos y sensaciones que dejan al descubierto quien es como persona y también como artista.
Editorial.
Esta firma rinde homenaje a las mezclas, sobre todo de creatividad, alma y energía. Especialmente porque Karla Mayer tiene una fuerte convicción de que esta última, la energía, es tan poderosa que es ella, la que vive en cada una de sus piezas, la que se encarga de elegir a su portadora. Cresta de Gallo es una firma mexicana, muy personal, que celebra la autenticidad, la riqueza de lo vintage y el «yo» irrepetible que vive dentro de ella y de cada uno de nosotros, a través de «brocados y aplicaciones de textiles antiguos atados a sedas con de hilos de oro». La conocí por Lisette Trepaud, una de las relacionistas públicos de marcas de moda y lujo más importantes de México y Latinoamérica. Ellas vendrán juntas a la semana del diseño dominicano, que en esta ocasión hace incapié histórico en la moda con la incorporación y celebración, por primera vez en el país, y en el mundo, de Raices by LAFS, el nuevo espacio dentro de la plataforma del Latin American Fashion Summit, destinado a ocurrir una vez por año, siempre en un país distinto de Latino América. Su objetivo es educar a nuestros talentos locales, resaltar los tesoros culturales y creativos de la región, conectarlos con grandes nombres de la industria y ponerlos en el foco de los más importantes y exigentes compradores internacionales.
Playa Grande Beach Club, Río San Juan, María Trinidad Sánchez
fotos Douglas Friedman
Algunos lo identifican como el lugar perfecto para escapar. Otros, para encontrarse. Es una especie de santuario donde el silencio, la paz y la elegancia están muy presentes, mientras el Atlántico bordea con sus aguas de plata y los bosques exuberantes de montañas bajas son paisaje y fondo.
Playa Grande Beach Club es un retiro turístico, un colectivo de edificios y nueve bungalows (seis de una habitación y tres con tres dormitorios cada uno) donde la arquitectura colonial dominicana y la estética de Palm Beach es el punto de partida.
Así lo pensaron los propietarios del terreno en 2006, al adquirirlo. Se trataba de un espacio importante en una extensión de una milla de largo de una playa salvaje y virgen ubicada en Río San Juan, en la costa norte del país. Diez años más tarde, en noviembre de 2016, ese grupo de amigos y colaboradores lo inauguró.
La reconocida diseñadora de interiores estadounidense, Celerie Kemble (quien es una de las propietarias), el conservacionista histórico Elric Endersby y el constructor Marc Johnson estuvieron a cargo de traer a la realidad el sueño de un paraíso hecho a la medida. Su inspiración se basó en estudios de las estructuras centenarias y documentadas a través de años de investigación en todo el país.
Pensaron en estructuras revestidas en madera de palma recuperada y enriquecidas con adornos de celosía, en paneles y tragaluces, con el fin de jugar y dividir la luz natural en patrones, en mosaicos hidráulicos de diseños únicos y en techos con madera totalmente tallada.
Los interiores presentan una fusión de artesanía local, detalles clásicos, contemporáneos y elementos de la zona. De hecho, los interioristas realizaron minuciosas visitas a los mercados de antigüedades locales y de Palm Beach (de donde son originarios) para poder conseguir todos los ornamentos. Mientras que los muebles son creaciones exclusivas de artesanos locales.
Ninguna estancia es igual a la otra. La de las fotos es Casa Guava, que pertenece justamente a Celerie Kemble. En ella, la diseñadora trae a la realidad su mundo más acentuado, ese que se guarda en el corazón de un jardín de palmas cocoteras y almendrones, protagonistas mágicos de la vegetación de este lugar.
«La particularidad que identifica a cada pieza de esta nueva colección hacen que se conviertan en objetos coleccionables, que propician un ambiente único e inmersivo».
fotos Cirilo Olivares
Santo Domingo.- El arquitecto y narrador visual que le ha dado vida a Marchanta, Raylin Díaz, nos presenta su nueva y exclusiva colección de veles aromáticas que se funden con el glamur de piezas escultóricas, piedras y elementos naturales.
Con esta colección Raylin busca continuar rindiéndole tributo al Caribe. El artista resaltó que: «Este primer volumen representa en sus formas y materiales el potencial que tenemos en nuestro país, para que no solo sea conocido por sus playas y bellos paisajes; sino que, podemos crear obras de alta calidad, mostrando una visión mas amplia y extendiendo la mirada de nuestros atributos».
La colección presentada durante la velada que se llevó acabo la noche de ayer, en Altri Tempi, es elaborada a través de un proceso innovador que une tecnología y artesanía. Además, su acabado a mano por artesanos dominicanos realza la belleza y características inigualables de la Madera de Sáman, Mármol de Portoro gold y Coralina, elementos únicos en su clase y lo más importante, son de origen local.
Con la incorporación de las velas aromática, el diseñador buscaba ir más allá de la sensación visual que despiertan los diseños, pasando al nivel de convertir sus objetos en piezas sensoriales que despiertan el sentido del olfato y los recuerdos, trasladando así a cada persona a un lugar mágico del Caribe.
Los signos zodiacales que predominan en la familia real más influyente
Familia real Británica
Muchas personas siguen el mundo de la astrología. Algunos afirman que se puede saber mucho sobre alguien según su horóscopo. Al dar una vuelta por los cumpleaños de algunos de la familia real británica, nos queda claro que entre ellos existen dos signos zodiacales recurrentes, y son nada más y nada menos que Tauro y Cáncer.
Tauro
La reina Isabel II, el príncipe Louis, la princesa Charlotte y Archie, el hijo de Harry y Meghan, comparten el mismo signo zodiacal: Tauro.
Es un signo de cualidad fija siendo a la vez uno de tierra. A este se le puede describir como un ser decidido, pragmático con una enorme fuerza de voluntad, con ideas conservadoras. Que le gusta la estabilidad y sus ideas son fijas. No hay manera de convencer a un Tauro de algo que vaya en contra de sus principios o de lo que piensa y siente. Al parecer, todas estas cualidades son perfectas para la familia real, ya que poseen muchas peculiaridades que los ayudan a vivir en el ojo público y a ser figuras muy carismáticas.
Las personas con el sol en Tauro son capaces de hacer una gran cantidad de cosas producto de su sólida capacidad para continuar proyectos o acciones en las que otras personas han perdido la paciencia o la energía para continuarlos. Estos factores fueron claves para la reinaIsabel II y contribuyeron a su persistencia en el trono, a pesar de las constantes criticas, obstáculos y dificultades que tuvo que atravesar desde el inicio de su mandato.
Luis de Gales con apenas cuatro años de edad, pinta ser un buen Tauro. Aunque todavía puede ser demasiado joven para descubrir exactamente como encaja en su signo, podemos imaginar que compartirá algunos de los mismo rasgos que sus predecesores reales.
Princípe Louis y la princesa Charlotte.
La princesa Charlotte, fuerte y confiada que muestra muchas características de este signo. Esta jovencita ha demostrado que tiene una personalidad intensa y fiel a sí misma.
Otro Tauro más dentro de la familia Real. Archie aun es demasiado joven para encarnar completamente el signo de tierra y se ha visto poco públicamente, pero estamos ansiosos por ver brillar su energía en algún momento.
Otro signo popular en los royals es el Cáncer. Este era el signo zodiacal de la princesa Diana, también el del príncipe William, así como el de su primer hijo, el príncipe George. Por lo cual, se podría decir que los futuros reyes de Inglaterra estarán dirigidas por Cáncer.
Cáncer
Otro signo popular en los royals es el Cáncer. Este era el signo zodiacal de la princesa Diana, también el del príncipe William, así como el de su primer hijo, el príncipe George. Por lo cual, se podría decir que los futuros reyes de Inglaterra estarán dirigidas por Cáncer.
Es un signo cardinal comprendido dentro de los signos del agua. A este lo podemos describir por poseer el carácter menos claro; pero son personas divertidas, soñadoras, con una memoria extraordinaria, joviales, conservadoras, sabios y sobre todo muy intuitivos. Además, poseen un talento innato para las artes y las letras. La personalidad de este signo también puede llegar a ser sumamente hábil a la hora de gobernar, ya que son personas muy carismáticas, así que entendemos a la perfección cómo es que la princesa Diana logró conquistar a todos sus seguidores.
Las personas con el Sol en Cáncer a menudo necesitan sentirse parte de una familia, ya sea creando o manteniendo vínculos fuertes con su hogar y el resto de las personas. Tales lazos no necesariamente tienen que ser de sangre, sino algo que pueda trasmitir claramente un sentido de pertenencia y compañerismo. Todo esto se vio reflejado en la vida de la princesa Diana, tratando siempre de encajar en la familia real británica.
Principe William con una personalidad astral llena de emociones y sentimientos. Los Cáncer llevan consigo una profunda empatía y son capaces de relacionarse con las personas, incluso con los animales que los rodean muy fácilmente. Quizás por esta razón el príncipe de Gales parece formar una bonita conexión con todos los que conoce.
El príncipe George comparte el signo del zodiaco con su padre. Los Cáncer suelen ser serviciales, emocionales y muy compasivos. Según los especialistas en astrología estas personas se relacionan fácilmente con los demás y siempre velan por los intereses de los que lo rodean. Estas cualidades juegan a tono para ser un buen hermano mayor.
Conociendo más sobre los signos zodiacales
El horóscopo se divide en dos, los signos cardinales y fijos. Los cardinales son los signos que dan inicio a las cosas, los fijos son las que las llevan a cabo. También está la división por elementos, es decir, los cuatro elementos naturales: el agua, la tierra, el aire y el fuego. Cada signo pertenece a uno, y cada grupo tiene rasgos de personalidad que comparten. Para la astrología, el año comienza en marzo con la llegada de la primavera, por lo que el orden de los signos es el siguiente:
Aries es el primer signo del horóscopo porque está asociado con la primavera, y es el símbolo del renacimiento y los comienzos. Este forma parte de los signos cardinales y al mismo tiempo es un signo de fuego; también es el primer signo del zodíaco, precisamente por eso, simboliza el inicio, la creación.
Tauro es el segundo signo del zodíaco y pertenece a los signos fijos y simultáneamente es un signo de tierra.
Géminis es un signo mutable que forma parte del elemento aire; como signo de los gemelos, su carácter es doble y bastante contradictorio por complejo.
Cáncer se encuentra en cuarto lugar y es un signo cardinal y comprendido dentro de los signos de agua.
El signo de Leo es fijo y de fuego, también el signo más dominante del Zodíaco. Se encuentra en el quinto lugar.
Virgo es un signo mutable y de tierra; representado por una virgen. Ocupa la sexta posición.
Libra es un signo cardinal y de aire, se encuentra además entre los signos más refinados del Zodíaco.
Escorpio es un signo fijo y de agua; su potencia y energía emocional son únicas en todo el zodíaco.
Sagitario pertenece a los signos mutables y su elemento es el fuego.
Capricornio es un signo cardinal y de tierra.
Acuario es un signo fijo y de aire, y sin duda, es el signo con mayor capacidad para la invención de toda la rueda zodiacal.
Piscis es un signo mutable y de agua, también es el último signo del zodiaco, precisamente por eso, es el más rico y complejo de todos.
¡El año nuevo llegó! Desde el día 1 de diciembre 2022, la compañía encargada de dar a conocer el color más importante de cada año, reveló que el 2023 vibrará exponiendo optimismo y alegría en cada diseño, con el PANTONE 18-1750Viva Magenta, un tono rojo carmesí matizado que presenta un equilibrio entre lo cálido del rojo y lo frío del rosa.
Este tono, que puede variar de un rosa intenso a un púrpura es poco convencional, ideal para representar un año impar, esos 365 días se caracterizan por ser tan brillantes como el sol, la descarga de energía durante los años impares se manifiesta de forma extrovertida y luminosa, tal cual lo hace este color, descendiente de la familia roja.
El hecho de que haya sido elegido como el color mas chic del 2023 no significa que llevar atuendos con esta tonalidad sea una novedad, pero si resulta oportuna la ocasión para refrescar algunos looks que han lucido importantes figuras que por décadas han sido influyentes en la moda.
La princesaDiana de Gales combinaba el Viva Magenta así
Fotos: Julian Parker, Tim Graham, Lucy Levenson y David Levenson
Princesa Diana de Gales, en una visita al Museo del Teatro en Covent Garden, Londres, en 1990. La princesa Diana en un recital de Kiri Te Kanawa en Londres con un vestido de Victor Edelstein. La princesa Diana de visita en Westminster, Londres. 1986, vacaciones en Klosters, Suiza.
Aunque dicen que la moda no incomoda, hay combinaciones que hacen ruidos difíciles de soportar, el Magenta, como les explique anteriormente es un color extremadamente vibrante y que requiere rigurosidad a la hora de elegir otros tonos para acompañarle.
La primera referencia de nuestra lista es la princesa Lady Di, quien en múltiples ocasiones fue capturada luciendo outfits que hoy en día, veinticinco años después de su fallecimiento, nos sirven de referencia para combinar y lucir de forma adecuada el color del año. Su legado, indiscutiblemente cobra más peso con los años.
Jennifer Lopez luciendo el Viva Magenta
fotos: Dimitrios Kambouris y Pierre Suu
MET Gala 2011Jlo paseando por las calles de Paris el día de su cumpleaños en 2022.
La reconocida actriz y cantante estadounidense Jennifer Lopez, también ha sido captura en diferentes escenarios combinando este color.
En la primera imagen, La Diva del Bronx, lució un vestido largo elaborado por Gucci, que se robó todas las miradas durante la alfombra roja de la MET Gala 2011. Aún más reciente, en el 2022, justo el día de su cumpleaños número 53 fue capturada durante su luna de miel, junto a su esposo Ben Affleck, luciendo un hermoso y sensual vestido con cuello halter, tacones nude con tiras transparentes de Andrea Wazen, un bolso rosa de Valentino y un collar de oro de FoundRae.
La reina Letizia, el Viva Magenta y sus estampados
Fotos: Robert Smith y Europa Press News
Al parecer, este bolso y esos zapatos destalonados elaborados en piel por la firma Carolina Herrera, están entre los favoritos de la Reina Letizia. Como pueden apreciar en las imágenes, los lleva con frecuencia y los combina adecuadamente para que sean la estrella del total look, tal cual debe lucirse el Viva Magenta.
A diferencia de otras celebridades, la consorte ha llevado el magenta en diferentes matices: total look, como en la primera imagen; monocromático, como en la imagen donde se exhiben los zapatos; también acompañado de estampados y bordados según muestran las dos últimas imágenes.
Kate Middleton luciendo el color pantone del año
Fotos: Toby Melville
Kate Middleton en la boda de la princesa Eugenia de York y Jack Brooksbank.
La también princesa de Gales Kate Middleton, desde su llegada a la familia real británica se ha destacado por lucir un estilo apropiado y elegante en cada aparición. Lo que nos ha dejado anonados son los increíbles diseños en color magenta que componen su closet.
El color magenta no es aburrido, así lo demuestra la duquesa de Cambridge entre la multitud al lucir un look a juego (sus favoritos), durante su aparición en la ceremonia matrimonial de la princesa Eugenia de York.
Otro look magenta que en su momento acaparó los medios y que vuelve a resurgir por la tendencia del pantone del año es el vestido largo que la princesa de Gales lució en Belice, durante la visita a una de sus casas de moda favoritas The Vampire’s Wife, en marzo del 2022.
La mayoría de las celebridades cuentan con asesores de estilo personales que elaboran cada uno de sus looks pero, para aquellos que prefieren poner a volar su imaginación y ser autóctonos a la hora de elaborar sus combinaciones quedan las imágenes inspiradoras con las referencias mas atinadas para no equivocarse.
Si eres de los que buscas vivir una experiencia gastronómica de lujo, el mejor asiento de la ciudad de Miami puede ser reservado para ti. Contessa es un destino gastronómico enclavado en la Ciudad del Sol que mediante su versátil propuesta fusiona la cocina italiana con lo mejor de la latinoamericana con el firme propósito de alimentar el cuerpo y el alma, a través de una experiencia gustativa memorable.
Su espectacular diseño es una poesía arquitectónica que cuenta con un área climatizada y otra con una sublime vista que conjuga el romanticismo y la sofisticación, evocando los paisajes idílicos europeos para el disfrute de los amantes de la buena mesa. Desde que ingresas a este mágico espacio, cada pisada te aproxima a vivir un instante inolvidable para el paladar, el cual es gratamente sorprendido y satisfecho por un Carpaccio de Chianina Beef y el deseado prosciutto italiano. Además, componen esta aventura gastronómica una amplia carta de vinos y clásicos cócteles que nos invitan hacer de la gratitud un nuevo credo a medida que nos deleitamos con cada trago.
El verde azulado intenso y el rosado en diferentes tonalidades conforman la paleta de colores de este lujoso restaurante italiano situado en la ciudad de Miami, su suavidad nos hace percibir la belleza de este mágico espacio en las paredes de yeso veneciano y en el elegante mobiliario, complementado por el verde de las plantas que impregna de serenidad y frescura cada rincón, sin dejar de mencionar el protagonismo de las luces colgantes que elevan el encanto y la belleza de cada cabina de este santuario gastronómico a nivel de la perfección.
Además de su delicioso menú del norte de Italia y el el excepcional servicio a los comensales, lo que hace único este majestuoso lugar es su hospitalidad y buen ambiente. Esta experiencia mística queda inmortalizada en nuestra memoria con el codiciado postre de pastel de chocolate con pistacho, amaretto y gianduja, que nos fideliza en cada bocado haciéndonos prometernos a nosotros mismos que debemos volver donde hemos sido tan feliz.
Si tuviéramos que hablar de detonantes, reinventar la camisa blanca temporada tras temporada fue, sin lugar a dudas, el del nacimiento de esta historia de moda, precisamente por ser ese elemento clásico del clóset de toda mujer, y también como una especie de exploración personal que la propia diseñadora terminó compartiendo con el mundo: la de encontrar la camisa blanca perfecta.
No es secreto que desde entonces (2017) el interés de Tansung se ha diversificado, encontrando fascinación también en los vestidos, faldas y jumpsuits, que inicialmente se mantenían bajo una paleta completamente blanca, pero que con el tiempo fueron admitiendo algo de color.
Lo que no ha cambiado es su interés por redefinir los clásicos de todos los días, objetivo que conquista temporada tras temporada con sus giros únicos y detalles geniales a través de telas de primera calidad, en su mayoría 100% seda o popelina de algodón, con manos artesanales detrás de cada una de ellas. ¿Su escaparate principal? Su tienda virtual, además de Revolve, Moda Operandi, Bloomingdale’s y Bergdorf Goodman. Y sus clientas…toda mujer romántica pero descomplicada que exista en el mundo.
Zeynep Tansung
Meet the Designer
Después de siete años como gerente de marca en Unilever, Zeynep Tansug decidió que era hora de diseñar y administrar su propia marca de moda, y así nació Piece of White en 2017. Su inclinación por la moda, no fue sorpresa en lo absoluto. La diseñadora turca nació en una familia muy creativa, donde cada miembro hace algo relacionado con el arte o con la moda, siendo la creatividad una parte integral de su vida y la ropa, y las telas, su manera de traerlas a la realidad.
Editorial.
Esta firma reúne dos aspectos importantes del nuevo año, el primero: Turquía, considerado uno de los destinos tendencias también a visitar en 2023, según nos explica Laura Asilis unas páginas más adelante. Y el segundo, el blanco, tan presente en sus creaciones como en el título de su emprendimiento: Piece of White (Pieza en Blanco en español); una invitación abierta a cada una de sus clientas a explorar, a hacer de sus piezas, prendas realmente suyas, impregnándolas de historias, vivencias, visiones, estilos, de su propia personalidad. En sus palabras: “Esta marca no se trata de usar un color, sino de tomarse el tiempo para descubrir las posibilidades creativas de la restricción estética. Se trata completamente de la actitud y de cómo lo lleva una mujer con su propio estilo, porque cada pieza termina asumiendo la personalidad de quien la lleva”. Es un permiso poderoso al que Zeynep Tansung, la diseñadora turca detrás de esta firma de lujo, llama “la libertad del blanco”, como esa carta que, cuando la entiendes, verdaderamente reta. Sensación muy similar al efecto de “la página en blanco” con la que todos vemos los nuevos comienzos. Especialmente al que está en nosotros de que ocurra dentro de 10 días. ¡Feliz y extraordinario nuevo año y un cada vez mejor y empoderado “nosotros”!
Hunting Season no es una típica firma de carteras, es una de las promesas latinoamericanas más influyentes de estos tiempos. The New York Times la nombró “Hermès Junior”. Con una estética de diseño clara, la firma propone bolsos con una esencia atemporal y vanguardista para lucir y conservar toda la vida. Su misión es convertir la artesanía patrimonial en lujo y tiene 16 años lográndolo.
Cada colección se crea con materiales cuidadosamente seleccionados, incluidos el cuero de napa italiano y los tejidos elaborados a partir de hojas de plátano. Su historia, en general, está basada en la tradición y artesanía del pueblo colombiano, reinterpretando elementos clásicos con un enfoque moderno en bolsos del día a día, carteras de mano, bolsos de viaje y, con los años, también en exclusivos accesorios para el hogar. En 2011, la experta en retail, Lena Baranovsky se unió al equipo para expandir la visibilidad global de la marca latinoamericana establecida en NY, siendo uno de sus mayores logros, además de la exposición mundial, el lanzamiento de la ecommerce y las grandes colaboraciones con celebridades como Rosie Huntington-Whiteley, de donde surgió el más icónico estuche de belleza de Hunting Season.
Danielle Corona
Meet the Creative Director
Ella es fundadora y directora creativa de la marca. Su carrera en el mundo del diseño inició en Roma, con su pasantía en Valentino a inicios del 2000. Esta experiencia le ayudó a definir lo que quería, a saber exactamente en qué sector de la moda quería especializarse: accesorios, carteras. Estando allí entendió el verdadero valor de lo hecho a mano, su permanencia y la historia de respeto a la cultura y a la tradición que puede llegar a comunicar una técnica artesanal en una firma. Lanzó la suya en 2006, en Estados Unidos. Ella es nacida en Miami, pero de ascendencia cubana. En 2013 se mudó a Colombia junto a su hoy esposo y trasladó con ella producción de su marca.
Editorial.
En una industria guiada por las estaciones, ellos adoptan un sentido diferente del tiempo: uno moldeado por las experiencias y las aventuras de las personas detrás de sus piezas. En especial, la de los artesanos colombianos. La “cacería” de la que habla su nombre, está en descubrir las diferentes técnicas artesanales de cada región de Colombia, trabajar con sus artistas y exponer sus habilidades, talentos y, por supuesto, sus historias. Es su manera de hacer el cambio, de enfatizar su creencia de que reinventando la forma en que impactamos a los demás, redefiniremos nuestro impacto en el planeta. Son fieles a este pensamiento, apoyan la vida y la visión creativa de cada una de esas mujeres artesanas, brindándoles una opción estable de ingreso económico. También son fieles al movimiento, a esa intención de que cada bolso se mueva por la vida y por los años con la persona que los adquiera. Porque como explican: “Las piezas favoritas de alguien son esas que se mueven con fluidez con usted a lo largo de su vida, y creamos cada estilo, cada diseño, con ese sentimiento en mente. Invertir en piezas perdurables completará tu guardarropa con estilos que te hablen a nivel personal, que se conviertan en artefactos queridos, en guardianes de recuerdos. Además, este enfoque de diseño también es esencial para la sostenibilidad”.
Desde que se lanzó en 2012, con el objetivo de llevar el lujo de la alta costura a piezas cotidianas, femeninas y versátiles, Sandra Weil se posicionó como un jugador importante en el mapa creativo de México y América Latina. Todas sus colecciones, dos al año, comparten punto de partida: el alma de los vestidos, esos tejidos que dan vida a siluetas inesperadas concebidas para una mujer verdaderamente contemporánea.
Sus diseños son creados con la intención de plasmar la personalidad de quien los viste, buscando resaltar el poder creativo, la energía y fuerza de cada mujer. La naturaleza, sus transformaciones y fenómenos son su inspiración favorita y también las más recurrentes. “Pseudobombax”, que es justamente su propuesta para otoño-invierno 2022, se basa en la peculiar anatomía explosiva de la flor de color rosa intenso del Pseudobombax Ellipticum.
Como explica la diseñadora: “Esta colección habla de metamorfosis. En ella se enmarca la transformación de una semilla inactiva a la explosión de una flor. Trabaja la transición de las materias primas, como el denim y la lana, a los tafetanes iridiscentes y los satenes brillantes que evocan una metamorfosis. Las texturas contrastantes se representan a través de tafetas plisadas y jacquards tejidos”. Es una propuesta que celebra el movimiento con las capas ensambladas en tafetán, denim reciclado, seda, terciopelo y prendas de punto. También con faldas cruzadas que se complementan con blusas plisadas con cuello en V y los trajes de pantalón drapeados, chaquetas extragrandes y pantalones relajados para ofrecer piezas sofisticadas para la mujer urbana. En cuanto a la paleta de color, suceden dos cosas: se integran los metalizados y se puede presenciar una progresión desde la restricción de color a través de tonos grises, caoba y arcilla, hasta la explosión del rosa bombay y los tonos iridiscentes.
SANDRA WEIL
MEET THE DESIGNER
A México llegó por amor, pero nació en Lima, Perú, en una familia multicultural que tiene sus raíces en Turquía, Alemania, Brasil y Rumania. Su pasión por la moda y el diseño la descubrió desde pequeña, cuando pasaba días en el taller de costura de su abuela. Desde entonces, la entiende como su manera de descubrir el mundo y como ese lenguaje universal que le permite exteriorizar su visión artística, por más compleja o simple que parezca. Estudió Artes Visuales con mención en Diseño Gráfico en la Pontificia Universidad Católica del Perú y luego se fue a España, donde se matriculó en la Universidad Felicidad Ducé de Barcelona, para especializarse en Alta Costura. Tras concluir sus estudios, se mudó a la Ciudad de México en 2008, junto a su hoy esposo, emprendiendo en este lugar.
EDITORIAL.
Son muchas las conversaciones que giran alrededor de Sandra Weil. Como marca, se prepara para, tras ocho años habitando aquella elegante y mística esquina vestida de enredaderas en Polanco, México (su primera e icónica tienda), presentar a sus clientas una nueva “casa” insignia, que al igual que sus diseños, primero que todo, necesita alma.
También, está presentando colección de otoño, “Pseudobombax”, para la que estuvo hasta julio recibiendo donaciones de jeans o mezclilla, como parte de un programa de reciclaje que se integra a la firma. Siendo la intención, en esta ocasión, la de transformar todo lo recibido en bustier de edición limitada. Y a esto, le sumamos una propuesta de Trunk Show exclusivo con el que estará visitando nuestro país a finales de este mes.
Coincidiendo la historia de este último, con el propósito de su más reciente propuesta creativa: “acompañar a las almas perplejas a través de transiciones radicales, aquellas que buscan pasar del letargo al florecimiento y ser testigos de un fenómeno sobrenatural: la fluorescencia de la luz”, a través de lujosas piezas de vestir. En lo personal, podría decir, sin temor a equivocarme, que anexo a su rol de madre y esposa, un lugar muy especial de su agenda lo ocupa el cómo llevar todo este inmenso reconocimiento que celebra en México a su natal Perú. No es para menos, se trata de uno de los nombres más importantes e influyentes de la industria de la moda latinoamericana.
Cada creación de Iris Van Herpen está respaldada por los pilares que sostienen la marca: naturaleza, arquitectura, arte y danza. Los cuatro muy presentes de alguna manera en la vida de Iris, la diseñadora. En especial la última, porque se formó en ballet clásico. De ahí su fascinación por la fluidez y el “arte enmarañado” del movimiento. “La danza mercurial en la que el cuerpo y la mente se cruzan, ha impulsado perpetuamente la filosofía de diseño sensorial de Van Herpen y ha allanado el camino para formas de moda más conscientes.
Contemplar el movimiento como una fuerza metamórfica permite que estas prendas se extiendan desde el cuerpo humano, esculpiendo sus formas en siluetas multidimensionales. El movimiento agrega otra capa a la artesanía de la marca y nuestra visión, como maison, parte y se guía justamente por la anatomía humana y la forma en que se mueve la mujer”, explica. Sobre la naturaleza, le motivan territorios menos explorados como las ondas sonoras, los patrones climáticos, las sinapsis, el magnetismo, la simbiosis, el voltaje, la red de madera o el movimiento cinético.
Y es de esta exploración que surgen los conceptos de sus colecciones. En cuanto a la arquitectura, pilar y pasión repercuten en su proceso creativo, donde siempre existe un diálogo visual entre la moda y este mundo a nivel conceptual, el nivel de la materialidad y el nivel de las técnicas.
El Haute Couture aquí es una fuerza que transforma y que une tecnologías multidisciplinarias con lo más “primitivo” y extraordinario, que representa la artesanía, lo manual. Sus creaciones son visionarias porque fusionan técnicas pioneras y materiales lujosos, a menudo evocando una sensación de asombro vanguardista. Ya sea dando forma a un vestido a través de un tejido electromagnético, esculpiéndolo a partir de cuero transparente fundido a mano en 3D o implementando siliconas, limaduras de hierro y resina en un diseño, esta firma desafía las nociones tradicionales de lo hecho a mano para crear prendas indefinidas que miran radicalmente hacia el futuro y que, sobre todas las cosas, son exquisitamente femeninas.
Editorial.
Ella es científica o «hechicera» (de la moda), y no son alusiones nuestras; el segundo es el sobrenombre que eligió para ella: Suzy Menkes, la afamada periodista y crítica de moda, editora internacional de Vogue, después de visitar su estudio en 2015. En sus palabras: “Iris es probablemente la diseñadora de moda con la mayor visión de la sastrería como ciencia ficción.
En su estudio, los trabajadores dan forma a materiales a los que cuesta poner nombre, convirtiéndolos en espirales que parecen serpientes o modelan tejidos metálicos a los que se ha inyectado color. El trabajo de esta diseñadora hiperoriginal muestra una labor tan única, que tuve que preguntarle si se ve a sí misma como una diseñadora, una técnica, una maga o una científica”.
Lo cierto es que esta inventiva diseñadora holandesa ha llegado a la industria para transformar la manera en cómo se interpretan, parten y proponen las ideas. Hace moda de una manera diferente, significativa, diversa, consciente y eso se evidencia en las dos colecciones que presentan por año exclusivamente en la Semana de la Alta Costura de París como miembro de la Fédération de la Haute Couture. También en las que se han exhibido en el Museo Real de Ontario en Toronto, en el Miami Art Basel, el Metropolitan Museum New York y el MET Gala, el Victoria & Albert Museum London, entre otros casi cien museos, eventos y exposiciones más, porque sus diseños son arte.
Máxima de Holanda, Scarlett Johansson, Lady Gaga, Cate Blanchett, Beyoncé son solo algunos de los nombres que figuran en su listado de musas y mujeres que llevan sus diseños y ese mensaje de empoderamiento con el que conquista al mundo. En esta edición especial dedicada a la tecnología, presentamos a la curiosa pionera de las técnicas 3D en el mundo de la moda.
Nuestras páginas de Ritmo Social rinden un homenaje a un hombre de letras, intelectual y nobel de literatura, quien hoy deja de lado su rol de escritor por uno que le enorgullece sobremanera: y es el de ser padre y abuelo.
texto Rosanna Rivera fotos Morgana Vargas Llosa y archivos de familia agradecimientos Gonzalo Vargas Llosa
Conversamos tranquilamente con don Mario y sus hijos Álvaro, Gonzalo y Morgana, donde aquilatamos la unión que existe entre ellos y donde la cultura, el buen humor y la imaginación están presentes en todos los encuentros familiares de hijos y nietos que tanto disfrutan.
Gracias siempre don Mario, por el cariño y la confianza; entablar un diácon usted es un lujo, una experiencia única e irrepetible, un deleite a los sentidos y un ejercicio para la inteligencia inigualable.
Ritmo Social:Don Mario, este próximo domingo celebraremos el Día de los Padres en República Dominicana. ¿Cómo se ha sentido usted en su rol de padre?
Mario Vargas Llosa:La verdad es que cuando nos casamos con Patricia, yo no quería tener hijos. La idea de la paternidad me parecía que iba contra mi vocación de escritor. Pero luego vinieron Álvaro, Gonzalo y la propia Morgana, y me hicieron cambiar de idea. Lo cierto es que fueron muy divertidos y que entretuvieron mucho a sus padres cuando no estábamos trabajando.
RS: ¿Tendría una anécdota simpática para compartirnos de esos tiempos maravillosos que compartió con sus hijos?
MVL:La peor experiencia que tuve fue con Álvaro, recién llegados a Inglaterra. Mientras Patricia iba a sus clases de inglés, yo me ocupaba de darle a Álvaro una comida que consistía en un frasco helado de algo que tenía una apariencia amarillenta. Yo estaba escribiendo “Conversación en la Catedral”. Álvaro, que tenía solo un año, tragaba esa porquería que luego la vomitaba íntegramente. Total, que yo me pasaba la mañana dando mamaderas y limpiando los estragos en la casa. Fue la única experiencia melodramática, pero tengo muchos recuerdos entrañables. Ya en Barcelona tuvimos una niñera para Álvaro y Gonzalo, y para Morgana, a la que vi nacer, algo que había querido hacer con Álvaro y Gonzalo, pero en Lima la prohibición de que el padre asistiera al parto era categórica. Morgana nació cuando estábamos por partir de Barcelona y era muy pegada a mí. Nadie sospechaba entonces que tendría un carácter muy enérgico y que sería la verdadera autoridad en la familia. Gonzalo siempre fue el más silencioso, pero ha elegido muy bien y ahí están sus 30 años de ACNUR para probarlo. La verdad es que los quiero mucho a los tres y que si tuviera que empezar de nuevo, los procrearía ídem.
RS: ¿Usted puede decir que tuvo una relación tormentosa o armoniosa con su padre? ¿Cómo esto lo marcó?
MVL:Tuve una muy mala relación con mi padre. Yo lo conocí cuando tenía once años, porque mis padres se divorciaron antes de que yo naciera. Mi familia materna era una familia muy católica conservadora; entonces, a mí me ocultaron el divorcio de mis padres, y yo, hasta los once años, viví creyendo que mi padre estaba en el cielo, que se había muerto. Y de pronto, a los once años, mi madre me reveló que mi padre estaba vivo, porque se habían reconciliado secretamente.
Entonces, yo creo que todavía no me he recuperado de la impresión, que fue descubrir a los once años (risas) que mi padre estaba vivo y pues lo conocí e inmediatamente nos fuimos a vivir con él a Lima. Y a mí esa relación me marcó muchísimo, yo nunca me entendí bien con mi padre. Yo había sido un niño muy mimado por mi madre, por mis abuelos y mis tíos maternos, precisamente porque era un niño sin papá, y entonces de pronto, cuando nos fuimos a vivir a Lima, pasé a vivir bajo la autoridad, que era muy serena, muy estricta y mi padre veía con mucha desconfianza mis aficiones literarias.
Él pensaba que una vocación literaria era un pasaporte a la bohemia, hacia el fracaso en la vida y entonces me combatió muchísimo. Y yo creo que esa oposición fue muy importante para que yo me animara, leyera y escribiera, porque fue una manera de resistir su autoridad. Fue una manera de no dejarme aplastar por esa autoridad tan fuerte y tan autoritaria que él tenía. De tal manera mi padre, sin quererlo, y queriendo todo lo contrario, contribuyó mucho a afirmar mi vocación. Por otra parte, me hizo entrar a un colegio militar, que se llamaba “Leoncio Prado”, los tres últimos años de secundaria.
Era un colegio sometido a una disciplina militar que formaba parte del ejército, pensando que en un colegio de este tipo mi vocación literaria iba a desaparecer, porque pensaba, no sin razón, que había una cierta incompatibilidad entre la literatura y la vida militar, y en realidad lo que hizo fue darme el tema de mi primera novela que fue “La ciudad y los perros”, una novela que ocurre en un colegio militar y donde yo volqué muchas de las experiencias. O sea que, queriendo todo lo contrario, mi padre contribuyó mucho a mi vocación literaria.
“Mientras Patricia iba a sus clases de inglés, en Londres, yo me ocupaba de darle a Álvaro una comida que consistía en un frasco helado de algo que tenía una apariencia amarillenta. Yo estaba escribiendo “Conversación en La Catedral”.
RS: ¿Usted tiene algún ritual antes de escribir?
MVL: Bueno, yo tengo una rutina que respeto desde hace muchísimos años. Yo comienzo el día generalmente muy temprano y camino todos los días una hora; y esa hora, para mí, donde esté, es muy importante porque en esa hora yo preparo el trabajo del día, voy organizando las cosas que voy a hacer, muchas veces los temas que voy a desarrollar en el trabajo que esté haciendo. Es una rutina por siete días a la semana, 12 meses al año. Trabajo hasta las dos de la tarde y en la tarde trabajo hasta las seis de la tarde, pero el rendimiento mejor es en las primeras horas del día.
RS: Don Mario, ¿es usted supersticioso?
MVL:No, supersticioso no soy, pero recuerdo que un amigo decía: “No creo, pero tengo miedo: yo no paso debajo de una escalera”.
RS: Tengo entendido que usted disfruta mucho ir al cine.
MVL: A mí me gustan las buenas películas, pero tengo debilidad por las películas policiales. Por ejemplo, así como yo no leería novelas policiales, no me interesan nada, en el cine me divierten mucho. Me gustan mucho las películas de vaquero, que ya desgraciadamente no se hacen y después me gustan las películas de grandes creadores. Soy un gran seguidor de Visconti y Buñuel; entre los españoles Berlanga, que es uno de los cineastas modernos, creo que creó un mundo en condiciones muy difíciles porque eran unos años de censura. Pero en el cine me pasa lo que no me pasa con los libros: un mal libro no lo soporto; una mala película, si no es muy pretenciosa, yo la puedo ver. Con una película mala me puedo quedar hasta el final sin problemas.
RS: ¿Qué tipo de gastronomía usted prefiere a la hora de comer?
MVL:Me gusta la comida del fogón, la comida casera. No me gusta tanto la comida elaborada, sofisticada, experimental. Me gusta la comida de la olla y se come con cuchara de palo, como dicen en España. Me gusta mucho ese tipo de comida, que es la comida casera.
RS: Don Mario, ¿cree usted que la cultura es responsabilidad de los gobiernos o de los pueblos?
MVL:Yo creo que la cultural no debe ser exclusivamente responsabilidad de los gobiernos; debe ser una responsabilidad en conjunto de la sociedad, que todos digamos que tenemos que contribuir a que haya una cultura viva, creativa, en el mundo en el que vivimos. Hay un precio que pagar cuando la cultura es producto enteramente de la actividad estatal.
“tenemos que contribuir a que haya una cultura viva, creativa, en el mundo en el que vivimos. Hay un precio que pagar cuando la cultura es producto enteramente de la actividad estatal”.
RS: ¿Cree usted en la vida después de la muerte?
MVL:Mire, yo no soy creyente y al mismo tiempo me cuesta tanto imaginar que no existe ninguna forma de continuación o prolongación de la vida. ¡Cómo negarlo! Por eso me declaro un agnóstico; no soy un ateo, más bien un agnóstico que declara su perplejidad sobre lo que puede ser la trascendencia, el más allá.
RS: Una frase de batalla que a usted lo identifique.
MVL: Es una frase de Flaubert que yo admiro mucho y que yo convertí en la divisa de mi vida, que es: “Escribir es una manera de vivir”.
RS: Un mensaje para los lectores de Ritmo Social en República Dominicana.
MVL:Mucho cariño y agradecimiento, pues le debo a la República Dominicana muchas cosas, grandes amigos, y cómo fue para mí escribir la novela “La fiesta del Chivo”.
“Mucho cariño y agradecimiento a esta hermosa tierra. le debo a la República Dominicana muchas cosas, grandes amigos y cómo fue para mí escribir la novela “La fiesta del Chivo”.
CONFESIONESÍNTIMAS
NOMBRE COMPLETO: Jorge Mario Pedro Vargas Llosa FECHA DE NACIMIENTO: 28 de marzo de 1936, en la ciudad de Arequipa, Perú UN AROMA: El aroma del mar, sobre todo el de República Dominicana LE GUSTAn LOS VINOS… El vino que más admiro es el vino español Vega Sicilia. He tomado maravillosos franceses e italianos, pero si tengo que escoger, sería un buen año del Vega Sicilia.
Testimonios de los hijos de don Mario Vargas Llosa:Álvaro, Gonzalo y Morgana
Gonzalo
RS: ¿Qué peso conlleva ser el hijo de un hombre tan brillante y universal como don Mario?
Gonzalo:Yo no lo llamaría “un peso”. Es algo de lo que me siento muy orgulloso. Admiro enormemente a mi padre como escritor y como creador. Me imagino que si yo también me hubiera dedicado a la literatura como profesión, a lo mejor me hubiese sentido presionado y con un gran “peso encima”. Afortunadamente para mí, me he dedicado a algo muy distinto, es decir, a ayudar a los refugiados. Mi padre siempre me ha apoyado mucho en mi labor humanitaria y, por ejemplo, me ha visitado en varios de los países donde he trabajado para las Naciones Unidas, como Pakistán, Afganistán, la ex-Yugoslavia, Panamá, República Dominicana, etcétera.
RS: ¿Cuál entiendes sería el mayor legado les deje don Mario como familia?
Gonzalo:Yo creo que el mayor legado que nos dejará serán sus valores: su honestidad, su amor y defensa de la libertad, y la importancia que siempre ha tenido para él la familia. Para mí también fue sumamente importante el hecho que mi padre –y mi madre– nunca intentaron imponerme nada y me dieron total libertad para escoger mis estudios y mi profesión. Yo, por mi lado, he seguido su ejemplo con mis hijas.
RS: ¿Cómo es don Mario Vargas Llosa en el trato cuando está con sus hijos y nietos?
Gonzalo: Por un lado, mi padre es una figura muy seria. A lo largo de mi infancia lo recuerdo encerrado en su escritorio en la casa diez o doce horas al día, siempre escribiendo o leyendo. Y si mis hermanos y yo hacíamos el menor ruido y lo sacábamos de su mundo de fantasía, aunque sea por unos minutos, los castigos eran severos (risas). Mi padre siempre nos inculcó desde muy pequeños la importancia del trabajo y del esfuerzo. Pero, por otro lado, también nos divertimos mucho con él: por ejemplo, le encanta ir al cine con nosotros y con sus nietos a ver películas de acción (siempre acompañado de las infaltables palomitas). Me acuerdo también que una vez, hace muchos años, mi padre se disfrazó de papá Noel durante una vacación familiar en las Islas Canarias y repartió regalos a todos sus nietos.
Álvaro
RS: ¿Qué peso conlleva ser el hijo de un hombre tan brillante y universal como don Mario?
Álvaro:Felizmente él y mi madre nos criaron de tal forma que nunca sentí que eso fuera un peso. Mi relación con mi padre ha hecho que siempre vea su éxito literario y su prominencia como figura intelectual con naturalidad y que asuma como parte del paisaje natural de las cosas el hecho de que eso conlleva ventajas y desventajas, que trae amigos y enemigos. Además, tenemos muchas cosas en común en la vida pública, por ejemplo, nuestra participación en una fundación que promueve la libertad en todos los campos, o incluso el periodismo, y eso hace que la experiencia común facilite las cosas.
RS: ¿Cuál entiendes sería el mayor legado les deje don Mario como familia?
Álvaro:Precisamente eso, el sentido de familia. Ha sido siempre una persona con sentido de tribu a pesar de que su trabajo es solitario y de que cuando éramos pequeños, y más tarde adolescentes, su trabajo lo llevaba por temporadas a estar físicamente alejado. Es una ironía que él de joven dijera, según él mismo nos ha contado y otros lo han confirmado, que no quería tener hijos y que luego, al tenerlos, haya mantenido con nosotros una relación tan estrecha. Creo que él ha querido tener con sus hijos la relación que no fue posible tener con su propio padre. Un ritual anual que cumplimos durante muchos años fue hacer viajes en familia a lugares distantes. Como todos hemos vividos siempre muy dispersos por el mundo, esos viajes eran una buena manera de mantener a la tribu unida. Yo he tratado de hacer lo mismo con mis hijos.
RS: ¿Cómo es don Mario Vargas Llosa en el trato cuando está con sus hijos y nietos?
Álvaro:Se muestra siempre curioso e interesado en lo que hace cada cual; se alegra con los éxitos y se apena con las derrotas, cuando las hay. Recuerdo, en un viaje a las Canarias, que se disfrazó de Santa Claus para hacer creer a sus nietos que era Papá Noel, y lo consiguió durante unos minutos, hasta que una de sus nietas, creo que la hija mayor de Gonzalo, se dio cuenta. Fue muy divertido. Escribí una larga crónica sobre eso en una revista. El humor y la imaginación son las claves de la relación con los hijos y nietos. Otra es la cultura. Siempre hay libros, películas, exposiciones, conciertos, en la conversación familiar.
Morgana
RS: ¿Qué peso conlleva ser la hija de un hombre tan brillante y universal como don Mario?
Morgana:Independientemente de sus logros literarios, siempre he admirado la capacidad de trabajo y la disciplina de mi padre. Ese ejemplo de vida jamás podría representar un peso, sino, más bien, un motivo de orgullo y una gran responsabilidad. Me gustaría ser capaz de transmitirle esos mismos valores a mis hijas.
RS: ¿Cuál entiendes sería el mayor legado les deje don Mario como familia?
Morgana:En un plano colectivo, por supuesto, sus novelas. En un lugar más personal, el sentido de familia, de tribu, de permanecer unidos en medio de todas las tormentas y las felicidades.
RS: ¿Cómo es don Mario Vargas Llosa en el trato cuando está con sus hijos y nietos?
Morgana:La faceta menos conocida de mi padre es que es dueño de un sentido del humor extraordinario. Eso es algo que tanto sus hijos como sus nietos celebramos a su alrededor, con mucho amor y, por supuesto, largas sobremesas y risas.
Los estampados abstractos, las sedas lujosas, la alta atención al detalle y su perfecta confección, en todo tipo de prenda de vestir femenina, son la estampa por excelencia de esta firma de lujo que solo está físicamente presente en Cali y Bogotá, pero alcanza al mundo a través de las ecommerce más prestigiadas, como Moda Operandi.
La Cartagena antigua, la Amazonía colombiana y las fincas hípicas caleñas han sido fuentes de inspiración constante de sus colecciones. También la cultura, historia, fauna, flora y esencia de la mujer colombiana. Tanto la marca como el diseñador, son fieles a su patria. Casi tanto como a sus vivencias y a su percepción del mundo. Prueba de esto es la decisión de agregar telas más sostenibles (incluido el satén de poliéster reciclado y la gasa) a su propuesta de Otoño-Invierno 2022 y los patrones tipo ikat y tapicería, vistos en siluetas glamorosas, como un guiño a su herencia de Medio Oriente y a su reciente viaje a Marruecos en su recién compartida colección de Fall-Winter 2023.
Editorial.
Su propósito de vida, lo conoció desde muy temprana edad, cuando se veía dibujando vestidos en sus cuadernos de Física. También, cuando muchas de estas siluetas comenzaron a llamar la atención de sus amigas, quienes llevaban estos diseños a las señoras que les confeccionaban, y traían a la realidad los más bellos vestidos. Andrés fue el primero en Cali que organizó una pasarela de modas escolar, precisamente con sus compañeras de curso como modelos. Su primera colección se llamó “Colombian fashion”S y estaba compuesta por vestidos patrióticos, inspirados en los colores de la bandera colombiana.
Además de creativo, fue un gran “niño de negocios”. Vendía ropa, brownies, stickers y accesorios en el colegio. Lo heredó de su padre, Carlos Otálora, reputado comerciante de Cali y quien inicialmente pensó que su hijo continuaría su legado en la empresa de autopartes. Andrés cursó un semestre en Administración solo para complacerlo. Sin embargo, terminó convenciéndole de permitirle estudiar Diseño de Modas en la Academia de Dibujo Profesional, en un momento donde la moda no se veía como una carrera estable. Su papá terminó siendo el inversionista detrás de su primera colección formal y el coach emocional de toda su carrera. Su equipo, que es el mismo desde que inició, además de ser un “jefe fiel”, le reconocen como “el ojo detector de detalles”, sensibilidad que heredó de su madre y que le ha llevado a conquistar las pasarelas más poderosas del mundo.
¿Qué tan “indomable” eres cuando de moda se trata? 100%. Creo que indomable e impredecible. No me guía la tendencia y, de alguna manera, balanceo ser consciente de lo que está sucediendo con un poco de rebeldía y combinaciones que no se atan a un marco temporal.
¿Cómo llegas a Indómita? Viviendo en Italia conocí a “una prima lejana” llamada Isabel Cortorreal. Regresé al país “escapando” del covid, y casi un año de después recibo por parte de Isabel la oportunidad de integrarme a un proyecto “top secret” al que ella pertenecía, que era perfecto para mí y que estaba por salir.
Siempre te vemos posando frente al icónico espejo, proponiendo looks extraordinarios. ¿Cómo inició todo esto y en qué encuentras inspiración para vestirte?
Me resulta gracioso este tema pues surgió muy espontáneamente. Envuelta en trabajo administrativo, como gerente general, empecé a sacar momentos para jugar con las piezas por curiosidad, me hice fotos y las publiqué en mi cuenta personal y me asombró cómo impactaron en mi círculo y seguidores muchas ideas de uso que, para mí, eran muy fácil inventar. Me inspira el reto de crear algo innovador partiendo de algo quizás no tan nuevo. Creo que el objetivo es recordarme que la vestimenta no es descartable, entonces me permito elegir piezas que me encanten tanto como para repetir bastante.
Nirka Reyes ha estado trabajando de cerca con ustedes, tanto así que sus últimas apariciones en los eventos más importantes del mundo del tabaco, llevan firma dominicana, de las colecciones diseñadas especialmente para Indómita. ¿Cómo se dio esta dinámica? Pues como mucho de lo mágico que nos ha sucedido, ¡inesperadamente! Nirka visitó la galería por primera vez para el lanzamiento de la Temporada 2. Coincidentemente, se aproximaba la semana/evento más importante de la industria del tabaco en el país, para el que ella anhelaba llevar únicamente talento dominicano. Las piezas de los diseñadores del momento parecían haber sido pensadas para ella y el resto fue historia.
¿Qué tan cercana eres tú a los cigarros y destilados? Ambos me causan mucha curiosidad por su trascendencia generacional y su relación con el disfrute. Con los destilados soy más cercana, me encanta poder probar y catar. Soy apasionada de la mixología, pero últimamente disfruto más de un trago “a las rocas”. Del cigarro llevo el aroma muy vívido en mi memoria gracias a mi abuelo, ávido fumador. Recuerdo admirar cierto aspecto ceremonial de sus fumadas: en calma, con su trago, y mejor disfrutadas con una buena conversación. Mi querida Nirka tiene la misión de introducirme a la experiencia.
¿Cuál entiendes que es la clave para combinar moda y arte? Una intención genuina de colaborar. Parte de lo que hemos aprendido como equipo es cuán distantes podían percibir los mismos diseñadores y artistas ambas disciplinas y cómo, colaborando, se logran resultados que de otra forma ninguna de las partes podría alcanzar.
Con la perspectiva de Italia, que te dio tu formación en Marangoni, ¿qué tiene de único, diferente, potencial, el talento local dominicano? La calidad humana detrás de los equipos de trabajo locales. Estudiando y trabajando en Italia pude relacionarme con profesionales internacionales y líderes de marcas top y me marcó la manera en que sobresalí entre los demás por mantener la calidez y seguridad, incluso en los ambientes que tienden a ser más fríos.
Además de las colecciones cápsula de cada diseñador, Indómita presenta piezas diseñadas por la marca per se. ¿Qué traen en esta nueva temporada? Y, ¿te animarías a diseñar alguna? El Indómita Tote ha sido el objeto emblemático de nuestras dos primeras temporadas y esta no es la excepción, pero venimos con un twist. Se trata del Mini Fringed Tote que pronto se estrena en un color exclusivo y con detalles especiales inspirados en Pedro Mir. ¡Atentos! Hasta el momento no tenemos exhibidas piezas de mi autoría, pero puede que próximamente. ¡Ya veremos!
Editorial.
“Hay un país en el mundo”, la obra maestra de Pedro Mir, reconocido e inconfundible poeta dominicano, donde contrasta magistralmente la belleza y abundancia natural de nuestro país con la miseria de los campesinos sin tierra, atados al ingenio, que dejan la vida en la faena sin poseer nunca nada, se convierte también en el verso con el que inicia la nueva historia de Indómita, su tercera temporada.
Cuatro diseñadores de moda: Sinead Fachelli, Mánnelik Ortega de Distrito 79, Jacqueline Then y Jasmín Abu Naba’a; accesorios del hogar por Verónica Modesto de Bless My Funk Home, y las obras de arte de Lizander Jiménez, visten de poesía la galería de puertas abiertas que enaltece, eleva, promueve la moda y el arte dominicano con diseñadores locales distintos cada vez y colecciones exclusivas inspiradas precisamente en el arte.
Justo la mañana de lanzamiento, el lunes, quedamos con María José Espaillat, a quien muchos conocemos como “la chica del espejo”, por esos “posteos” proponiendo looks diarios extraordinarios, colección tras colección. Un “suceso digital” producto de la espontaneidad al igual que su llegada a Indómita desde su concepción, mientras hacía maestría en Gerencia de Marcas de Moda y Lujo en Marangoni y trabajaba en el departamento de Comunicación y RR. PP. en Aquazzura, Milán.
La idea era crear con ella la primera propuesta de looks de esta nueva colección pero con un ligero giro: que todos estuvieran pensados para un encuentro que involucrara cigarros y destilados, como es el tema central de esta edición de Ritmo Social y como lo ha estado haciendo desde la segunda temporada de Indómita, Nirka Reyes.
Juan José Bellapart ha hecho mucho por el arte dominicano y también ha expresado emotivamente lo que sentía. ¡Que nos permitan citar algunas de sus palabras: estas tienen un valor premonitorio al exponerse actualmente “Colson desconocido. Reencuentro con el Caribe”, obras todas del Museo Bellapart! “
Lo que sí podemos asegurar es la sinceridad de nuestra empresa y nuestro anhelo de que, dentro de dimensiones modestas, ofrezcamos lo mejor y con la mayor seriedad. Esperamos continuar dando una imagen del arte dominicano que corresponda al valor de sus artistas, y tratar de cambiar el desconocimiento que afecta a las artes visuales de la República Dominicana por una información más justa.
Nosotros creemos haberlo conseguido con la obra de Jaime Colson, permanentemente expuesta en estas salas, y que hemos llevado por importantes países y ciudades del mundo. Encontramos una respuesta que ha estimulado nuestros esfuerzos”. (1) Juan José Bellapart, Prefacio, página 6, “Eligio Pichardo dramático y desafiante” por Marianne de Tolentino. Colección Museo Bellapart. 2003.
Ese gran amigo de los artistas, ese fundador de un museo excepcional, partió a la eternidad, pero su entrega altruista no se detuvo… una inmensa alegría para todos es que sus hijas Maribel y Maripili se hayan unido a la misión patrimonial, participando activamente en la continuidad y el florecimiento del Museo Bellapart. Conversamos con Maribel Bellapart y agradecemos lo que dijo con tanto afecto, sinceridad y entusiasmo.
MARIANNE DE TOLENTINO: Cada vez que vengo al Museo Bellapart encuentro algo nuevo e inesperado, algo que me entusiasma, como ahora… esta nueva sala contemporánea. Y es increíble ver cómo don Juan José, su padre, sentía no solamente el arte neoclásico y el arte moderno, sino también el arte contemporáneo. Así, estas obras contemporáneas de Oviedo me sorprendieron…
MARIBEL BELLAPART:Muchísimas gracias Marianne. Admiro mucho la pasión de mi padre por el arte y el ojo para escoger las obras. Siento que es algo con lo que se nace.
MT: Yo creo que sí. Creo que siempre hablan menos del coleccionista, y más del que trabaja en un museo o del que hace crítica, siempre hablan de la parte de formación y de la experiencia. Pero hay otro elemento condicionante, que es la parte espontánea, el ojo, como bien usted lo menciona para su padre… es una especie de contacto, cuando, por ejemplo uno está frente a un cuadro, una comunicación entre la obra y la persona… y su padre tenía ese don extraordinario.
MB:En los años 60, cuando aquí la gente no coleccionaba arte, ni siquiera compraba pinturas; mi papá, al venir de Barcelona, con ese sentido del arte nato, empezó a coleccionar, por influencia también de mi madre, familiar de Luis Desangles, pintor, escultor y educador dominicano. Él se hizo amigo de exiliados como José Gausachs, Antonio Prats Ventós, y con Frank Marino Hernández, también cercano a Jaime Colson; en conjunto, fueron desarrollando en él esa sensibilidad fantástica de la que podemos hablar hoy y que se evidencia en cada rincón de este espacio. Puedo decir que comenzó desde joven a coleccionar muchos Jaime Colson y muchos otros cuadros de pintores dominicanos.
MT: ¿Qué significa para usted, como hija, el legado de don Juan José Bellapart?
MB:Mi padre dejó un gran legado. En lo tangible, nos dejó a nosotros el Museo Bellapart, el primer museo de artes plásticas privado de la República Dominicana. También la pasión por todo lo que él hacía, incluyendo la venta de los carros, que le fascinaba. En general, era un hombre muy sencillo y apasionado, especialmente por el arte, y eso es legado para nosotros. Cuando él iba a comprar un cuadro, él investigaba sobre el artista, tenía “un ojo clínico” para buscar el mejor de ese artista… ¡era algo como innato en él!
MT: La colección de aquí me parece que es única. Hay obras maestras extraordinarias y habrá algunas obras menos impactantes, es algo normal. Pero realmente es una colección de gran museo. Y no me sorprende la reacción del director del Museo de Arte Reina Sofía: “Si usted viene aquí, conocerá el mejor arte dominicano, que no lo hay en ninguna parte…”.
MB: Esta percepción nos llena de orgullo, unida a la condecoración de parte del rey de España. A él le causó una gran emoción y para todos los miembros de la familia, ya que el rey de España Felipe VI lo condecoró en el año 2016, siendo mi padre proveniente de ese país. Cuando él recibió esa condecoración, dijo: “Ya yo me puedo morir mañana, porque ¿cómo va a ser que el rey de España, o sea, lo más grande de mi patria, me condecoró?”.
Para él, fue muy significativo, y aún así él nunca alardeó sobre eso, sino que siempre se mantuvo con sencillez en todo lo que hacía. Él estaba fascinado; para él y para todos los miembros de la familia fue una pena muy grande que ya había muerto mi madre, pero por lo menos estábamos sus hijas y todos sus nietos.
“Estamos iniciando el Premio Juan José Bellapart para promover a artistas dominicanos, o artistas extranjeros con más de cinco años en el país”.
MT: De una colección personal, privada, su padre quiso ofrecer al público su colección, una obra realmente altruista.
MB: Exacto y realmente innovadora, porque él fue que creó el primer museo privado de la República Dominicana de pintura, de arte, y realmente eso es algo muy importante en un tiempo donde aún no existía ese concepto de mecenazgo ni responsabilidad social, sino que él lo hizo porque lo sentía así y por su pasión con el arte dominicano. En realidad, así como dijo el director del Museo de Arte Reina Sofía de Arte, de España, que estuvo por aquí recientemente, él nos comentó eso, que verdaderamente aquí se pueden ver las diferentes etapas y la evolución de la pintura dominicana desde los años 1800 hasta nuestra época. Él dijo: “Me debieron haber traído primero aquí antes de los otros lugares, porque realmente aquí pude sentir la historia y cómo fue evolucionando”.
MT: Sí, y hay tres factores importantes que influyen: la colección en sí, las maravillosas obras que la componen y la visión que han tenido personas que han dirigido el museo. Estas han sido de muchísimo nivel: tenían alta competencia en cuanto a las obras, y sentían un gran respeto por su padre. A veces, se tiene a directores que hacen un poco lo que les da la gana o tienen un punto de vista personal, mientras que en el Museo Bellapart siempre hubo esa reverencia y esa consideración para con su padre.
MB:Realmente nuestra actual directora del Museo Bellapart, que es Myrna Guerrero, es una excelente directora. Ella vive todo lo que hace con pasión, y eso es lo más importante.
El primer sábado de cada mes, se hacen las tertulias sabatinas. La última fue la de Jaime Colson, en el Centro Cultural Banreservas. En esos primeros sábados de cada mes, lo que me gusta es ver a todos los universitarios aquí, en nuestro museo, la gente joven queriendo aprender de los diferentes artistas….
En ese sentido, hemos tenido diferentes artistas, todos excelentes, dando charlas impresionantes. Y eso es parte también de que no se limite a los que conocemos, sino que vengan otras personas, o que estas obras salgan, como es el caso del cuadro de Jaime Colson, titulado “El Merengue”, que está viajando desde hace dos años. Ahora mismo está en Los Ángeles, pero ha estado en Houston, en Brasil, en el Museo del Barrio en Nueva York. Soy fiel creyente de que a las obras debemos permitirles salir de nuestro país, para que la gente sepa que nosotros tenemos también muy buenos artistas.
MT: Ustedes están en lo correcto y haciendo algo sobresaliente, porque, por ejemplo, en el público de estas tertulias, aparte de que hay intelectuales, artistas importantes y críticos de arte, también vienen personas fuera de estos círculos, y con la familia. Y debe ser así, porque el museo no es solamente para los entendidos, sino para todos los que quieren aprender y compartir.
MB:De hecho, por eso, en conmemoración de la muerte de mi padre, que murió hace dos años, estamos iniciando el Premio de Juan José Bellapart, para promover a artistas dominicanos, o artistas extranjeros que, con más de cinco años en el país, puedan concursar en este premio… que se piensa hacer bienal (cada dos años). ¡No vamos a competir con la bienal del Museo de Arte Moderno, ni tampoco con el Centro León! Realmente, nos estamos yendo más por las obras bidimensionales y tridimensionales, puede ser pintura, óleo, escultura, o sea, cualquier tipo de arte, pero no pensamos en instalaciones, precisamente porque no queremos competir con el Centro León, sino hacer algo diferente. Lo que queremos es que los artistas criollos se motiven y que haya más movimiento en todo el sector artístico.
MT: Y fíjese cuan importante es el sector privado. El Centro León y el Museo Bellapart son referentes para conocer el arte dominicano y el arte en general…
MB: Yo me siento halagada de que usted lo diga, una crítica de arte dominicano como es usted; que nos lo diga a nosotros, me siento realmente halagada. ¡Muchas gracias!
MT: Yo lo hago con toda sinceridad. A veces ciertas cosas no se deben decir porque hay que tener mucho cuidado de no ofender a una institución y, sobre todo, a los artistas, pero los elogios, creo que uno no los debe detener. ¡Para mí, cada vez que puedo escribir sobre el Museo Bellapart, es una felicidad!
En las fotografías, la condecoración y medalla otorgada por el rey Felipe VI de España a don Juan José Bellapart. El retrato de su esposa, Milagros Álvarez de Bellapart, por el artista Dustin Muñoz y momentos durante la entrevista a Maribel Bellapart por Marianne de Tolentino, donde también les acompaña Myrna Guerrero, directora del Museo Bellapart.
MB: ¡Muchas gracias! Durante la pandemia, lo que hicimos nosotros fue crear una sala de escultura nueva, siendo la primera sala solamente dedicada a escultura en República Dominicana. Somos los pioneros en crear el primer museo de arte privado en dominicana, y ahora somos los primeros en crear la primera sala solamente de escultura dedicada al arte dominicano en República Dominicana. Queremos seguir el legado que mi padre Juan José Bellapart comenzó, y yo sé que mi padre y mi madre estarían muy contentos.
“él fue quien creó el primer museo privado de la República Dominicana, de pintura, de arte, y lo hizo porque lo sentía así, por su pasión por el arte dominicano y por su deseo de compartirlo con todos”
MT: Yo sé que ambos se sentirían felices, y, como yo le estaba diciendo, lo que realmente nos tranquiliza y nos alegra a los que creemos en el Museo Bellapart, es ver que don Juan José se ha ido, pero sus hijas están ahí, con un legado que sigue vivo.
La última manifestación pública fuera del recinto del Museo Bellapart es la exposición de Colson, lo que llamo “el Colson caribeño”, en el sentido del Colson antillano. Realmente es algo que le ha encantado a todos los que lo vieron y también es importante para la imagen de Colson, porque realmente fue un gran pintor internacional, dominicano. Él compartió su obra con Europa, con América Latina.
Todo el mundo hablaba, elogiaba el Colson que llamaban “neohumanista”, lo acercaban al cubismo francés y él hizo sus primeros cuadros cubistas en 1927, cuando ya el cubismo había declinado.
Pero en lo que llamamos “neohumanismo”, a Colson le encantaba el cuerpo, y sobre todo los cuerpos masculinos. Hoy en día, eso parece absolutamente normal, pero en ese tiempo era algo chocante. Decir que “esos cuadros lo que transmiten es la pasión”, era una opinión demasiado atrevida…
MB: Jaime Colson estuvo casado con una japonesa; pero no tuvieron hijos.
MT:No creo que tuviera importancia, porque ella lo adoraba, lo cuidaba como si fuera un hijo al que había que proteger y curar de sus excesos. Cuando él murió, ella desapareció, después nadie supo de ella…
MB:Jaime Colson estuvo en París, en Madrid… estuvo viajando muchos años, algo increíble. Era dominicano nacido en Puerto Plata; que de Puerto Plata ir a París en ese momento y estar casado con una japonesa, era algo que rompía paradigmas. Él fue bien diferente.
MT: Sí, y no solamente ir a París, a Europa, sino que allá logró exponer, participar en exposiciones importantes. ¡Si no hubiera sido por el Museo Bellapart, después que desapareciese Colson, no hubiese existido!
MB: Increíblemente, antes de morir mi padre, pasó que de una subasta de París nos llamaron porque iban a tener una subasta de cuadros de Jaime Colson, y yo recuerdo que mi padre me dijo: “Vete a París y compra todos los Colson”. Y no pudimos irnos, pero subastamos, eran como ocho cuadros de los que solo pudimos comprar uno. Mi padre estaba feliz de haber adquirido un cuadro de los que estaban en París y que volviera a República Dominicana; para él, eso era una gran emoción. Él hubiera querido comprarlos todos, pero los cuadros subieron mucho de precio.
MT: Y ahora estamos contemplando otro fenómeno: Iván Tovar. Esto va a tener una influencia increíble en todo el arte dominicano, porque hubo un cuadro que se subastó en 530,000 euros, equivale aproximadamente en 600,000 dólares… ¡es increíble!
MB:Y lo más importante de todo esto es cómo nuestro país está produciendo y presentando la exposición inmersiva de Iván Tovar, cómo la familia Rizek y la Fundación Iván Tovar han ayudado y aportado a la cultura de nuestro país. ¡Esto realmente repercute no solamente nacionalmente, sino internacionalmente!
“DESDE el Voluntariado del Museo de Arte Moderno, donde somos parte de la directiva, y de Apec cultural, también estamos genuinamente tratando de ayudar, por el Arte Dominicano, por nuestra cultura, por el legado que atesoramos, por nuestro país”.
MT: Tenemos que reconocer que el sector privado está proyectando el arte dominicano. Nacionalmente, lo que está pasando con Tovar y una asistencia de más de 50,000 personas, es algo insólito.
MB:Precisamente, el presidente Luis Abinader nos nombró en el Voluntariado del Museo de Arte Moderno, donde somos parte de la directiva y de APEC Cultural. Desde ahí también, creo que poco a poco podemos hacer algo. Y que sea público-privado, la realidad es que estamos genuinamente tratando de ayudar, por el arte dominicano, por nuestra cultura, por el legado que atesoramos, por nuestro país.
CONFESIONESÍNTIMAS
Una pintura: “La modelo en el taller”, de Abelardo Rodríguez Urdaneta.
Una escultura: “Mujer pensante”, de Ángel Botello Barros.
Un artista: Jaime Colson.
Un lugar: La playa.
Un país: República Dominicana.
Una época: La actual.
Un color: Amarillo.
Un libro: La Biblia.
Una exposición: “Colson desconocido. Reencuentro con el Caribe”, en el Centro Cultural Banreservas.
Una expresión artística: Esculturas.
Una frase: “Cada día es un día de bendición y esperanza de nuestro Creador”.
Su padre en una frase o palabra: Era un adelantado a su época y un apasionado.
El recuerdo más preciado que tiene con él: Son muchos, el enseñarme la labor de ser una persona sencilla, cariñosa, quizás es uno de los principales. A él le gustaba mucho la pesca y a mí me gustaba acompañarlo siempre a donde quiera que él fuera. O sea que realmente para mí cada día que pasaba siempre nos enseñaba algo, no solamente en su vida personal, sino también en los negocios.
¿Cómo recuerdas tú las tareas de “recorta y pega” que todos hicimos cuando niños? ¡Vívidamente! Siempre hacía manualidades con papel de colores y creaba flores en 3D, little did I know cuanto me iba a servir…
Entonces, tu fascinación por el arte, ¿siempre ha estado ahí? Sí y siempre he pensado que es hereditario. Crecí en una familia llena no solo de mujeres extremadamente creativas, pero también de hombres con dones artísticos, así que crear, hacer arte de cualquier manera o forma, es algo muy natural para mí.
¿Por qué “Collages” y por qué la moda? En mi caso, la moda vino primero que los collages. Me encanta el arte y la moda lo es. De hecho, es el arte que más me mueve y apasiona. Yo sabía desde muy bebé que era la industria para mí y dónde podía ser más yo. Crear collages empezó como un hobby y una escapatoria en la que logré unir e incorporar la moda.
¿Cómo surge Entangled, tu firma de “collages” de moda? De lanzarme y confiar en mis instintos a la primera. Después de hacer collages para amigos cercanos, abrí la página sin ponerle mucho pensamiento. Afortunadamente, tengo un support system increíble y siempre me sentí segura. Empecé a hacer arte a influencers que amo, como Atenas, y gracias a eso empecé a colaborar con marcas latinoamericanas.
¿De dónde viene el nombre? Estaba buscando un nombre que reflejara realmente lo que son mis collages y me di cuenta que son todo un lindo “enredo”. Pensé que “Entangled”, como se dice en inglés, se escuchaba re cool. Ahora me conocen por la niña de “Entangled” y me encanta.
¿Cuáles técnicas implementas para crear un “collage”?Al momento, hago todo meramente digital y trato de incorporar diferentes estilos de collage y arte, como el surrealismo, pop arte, entre otros.
¿El primer paso de tu proceso creativo? Escoger un material, que vendrían siendo las fotos a utilizar, y decidirme por una vibra o una temática.
¿Qué estudiaste? Al contrario de lo que muchos creen, no estudio ni estudié Diseño Gráfico o Artes. Estoy en mi último año de Negocios y, on the side, Fashion Merchandising.
¿Cómo es un día a día en la vida, y en la mente, de una artista como tú? Una se la goza. Mis amigos cercanos me escuchan al menos una vez a la semana diciéndoles que amo mi vida de artista y que amo vivir del arte. Consta un montón de tener todo en lista y organizado, desde meetings, orders,collabs o content creation, hasta tus actividades del día.
Recientemente vimos unos “collages” bellísimos que hiciste a LÍa Pellerano y a Atenas con Cartier. ¿Para cuáles marcas de moda y lujo trabajas o te gustaría trabajar? He colaborado con varias marcas latinoamericanas, pero sin duda alguna que amaría poder crear arte directo para Chanel.
¿Planes en carpeta? Este summer sale por fin mi primer curso sobre cómo comenzar tu creative blog y monetizarlo. Es algo que me llena de ilusión y que he estado preparando por mucho tiempo. Estará available este julio, así que stay tuned.
Nombre completo: Marlen Selenia Acosta Gómez.
Lugar de nacimiento: La Ceiba Atlántida, Honduras.
Un artista: Amo a Arvida Byström.
Una musa: Twiggy.
Un día: Amo el feeling de los domingos.
Un color: Verde.
Una canción: A Bailar de Floricienta
Lo último que estabas haciendo antes de esta entrevista: ¡Viendo
The summer I turned Pretty en Amazon para hacer un collage!
El arte en una palabra: Genuino.
Collage favorito: Los Wedding Entangled me roban el corazón siempre.
EDITORIAL.
Mi abuelo, dentro de sus tantas aficiones, pintaba cuadros impresionantes. Sin embargo, para mi niña (y adulta) interior, el más grandioso de todos siempre será el paisaje de una pareja de osos que pintó sobre las puertas de mi clóset.
Recuerdo dedicar un tiempo importante de mis tardes y noches a inventar nombres e historias fantásticas alrededor de este conjunto perfecto de pinceladas y amor. Estos personajes, que lógicamente nunca se movieron, salían todos los días a una aventura distinta en mi imaginación.
Y cuando mis primas “nos” visitaban, se sumaban capítulos extensos de misiones, destinos, magia y creatividad. Tantos, que decidí conservar esas puertas, para que futuras generaciones agreguen sus propias páginas. Y para unirme, cada vez que lo necesite. El arte es un estímulo vital para los niños; para mí, el motor de adultos excepcionales.
Como las tareas de “recorta y pega”, que forman parte del curriculum escolar cuando somos pequeños. Uno de nuestros primeros acercamientos a la precisión, a ser selectivos, a extraer de cada escenario lo que más llame nuestra atención y con eso, crear y proponer algo propio.
Es, en esencia, el punto de partida del “collage”, la técnica pictórica que consiste en componer una obra plástica uniendo imágenes, fragmentos, objetos y materiales de procedencias diversas, como lo define la RAE. O una representación “enredada” de varios elementos que te hacen sentir algo, como lo define Mar, artista de “collages” de moda y nuestra invitada especial de esta edición.
Fotos Luis Nova Asistente de fotografía Alex Jiménez Estilismo Mariela PeñaBarrios Vestuario Harmont & Blaine y closet personal Agradecimientos Jardín Botánico Nacional Dr. Rafael María Moscoso
La Madre Tierra ha acogido en sus entrañas a un hijo que ha destinado su misión de vida en apoyar causas ecológicas, a través de su ingenio artístico que se plasma con su lente fotográfico, al mostrar las dos caras de la naturaleza: una que pone de manifiesto su belleza y la otra que lamentablemente denota su inminente peligro.
“Tengo la necesidad de aportar pequeñas acciones de conservación”.
La tarde de aquel viernes prometía un espectáculo visual sin igual, al sumergirnos en lo más recóndito del Jardín Botánico Nacional para, desde allí, contemplar la majestuosidad de los parajes naturales que allí se encuentran. Justamente íbamos a ser testigos de cómo un alma noble dejaba a entrever su más grande pasión: el preservar y conservar las especies de fauna y flora que conforman nuestro patrimonio natural. La cámara fotográfica de Eladio Fernández ha sido su fiel compañera durante su trayectoria profesional que se ha caracterizado por devolverle el esplendor a la Madre Tierra. Su impactante obra ha quedado plasmada en El Naturalista Isleño, documental que muestra su encomiable labor a favor de la biodiversidad, en busca de crear conciencia en cada uno de nosotros para que protejamos nuestra casa: el planeta Tierra.
CONSERVACIONISTA.
RITMO SOCIAL: Evoquemos su experiencia en el último destino natural en el que estuvo realizando fotografías, ¿cómo fue lo vivido allí?
ELADIO FERNÁNDEZ:Recientemente estuve en la sierra de Bahoruco trabajando en la segunda parte de El Naturalista Isleño, esta vez la historia era sobre una investigación que estamos haciendo sobre las orquídeas y sus polinizadores, en conjunto con James Ackerman, uno de los principales expertos en las orquídeas del Caribe. Los polinizadores de estas plantas son polillas nocturnas, y poder documentarlos implicó estar en unos bosques de árboles muy altos en la noche. Los olores, la humedad, el frío y el cielo lleno de estrellas te exponen a una experiencia totalmente diferente en la naturaleza. ¡Fue mágico!
RS: ¿Qué es lo que más le apasiona de estar constantemente inmerso entre la magnificencia de la Madre Tierra?
EF:Daría la impresión que siempre estoy inmerso en la naturaleza porque son las historias que comparto, pero en realidad paso mucho tiempo –más del que quisiera– en Santo Domingo por trabajo y familia. Aun así, mi tiempo en la naturaleza es el que más disfruto. Las horas parecen minutos, mi mente se enfoca en lograr metas, me siento seguro, cómodo y productivo. Es un constante descubrir que no acaba.
RS: La gente suele ver la belleza natural plasmada en sus fotos, sin tener en cuenta el peligro que viven muchas de esas especies. ¿Cómo hace para rescatar lo que no se percibe a simple vista?
EF:La naturaleza es una moneda con dos caras. Todos los fotógrafos empezamos enfocados en mostrar la belleza de la naturaleza. Es lo que nos atrapa de entrada. Con el tiempo nos percatamos de que esa belleza está bajo amenaza, pero nunca consideramos que esa parte también es fotografiable. Toma hacer un cambio en nuestra programación para también fotografiar aquello que destruye la naturaleza. Una vez lo haces, descubres que hay una historia que se repite de diferentes formas: el hombre contra la naturaleza. Mostrar la historia completa, y no solo la belleza, tiene más valor porque sensibiliza y llama a accionar para proteger. Una foto linda de la naturaleza lo único que comunica es que no pasa nada malo en el mundo y esta no es la realidad.
RS: Desde su convicción, ¿cuáles aportes considera usted que ha realizado a favor del patrimonio natural del país?
EF:He tratado de darle una cara a nuestro patrimonio natural y a los problemas que lo afectan. No conforme con tan solo usar una cámara para documentar, me he visto en la necesidad de involucrarme también para aportar pequeñas acciones de conservación. Nunca es suficiente, ya que la velocidad de deterioro de nuestros recursos naturales es mayor que la velocidad de recuperación.
“Toma hacer un cambio en nuestra programación para también fotografiar aquello que destruye la naturaleza. Una vez lo haces, descubres que hay una historia que se repite de diferentes formas: el hombre contra la naturaleza. Mostrar la historia completa, y no solo la belleza, tiene más valor porque sensibiliza y llama a accionar para proteger”.
RS: En noviembre del 2021, se estrenó el documental El Naturalista Isleño que hace una oda a su trabajo como fotógrafo conservacionista. ¿Cuál es el llamado que se hace en esta producción?
EF:Nos tomó cuatro años filmar El Naturalista Isleño, pero logramos cubrir cuatro historias que muestran un lado desconocido para muchos de la naturaleza insular y de mi trabajo también. La gente siempre pregunta: “¿A qué te dedicas?”. La respuesta nunca es sencilla ni corta (risas). Creo que al final del documental mi trabajo se entiende mucho mejor. Lo importante es que cada una de las historias cierra con un mensaje positivo y eso es algo que necesitamos mucho hoy en día.
RS: Háblenos un poco de su experiencia de trabajar con tantos profesionales y ¿cómo fue el proceso de producción de este filme?
EF:Tener una ley de cine en nuestro país hizo posible que pudiésemos realizar esta producción. La idea surgió de mis amigos Jake Kheel y Freddy Arturo Ginebra, quienes terminaron como productor ejecutivo y codirector respectivamente. Salimos juntos una vez con Rosanna Rivera precisamente a hacer unas fotos para Ritmo Social y durante ese viaje ellos se dieron cuenta que yo le caía atrás a todos los animalitos que nos pasaban por el lado con mi cámara. Ahí nació la idea de hacer una serie documental sobre mi trabajo como fotógrafo de conservación.
También, tuve el honor de trabajar con Sebastián Cabrera, Andrés Miolán y Sofía Torres Prida, quienes estuvieron detrás de las cámaras como directores de fotografía. Andrés se rompió un ligamento de la rodilla durante el rodaje, así que él se ha entregado en cuerpo y alma al proyecto. Stephanie Briones fue asistente de dirección, Israel Cárdenas y Pablo Chea (de Aurora Studio) estuvieron a cargo de la postproducción. Todo el mundo apoyó este proyecto con mucho amor porque consideraron que era un trabajo importante. Dedicaron un sinfín de horas sin quejas, por lo cual les estoy sumamente agradecido.
RS: En ese mismo tenor, ya sabemos que estarán trabajando en la parte 2 de El Naturalista Isleño. ¿Qué veremos en él?
EF:Efectivamente, ya estamos trabajando en El Naturalista Isleño 2, que supongo tendrá otro título. Esta vez tenemos cuatro historias nuevas y mucho más potentes que las anteriores. Sin adelantar mucho, una de ellas tiene que ver con el proyecto de rescate de los flamencos de los hoteles y otra con tiburones. Estamos presentando a la Dirección General de Cine (DGCINE) un presupuesto ampliado que nos permitiría trabajar en esta vuelta con mayor apoyo técnico y un equipo de personas más grande.
“En el pasado hemos tenido gestiones ambientales que no han hecho un buen desempeño y que se caracterizaban por descuidar la atención al tráfico de especies, como son las iguanas, pericos, cotorras, cuervos y flamencos”.
RS: ¿Qué atractivos naturales se destacan en la Reserva Científica Ébano Verde y cuáles especies ha fotografiado en ese paraje?
EF:Uno de los principales atractivos de la Reserva Científica de Ébano Verde es la gran población de “Magnolia pallescens” que esta tiene. Aunque se le conoce por el nombre común de ébano verde, en realidad, estos árboles son magnolias y nuestra isla cuenta con cinco especies endémicas y en peligro crítico. Una de las historias de “El Naturalista Isleño” tiene que ver con el trabajo que viene realizando la Fundación Progressio en pos del rescate de las magnolias de nuestra isla. Este era el sueño de su antiguo presidente, don Enrique Armenteros Rius, y he tenido la oportunidad de ayudar a cumplir su sueño gestionando la búsqueda y la conservación de estos árboles de flores tan carismáticas y fragrantes en Haití.
RS: Cuéntenos un poco sobre la historia del Refugio de Vida Silvestre la Furnia de Gurabo y qué especies de fauna y flora se encuentran allí.
EF:Es una historia larga que empieza con don Fernando León. La Furnia de Gurabo es básicamente un cañón por donde pasa el río Gurabo, rodeado de bosque seco entre Mao y Monción. Era un lugar muy especial donde iban los cazadores de paloma, por la alta concentración de estos animales, durante los meses de reproducción. Estas palomas van en grandes cantidades a suplir su alimentación del calcio de las paredes del cañón. Al lugar de este fenómeno se le llama un “lamedero”.
Con el paso de los años, don Fernando, quien era cazador asiduo de ese lugar, se percató de cómo los números de palomas se habían reducido dramáticamente y abogó por la conservación de ese lugar. Logró que el exministro de Medio Ambiente de aquella época, Jaime David Fernández Mirabal, designara el área como Refugio de Vida Silvestre y consecuentemente se prohibió la caza en ese lugar. Poner un alto a la caza en la Furnia de Gurabo ha representado un drástico incremento en el número de palomas moradas que frecuentan la zona cada día durante los meses de mayo a julio. Don Fernando donó los terrenos donde hoy hay una caseta de parques y un puesto militar. Dejó a sus hijos a cargo de dar seguimiento a su legado de protección, al igual que unos guardaparques independientes, que, hasta el día de hoy, sigue pagando la familia León Herbert.
La historia no termina ahí. Resulta que años más tarde la Furnia de Gurabo se ha convertido en un paraíso para los fotógrafos de aves, quienes, tras varios viajes exploratorios, han encontrado una inmensa población de raras aves nocturnas como lo son el pitanguá, el tórico y la bruja. En adición a esto, tras varias visitas con el personal del Jardín Botánico Nacional, hemos encontrado también una importante población de plantas amenazadas, reforzando todavía más la importancia de esta pequeña área protegida.
RS: ¿De qué manera ha aunado esfuerzos para lograr sacar a los flamencos de los complejos hoteleros que se exhiben a los turistas?
EF: Es un proyecto de mecánica compleja que está por arrancar gracias a la participación del Viceministerio de Áreas Protegidas y Biodiversidad y Grupo Acción Ecológica. El problema no solo es resolver los flamencos en los hoteles, sino más bien, cómo parar efectivamente la captura en zonas como Montecristi y Oviedo. Hay que tener solución para todos los aspectos de esta problemática y no tan solo para un lado de esta.
“La velocidad de deterioro de nuestros recursos naturales es mayor que la velocidad de recuperación”.
RS: ¿Cómo califica usted el hecho de la venta ilegal de especies en peligro de extinción y de que grupos turísticos utilicen especies de fauna para su beneficio?
EF:En el pasado hemos tenido gestiones ambientales que no han hecho un buen desempeño y que se caracterizaban por descuidar la atención al tráfico de especies, como son las iguanas, pericos, cotorras, cuervos y flamencos. Si no es por la presión de los ambientalistas, lo que se hacía para enfrentar esa situación era poco. En esta ocasión, contamos con un Ministerio de Ambiente doliente y que quiere resolver problemas a pesar del poco presupuesto que maneja. ¡Eso ayuda un montón!
RS: Como asesor ambiental de la Fundación Propagas, cuéntenos, ¿de qué trata el proyecto de revisión de palmas?
EF:La Fundación Propagas es de las pocas instituciones que invierte en la investigación científica, algo que necesita mucho apoyo en nuestro país. Uno de esos tantos proyectos es el de la revisión de las palmas de la Española que ejecutamos en conjunto con el Jardín Botánico Nacional, la Universidad de Gutenberg (Suecia) y el Jardín Botánico de Nueva York. Desde ya les anticipo que hay un número interesante de palmas nuevas que estaban a la vista de todos. Identificarlas es sumamente importante porque muchas tienen poblaciones muy reducidas que ameritan protección.
RS: Tenemos entendido que tiene un proyecto para reforestar bosques en Haití, ya que una marca de modas internacional le está comprando la base para sus perfumes. Háblenos acerca de esa campaña.
EF: Desde hace años apoyo con mi trabajo a Haiti National Trust y Societé Audubon d’Haiti, dos instituciones presididas por mi amigo Philippe Bayard en Haití. Una de ellas lleva un proyecto que busca rescatar ocho fragmentos de bosque primario en montañas. Hemos tenido un éxito increíble con uno de ellos, Grand Bois, que sale en nuestro documental. La compañía de moda y perfumes Yves Saint Laurent se ha interesado en apoyar la restauración de bosques y piensa hacer una donación enorme a Haiti National Trust. Ellos compran todo el vetiver de sus perfumes a Haití y quieren retribuir de alguna forma. Mucha gente no sabe esto, pero Haití es el segundo productor de vetiver del mundo. Para esos fines, Yves Saint Laurent me ha comprado el uso de una serie de fotos para la campaña y vamos a trabajar en un fotorreportaje pronto. Mantengan la sintonía…
RS: Recientemente, estuvo en Valle Nuevo y fotografió un bosque de pino criollo que precisamente se encuentra en peligro de extinción, ¿qué tan crítico para la biodiversidad nacional es esta amenaza?
EF:Los bosques de pinos en altas montañas han sido abatidos histórica y recientemente por fuegos, algunos naturales y otros a manos del hombre. La incapacidad de enfrentar estos incendios con recursos y de manera rápida provoca que perdamos un montón de bosque de esta especie endémica y amenazada. Y no es solo el pino que perdemos. Hay un ave endémica, el pico cruzado, que ha evolucionado solamente para alimentarse de las semillas del pino. Si desaparecen grandes extensiones de pinos adultos, estas aves no tienen qué comer y se ven afectadas. Todo está entrelazado.
“Mi cámara fue la clave para el proyecto “Aristolochia”, ya que las fotos de las flores vivas nos permitieron percatarnos de que había toda una serie de estas que no habían sido descritas para la ciencia”.
RS: Como vicepresidente del Voluntariado del Jardín Botánico, ¿qué pilares fundamentan su gestión en esta institución?
EF:El Voluntariado del Jardín Botánico Nacional es una nueva institución creada para brindar apoyo y soporte desde el sector privado. Lo preside mi amiga Francina Lama de Barletta, quien ha estado involucrada con el Jardín desde hace años a través de su mariposario. Tenemos un buen equipo y hasta ahora hemos apoyado mediante un levantamiento de todas las infraestructuras de esa institución, la gestión de eventos y actividades culturales, y próximamente estaremos ayudando a realizar la ampliación del herbario nacional, el cual es uno de los más importantes de la región. La cantidad de cosas por hacer allí es abrumadora y necesitamos el apoyo económico de todos, y todas las empresas que quieran colaborar.
RS: Sabemos que su repertorio bibliográfico consta de nueve libros de su autoría y uno de su coautoría. ¿Tiene pensado volver a escribir otro más?
EF:Todavía me quedan unos cuantos libros pendientes, aunque estos quizás sean en formato digital. Tenemos uno pendiente con todas las nuevas “Aristolochia” que hemos estado describiendo últimamente.
RS: Ha encabezado importantes proyectos en medio ambiente, ¿cuál entiende que ha sido el más desafiante y, a la vez, más satisfactorio para usted?
EF:Mi proyecto más desafiante ha sido el de las “Aristolochia”, un grupo de plantas trepadoras con flores eróticas. Gracias al apoyo de la Fundación Propagas, realizamos un estudio y revisión de las “Aristolochia” de La Española junto a colegas de la Universidad de Harvard. Mi cámara fue la clave para este proyecto, ya que las fotos de las flores vivas nos permitieron percatarnos de que había toda una serie de “Aristolochia” que no habían sido descritas para la ciencia. Al no ser botánico, pues recopilar toda la data para describir las mismas ha sido una tarea titánica. Escribir las descripciones todavía más.
RS: ¿A través de los años, quiénes han apoyado su trabajo?
EF:Esto es sumamente importante para mí. Imagínense las ideas que propongo que suenan como locuras, pero que de alguna forma encuentran apoyo económico y se las logro llevar a cabo. Cosas tales como hacer un libro de la naturaleza de Jamaica o de Cuba, expediciones para salvar una magnolia en Haití, un estudio de las “Aristolochia” de La Española sin ser botánico, un documental sin ser cineasta, etc. Gracias a Dios que cuento con instituciones, tales como: la Asociación Popular de Ahorros y Préstamos, el Grupo SID, Implementos y Maquinarias, Fundación Propagas, Bonanza Dominicana/Mitsubishi, y un sinnúmero de amigos y amigas que, por alguna razón, confían en que estas locuras (muy bien calculadas), contribuyen al bien común, a la naturaleza y a la conservación. Sin ellos no tendría el cuerpo de trabajo y proyectos logrados que hasta ahora vengo realizando.
RS: ¿Entiende usted que la República Dominicana está despertando en materia medioambiental?
EF:La República Dominicana tiene un movimiento ambiental fuerte, que se hace sentir ante cualquier amenaza. Aun así, tenemos que tener en cuenta que somos una isla, la mayor poblada (22 millones de personas entre Haití y República Dominicana) de las Antillas Mayores y eso pone presión sobre los recursos naturales. Cada vez son más frecuentes los conflictos por uso de suelos, secuestro de agua en altas elevaciones, robo de terrenos dentro de áreas protegidas, tumbas de bosque, extracción de materiales de construcción, agricultura y ganadería en altas montañas en detrimento de bosques donde se generan las aguas. A pesar de los avances en materia ambiental, todavía estamos reforestando con plantas introducidas e ignorando la protección de cuencas de ríos y presas. El aguacate se ha convertido en una plaga contra los bosques naturales y las variedades de café que se están sembrando requieren de pleno sol, ambos casos ya están pasando una gran factura en función de la producción de agua en nuestro país y nadie se atreve a ponerle la mano a esos temas. De igual forma, llegó el momento de revisar todos los viveros y planes de reforestación del país. Muchos de estos siguen cultivando plantas introducidas por encima de nuestras nativas maderables.
Su visión cosmopolita es evidente. También el poder de las mezclas. Japón y México se entremezclan en sus diseños, como lo hacen en su sangre, construyendo un camino de orgullo y herencia cultural que ha marcado desde siempre sus ideas y su trayectoria. Aunque de inclinarse un poco la balanza, esta firma lo haría por la mexicana, por ese gran compromiso de impulsar sus tradiciones y el serio trabajo artesanal que se hace en ese país.
Es así como el kimono y los textiles mexicanos se convierten en prendas clave de su imaginario, con una intención muy enfatizada en que pasen de ser un “souvenir” a una inspiración diaria del bagaje cultural de cualquier país o región del mundo. Si hablamos de destinos, para Armando, ese es Oaxaca, su ciudad de inspiración.
Allí ha encontrado manos apasionadas con los tejidos y artesanías que dan vida a sus colecciones y que a la vez él apoya para hacer que sus vidas mejoren. Dentro de ellas, también destacan los huicholes o wixáricas, otra población indígena mexicana en la que ha encontrado musa.
Es importante señalar que en su formación estuvo muy presente la moda para caballero, es por esto que en sus colecciones femeninas se ve reflejado el confort, la comodidad y la versatilidad de género de las prendas. Y también el motivo por el que la mujer que viste sus diseños tiende a ser andrógina sin dejar a un lado lo elegante, sofisticada y sencilla. Al final, se trata de una mujer que está en búsqueda de nuevas formas aerodinámicas y estructurales, esas que dicen mucho con muy poco, y, por supuesto, que disfrutan de esa exclusividad de lo hecho a mano.
Armando takeda
Meet the Creative Director
Él es mitad mexicano y mitad japonés. Aunque nació en México en 1982. Es un diseñador reconocido en su país natal por haber obtenido el premio de Vogue Who’s On Next en 2016, un reconocimiento a su talento que le llevó a ser conocido como el diseñador que impulsa el trabajo de calidad, la comodidad de sus prendas, el minimalismo y la versatilidad.
Es quien ha impulsado el trabajo artesanal de su país a través de sus diseños, misión que comparte con su novia, quien es también diseñadora, Yuki Hase. Es egresado de Central Saint Martins College of Arts and Design de Londres, trabajó para Alexander McQueen y Bruno Pieters, hasta que lanzó su marca en 2012 como una firma de lujo con enfoque social y ético.
Editorial.
Los saberes ancestrales de las comunidades mexicanas son puestos en valor a través de una mirada contemporánea y moderna en el trabajo de Armando Takeda.
También lo son los de la naturaleza y su necesidad de contribuir a que la moda sea una industria menos invasiva en términos de contaminación para el medio ambiente.
El primer gran paso ha sido la integración de la piel de Nopal a sus diseños, el “cuero” hecho a base del cactus del nopal que es parcialmente biodegradable y asegura gran rendimiento para producir una gran variedad de productos. En este caso, chaquetas y vestidos.
Esta piel “cruelty free” usa muy poca agua y es libre de químicos; es una alternativa muy innovadora y de mucha calidad, según explica.
La utilizó por primera vez en su propuesta de otoño-invierno del año pasado: la colección “México Lindo y Querido”, donde hace referencia al México antiguo y actual, con una combinación de estampados de paisajes con siluetas contemporáneas que logran ese punto medio perfecto del juego entre volúmenes y capas.
Sin embargo, esta no es la primera vez que muestra su pasión por la naturaleza, por su cuidado. Esta también fue el motor de su propuesta de verano, del mismo año, 2021, en “An Ode to Nature” donde homenajeó a la naturaleza con un filme protagonizado por tres de sus musas, Age Salajoe, curadora de arte, Ana Hop, fotógrafa y Melissa Ávila, artista.
Las conocí en un brunch, durante el Fashion Week en el país. Y hablo en plural porque Mariana siempre está acompañada de Antonella Vega y María Consuelo Sanín, su mamá y su abuela paterna.
Las tres muy distintas, pero con personalidades vibrantes y encantadoras; parecería haber acordado soñar juntas y luchar de la misma manera para hacerlos realidad en conjunto.
Aunque Mariana es la única diseñadora, las tres son grandes apasionadas de la moda; es muy evidente. Un ejemplo tangible es el colorido bolso artesanal que me mostraron emocionadas mientras conversábamos.
Es del programa que ha emprendido su mamá, en Colombia, donde reúne un grupo de mujeres artesanas, especialmente de las zonas costeras, para capacitarlas, enseñarles a organizarse y a crear proyectos que les permitan ser independientes y tener su propia fuente de ingresos.
Con materiales y técnicas diferentes traen a la realidad una misma cartera y esta va con abuela, madre e hija a todos los destinos que conquistan juntas. Aunque no nos confundamos, Mariana tiene su propia firma, Ordosgoitia, “el escenario donde todo fluye y cada detalle está en su lugar”. Lleva años trabajando arduamente en ella desde Barranquilla.
En cada diseño se aprecia su apuesta por lo statement, lo monocromático, lo elegante sin dejar a un lado la comodidad. Lo vimos sobre pasarelas y en “Memorias de Hoy”, su nueva colección de 10 looks que exploran arte, cultura, amor y raíces. Es el homenaje más bello a los cambios, a los nuevos comienzos. Como el que está a punto de experimentar en el altar junto a su prometido Julián Turizo…
“En realidad siempre quise estudiar algo relacionado con la moda. Hice un curso en Parsons NYC, para asegurarme de que era lo mío y terminé estudiando la carrera completa. Recuerdo que cuando empecé a diseñar, me sentía perdida, buscaba muchos referentes y los mezclaba para sacar una idea; un lindo trabajo, pero muy largo y tedioso.
Ahora me doy cuenta de lo fácil que es diseñar pensando en alguien, en un modelo a seguir, una persona, una actitud y esto ha sido el éxito de mi marca: ORDOSGOITIA. Eso sí es otro camino. Llevo un poco más de un año trabajando en ella y ha sido la mejor experiencia, la mejor acogida y el mejor sacrificio.
Soy fiel creyente de una vida sin límites, de soñar en grande y me muero por tener mi gran casa de moda algún día. Por el momento, voy construyendo diseños con una personalidad definida; me lanzo como creativa a cumplir los anhelos de cada cliente, cosiendo sobre medidas, sin dejar de reflejar un poco de mi estilo de vida, de mis pasiones, de mí, en cada diseño”.
1. Involucro a mi mamá y a mi abuela en TODO. Ellas lo son todo para mí.
2. Me encanta tomarme fotos, pero no esas sesiones que demoran horas, solo 10 minutos. Si salió, perfecto, si no, en otra ocasión.
3. Soy tímida, pero cuando tengo que hacer networking, soy la más sociable.
4. Tengo que admitirlo: me cuesta decir que no.
5. En todas mis colecciones me inspiro por la naturaleza, no por la apariencia de colores ni formas, sino por la sensación que generan los textiles al tocar la piel.
6. Soy de las que planea su día a día, una verdadera apasionada de la organización. De hecho, para mi boda, estoy tratando de planearlo todo yo, citas, todo. Quiero tenerlo todo en orden para ese día y soy mala confiando en la disposición y el tiempo de los demás para estos eventos.
7. No me gusta hablar por celular, solo WhatsApp.
8. Amo los perros, no me gustaban tanto hasta que tuve una y literal es mi hija. Se llama Milú.
9. Viajar es rico, pero conocer el mundo trabajando es la mejor sensación.
10. Uno extra, porque se vale. Siempre he tenido muy claro cómo quiero que sea mi vestido de novia y al principio pensé que podría hacerlo yo misma, pero no contaba con todo el estrés que traían los preparativos. Así que me dejé guiar por una diseñadora que admiro mucho que se llama Francesca Miranda, aquí en Barranquilla, Colombia y está quedando divino.
Estamos en la Patagonia Argentina para el lanzamiento de Volvo T8, el Upgrade que le ha hecho Volvo al motor híbrido de sus modelos XC60 y XC90 para que puedan recorrer mayores distancias sin necesidad de recargar las baterías. Parte de su compromiso con el objetivo de ser completamente eléctricos para el año 2030. Conversamos con el Head de Latin American Hub para Volvo, Luis Rezende, para conocer de primera mano algunas curiosidades.
¿Qué nos puede decir sobre el Volvo T8?
Es un auto híbrido eléctrico enchufable que tiene dos motores: uno de combustión y otro de batería y ahora con el beneficio de poder hacer un rango de 80 kms en batería. Los modelos XC60 y XC90, en los que está disponible, ganaron más de un 65% de potencia.
En términos de diseño, ¿quienes intervienen? Es decir, ¿Tienen equipo de diseñadores especializados por región?
No, diseño único global es solo Suecia. Solo puede cambiar si hay algún tema de adaptación para gasolina o si queremos una llanta u otra, temas más sencillos. Sí hacemos consultas muy específicas a tipos de clientes en mercados como Europa, China y Estados Unidos; para Latinoamérica no todavía, estamos muy contentos con lo que está llegando.
¿A que se debe que Volvo pueda percibirse en América Latina como un vehículo para mercado más femenino?
Nosotros vemos este movimiento un poco más fuerte dependiendo del vehículo y el uso. Por ejemplo, el XC40, es más consumido por mujeres y el XC90 por el tema de la familia y la seguridad. Entonces sí, tenemos esa parte muy desarrollada. El confort, la visibilidad, a las mujeres les encanta eso. Los hombres son un poco más movidos por el motor, por lo que entrega un vehículo, hay modelos que son 460 caballos con 70 de torque que es como un carro deportivo de verdad. Pero en general, tienes razón. Los números me parece que dicen que es mitad mitad actualmente, pero ciertamente la comunicación está yendo hacia este sentido.
La nueva versión del Volvo XC60 viene con la tecnología del «One Pedal Drive», ¿Cuales son los beneficios de acelerar y frenar con el mismo pedal?
Esta modalidad proporciona una experiencia de conducción más fluida y más intuitiva. Simplemente presionas para acelerar y despegas el pie para frenar. Con esta nueva tecnología el conductor utiliza solo el pedal del acelerador para acelerar y frenar el automóvil.
¿Cuándo llega el T8 a República Dominicana?
Muy pronto pero no tenemos fecha específica todavía.
Disfrute de esta entrevista completa muy pronto en nuestro impreso.
El cacao, las orquídeas, las hojas de plátano, y otras riquezas bellas que se encuentran en la región, terminaron siendo los estampados de las prendas que María Valencia ilustra en Juan de Dios.
Estamos hablando de una firma que presenta dos colecciones al año, Resort y Spring Summer, y con ellas hace siempre una reverencia a las mezclas y combinaciones, presentando faldas, tops, salidas de baño, bañadores…piezas totalmente reversibles. “Los diseños están pensados para que los usuarios puedan mezclar y combinar sin fin. Sus bufandas, por ejemplo, son un elemento básico de verano versátil que puedes atar como un top en una variedad de formas.
También se pueden usar como vestido o falda pareo”, expresa la diseñadora. La intención es fomentar el estilo, los gustos, la seguridad, poder y expresión personal pero siempre con elegancia, naturalidad y cierto grado de atrevimiento presente en todos sus diseños que ya son icónicos. La firma también se ha expandido a Home Accessories, aplicando sus estampados y fantasía en posavasos, cojines y servilletas de lino.
María Valencia, Nana
Meet The Designer
María Valencia o “NANA”, como le dicen los que la conocen, tras una larga trayectoria en el mundo administrativo, decidió arriesgarse y serle fiel a su pasión por la moda. Esto fue en 2017, cuando fundó Juan de Dios, una firma de trajes de baños que son outfits a la vez, después de años explorando esta playa de su país natal, sus paisajes y elementos. Hoy en día, la marca colombiana está presente en más de 16 países, y en los escaparates físicos y digitales de Intermix, Bergdorf Goodman, Bloomingdales, Shopbop, Intermix The Private Apple y OUNASS.
Editorial.
Un lugar en el planeta: Juan de Dios, esa playa colombiana de rincones mágicos donde el verano no es estación sino permanencia. Un estado: Sol, como representación de la luz, de esa intensidad con la que necesitamos vivir, vestir, expresarnos, ser. Ambos, tan liberadores, son puntos de partida para esta firma de prendas de baño, que lleva como nombre la primera. Las maravillas de la naturaleza de su país, y lo “tropical” que nos envuelve a todos, son emblema. Con un mensaje firme sobre cultura y diversidad, sobre valores y sostenibilidad, Juan de Dios está catalogada, por Vanity Fair, como una de las marcas más elegantes y mejor comprendidas de toda Latinoamérica. Por cada pieza, son cuatro artesanos, todas mujeres, cabeza de familia; que trabajan en los talleres de la firma, en la ciudad de Cali, al suroeste de Bogotá, para lograr esa estética que recuerda a los diseños de Alta Costura. Y hablando de recordar, lo más importante: el cambio. Que no solo se evidencia en lo refrescante y funcional de su propuesta, sino en lo que quieren lograr con sus decisiones, utilizando telas sostenibles hechas de Econyl, material que se produce a partir de residuos de las redes de nylon que se recuperan del océano y que posteriormente se transforman para generar una especie de “nylon nuevo”, que puede reciclarse, reconstruirse y moldearse nuevamente; en todos sus diseños.
Esta es una marca fundamentada en el amor por la artesanía. Las manos detrás de cada bolso, son muchas y de pueblos alejados y remotos de México. Actualmente trabajan con más de 20 artesanos en Oaxaca, Mérida, Campeche, Estado de México, Chiapas, Michoacán y Guerrero. Todos, con materiales naturales de origen local y técnicas de producción ancestrales que se remontan a los mayas, traen a la realidad diseños inspirados en colores, formas, tradiciones, todo lo que representa la cultura, historia y el verdadero espíritu mexicano, con el más sofisticado de los gustos y la más alegre y sibarita de las almas.
El atelier está en Oaxaca, y sus diseños han recorrido el mundo. Pero no colección tras colección, sino diseño tras diseño, cada tres o cuatro meses, permitiendo y celebrando la autenticidad de cada pieza, en un escaparate que exhibe desde sus icónicos bolsos de mano con borlas hasta la más reciente de sus propuestas: las canastas de picnic.
LUCÍA TORIBIO
Meet the Designer
Ella es mexicana, originaria de Oaxaca. Después de graduarse de la universidad como ingeniera industrial, empezó a trabajar en Oil & Gas, diseñando pozos petroleros en muchos países alrededor del mundo. Estos viajes y el conocer nuevas culturas, durante siete años, le hizo reflexionar sobre lo mucho que tienen en su país, y como expresa: “No pude resistir las ganas de mostrárselo al mundo”, en forma de moda. Tomó un año fuera de su trabajo en oficina (2016), y lo dedicó a una maestría en Administración y a su proyecto, LuciaMacarenä, uniendo su nombre con uno que para ella representa fuerza, color, ser mexicana. Esto lo tradujo primero a joyas y luego a bolsos, y estos últimos son los que hoy representan su firma.
Editorial.
Si abogamos por un recuerdo, se proyecta su mamá, creando sus propias joyas, transformando un collar en aretes, para siempre llevar algo diferente.
También el Istmo de Oaxaca, de donde son las famosas Tehuanas, con sus vestidos de espectaculares bordados, llenos de resplandor, el mismo al que rindió homenaje Lucía, llevando uno el día de su boda. Y esas joyas inmensas, como los ahogadores que llevan en el pecho.
El bordado de los huipiles y naguas con infinidad de colores y formas, los peinados con flores, esa alegría contagiosa, corre de forma muy pura en su sangre.
Por eso, la moda surge de manera tan natural para ella, a pesar de que la fusiona con tantas facetas: su otra profesión, su matrimonio, su familia. Y los menciono porque esa capacidad de ser –muy buena en todas– es algo para lo que trabaja cada día. Sin embargo, no es alguien a quién ser el centro, le agrade demasiado.
De ahí que su firma lleve un “apellido” distinto al suyo: Macarena, sin dejar a un lado que también le encanta y lo siente muy mexicano y de mucha fuerza.
Emprendió en 2016, y fue justamente con joyas, pero un año después, el terrible sismo de Oaxaca, provocó que los joyeros de la zona emigraran, y que otros cambiaran profesión al mundo de la construcción, por lo que decidió explorar con bolsos y, desde entonces, ese es su norte y la más extraordinaria de sus pasiones.
Si algo caracteriza a esta embajadora de LAFS es su búsqueda constante de tesoros latinoamericanos, como lo son en esta ocasión, LAFS 2022, Jusef Sánchez en lentejuelas, el “Flower Baby Cocktail” de Nelly Guinand, el look casual de las colombianas de A Modo Mio, el vestido rosa de Isla & White y Maylé Vásquez con su interpretación en rojo del “realismo mágico”.
Embajadora de LAFS y CEO de La Dorada, selló su participación en esta cuarta edición de la cumbre de la moda latinoamericana, enarbolando el diseño colombiano y venezolano con elegantes y espectaculares creaciones de algunos de sus diseñadores favoritos, Johanna Ortiz y Efraín Mogollón, quien también diseñó el vestido que lució la noche de cierre.
Optó por llevar puro diseño dominicano: Sora by Ana Carlo ^ Beatriz B. Thomén, Santo Sunday, María Calderón, Versa by Mariu Jones y Alvazar fueron las firmas de su elección.
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Estefania Lacayo
Entre tantos looks divinos, aquí algunos de nuestros favoritos: el espectacular suit rosa de Another Tomorrow, el impresionante top blanco de Alexa Maria Official con joyas de Wish Jewelry y el vestido de la noche de cierre, un exquisito diseño de Ángel Sánchez.
Foto: Sebastián Montañez
Foto: Juan Moore
Samantha Tams
Su anécdota de la noche disco y de cómo la diseñadora chilena, Daniela Bustamante Del Sante creó el top de la flor sobre ella para llevarlo esa noche, es impresionante. Al igual que el vestido de Leal Daccarett para una noche definida por el realismo mágico.
Foto: Tamara Bejar Warnholtz
Danielle Barkhausen
Editorial.
Desde el 2018 el Latin American Fashion Summit, la plataforma creada por las reconocidas emprendedoras, la nicaragüense Estefanía Lacayo y la mexicana Samantha Tams con la misión de elevar y enriquecer la industria de la moda latinoamericana y hacerla más relevante que nunca, es tema de conversación.
Comenzó siendo una conferencia anual que reunía a respetados expertos del rubro, siempre en un destino distinto, y hoy podría considerarse mucho más que eso.
Talleres, seminarios, concurso para emergentes, un App, el networking, y este año también, el primer Pop-up abierto al público de Miami, en el que 40 marcas de diseño latinoamericano tuvieron la oportunidad de darse a conocer y comercializar sus productos, dentro de ellas, la firma dominicana Ana + Maria; son solo algunas de las novedades que se han sumado a esta plataforma de lujo que este año recibió a 800 personas.
Miami Design District fue el gran escenario de esta cuarta edición, y sus calles y locaciones, la pasarela perfecta de estilo.
En especial, durante dos grandes noches: la cena de inauguración, en El Tucán, donde la etiqueta era «Disco Extravaganza», haciendo un llamado al brillo y la exuberancia y la ceremonia de cierre, en el histórico Alfred I. duPont Building, donde el tema fue el Realismo Mágico.
Las embajadoras de LAFS para el país y para Honduras: Lía Pellerano y Atenas Hernández, respectivamente, y Nicole Marie Betances, representante importante de la industria de la moda dominicana, modelan sus looks en estas páginas junto a Estefanía y Samantha, pero muchas más nos acompañan en esta edición digital.
fotos: Amy Roland, Estudio C6 y cortesía de la entrevistada
ilustración: Musa Arcaica
De tantos elementos culturales rezagados, ¿Por qué el macuto?
Me llamo mucho la atención su historia y diseño particular, que fuera confeccionado en palma de guano, un material orgánico autóctono. Es una pieza que se ajusta al concepto de mi marca por su autenticidad e identidad dominicana ademas de permitirme plasmar en ellos arte.
Imagino que cada macuto es tu canvas, sé que las obras de tu abuelo han sido musa de algunas de tus pinturas, pero en general, ¿En qué te inspiras para pintar cada vez? ¿Existe un hilo conductor entre todos ellos?
Si, de mi abuelo he realizado una colección en homenaje a sus famosos turbante de cuadros en diferentes colores. Y seguirán viendo la influencia de técnicas utilizadas por mi abuelo Antonio Prats-Ventós, pero no solamente me ha inspirado el, también mi papá Shum Prats, que con su conocimiento de los planos, color y perspectiva me han ayudado a trasladar mi idea al macuto pudiendo realizarlo en una pieza tridimensional.
¿Trabajas por series, colecciones, o cada macuto es independiente y libre?
Podría decir que las tres: series, colecciones y también personalizados que serian los independientes y libres.
¿Les pones nombres?
Si, dependiendo del arte realizado. Por ejemplo, la colección de los “Rostros” de estos voy lanzando cada cierto tiempo, o llamo a los naturales Wánu, que vienen en diferentes tonos y nombres individuales que les doy a cada uno.
¿Qué materiales intervienen en cada pieza?
Mis confecciones están realizadas en guano, que acompaño con lona, piel, incrustaciones, bordados y pintura.
¿Con qué lo combinarías? ¿Para qué momento son ideales?
Para cualquier momento en el que quieras lucir una pieza diferente y única. Puede llevarse con DEMIN, con vestidos o cualquier look que marque tendencia pues es arte y nunca pasa de moda.
Haces arte, pero, también, haces moda, ¿Cómo te has hecho espacio dentro de la industria y cómo es tu relación con la moda en sí?
Concebí el macuto desde un principio como una pieza de arte, el asunto de la moda se incorporo en el camino tratando de introducir una artesanía en desuso y subvaluada para hacerla lucir como un accesorio e incentivar al mercado a amar esta pieza tradicional tanto como lo hago yo por su arte e historia.
¿Qué es moda para ti?
Son gustos y preferencias basados en estilos y tendencias predominantes que se imponen. La moda esta sujeta a costumbres, culturas, entornos y gustos de quienes la consumimos.
Además de macutos, ¿incursionarías en algún otro accesorio que involucre arte y moda?
Tengo los higüeros, en los que estoy trabajando su rediseño. Las manos, que son esculturas pintadas realizada en cemento de uso decorativo y otras en desarrollo.
Dices que has llegado para hacer del macuto, una marca país. ¿Cual es el sello?
Su carácter emblemático y su tradición ancestral de origen taino.
Su autenticidad por ser un producto autóctono nuestro.
Único y distintivo al incorporarse un diseño pictórico que lo hace diferente a todo el resto.
¿Qué te ha enseñado el macuto a ti y qué le has enseñado tú a él?
El macuto me enseño a explorar técnicas nuevas, aprender sobre los diferentes materiales orgánicos que existen y como tratarlos, a relacionarme con todo un mundo artesanal, conectando con mis raíces dominicanas.
Yo a el le enseñe a lucir mas hermoso, duradero, practico, decorativo y lo convirtí en una pieza de arte urbano dominicano indispensable en nuestra artesanía.
¿Cuál es tu statement como artista?
Me defino como una artista – emprendedora que atreves de ideas innovadoras busco desarrollar proyectos nuevos en los que creo apasionadamente para la artesanía dominicana.
¿Qué rol juega el empoderamiento de la mujer en lo que haces?
Aparte de artista me considero una emprendedora que quiere lograr cambios y éxitos, estimulando a otras mujeres a creer en ellas mismas.
Este proyecto tiene un trasfondo de responsabilidad social, porque apoyas a grupos de artesanas tejedoras dominicanas y a la vez, luchas para conservar esta tradición de origen taíno, ¿Quién te introduce a ella y cómo es este primer encuentro con las artesanas dominicanas? ¿Cómo apoyas para que su vida se transforme, es esto un objetivo para ti?
Nuestro producto emblemático es el macuto dominicano, herencia cultural nuestra que data desde nuestros indígenas taínos. Este accesorio rural y típico realizado por nuestras tejedoras artesanas dominicanas, lo re definí y le di un toque urbano con acabado y factura además le agregué diseños pictóricos y elementos artísticos que lo enriquecen.
Uno de mis objetivos primordiales es colaborar con las artesanas tejedoras que posean los requisitos indispensables (aptitudes) para que logren desempeñar exitosamente las diversas artesanías dominicanas que realizan. Con esto beneficio a las artesanas y contribuyo a que ciertas artesanías con herencia cultural no se extingan. También quiero que las artesanas tejedoras se conviertan en mejores productores, más felices y satisfechas con las actividades que desarrollen, tengan más seguridad en sus capacidades personales, mejoren la producción artesanal tanto en cantidad como en calidad.
Si fueras uno de tus macutos, ¿cuál serias?
El más pintado, divertido y atrevido.
¿Cómo es la mujer o chica “Pratstica”?
La describiría como “Bobó” bourgeois bohème. Una chica educada que impone un estilo sofisticado con gustos por los productos exoticos, organicos o elaborados artesanalmente.
¿Quién es la mujer ideal en palabras de Yeryll?
Una mujer que tenga pasión, ambición, iniciativa, superación, creatividad, liderazgo y organización.
9 FACTS ABOUT
Dominicana, aunque no lo parezca
Artista artesana pero también trabajo como productora en un canal de TV
Me gusta estar acompañada, aunque sea de un radio
En las diferencias encuentro inspiración
Me cambio el color del pelo según mi estado de animo
No me gusta ajustarme a horarios, pero soy disciplinada e industriosa
Soy mas feliz en la naturaleza que en la urbe
Me inspira un buen dialogo
Tengo suerte de tener amigos talentosos que siempre apoyo
Editorial.
Todo inició con una caja de crayolas, la primera de muchas que recibió de cumpleaños, cuando era niña.
Nieta e hija de artistas, creciendo en medio de tantas expresiones, se esperaba que lo suyo también siguiera los pasos del color, de las formas, de la exploración, del arte, y así fue.
Anécdotas creativas con ellos dos hay muchas, pero dos en particular son las que tiene más presente: las tardes llenando de flores silvestres la lata de aluminio donde su abuelo, el reconocido pintor, escultor, dibujante y ceramista domínico-español, Antonio Prats Ventós, colocaba sus pinceles mientras pintaba en total silencio. Y los payasos, alienígenas y diferentes personajes inventados por su papá, el también artista Shum Prats, que aprendió a dibujar con él sobre servilletas, cada vez que esperaban la comida en cualquier espacio gastronómico del mundo; y que más tarde se convertirían en la base de todo lo que conoce sobre dibujo y perspectiva.
Ella estudió Comunicación Publicitaria en el país y posteriormente Cine y TV en Madrid. En España se permitió viajar hacia esos lugares donde las pasiones respondieran, como lo fue Barcelona, donde llevó a cabo interesantes trabajos de restauración y donde también se enamoró de la historia. Estando lejos de su isla, conectó con sus raíces, con su esencia como dominicana. Y regresó, con la idea de, con el arte, rescatar, innovar y adecuar nuevas ideas a la artesanía dominicana tradicional, sin saber que esto le llevaría también a conquistar la industria de la moda.
El Museo de Arte Moderno, inicia su programación después de la Bienal, con una exposición de escultura que recordaremos.
Texto y fotos: Marianne de Tolentino
Discreta, serena, equilibrada, así se nos presenta Amaya Salazar. Una definición muy incompleta, ya que es una artista cuya diversidad y fuerza de expresión redescubrimos en cada exposición. Algo hay siempre que hace esperar su voluntad de encontrar nuevas soluciones creativas… Sin embargo, ese despliegue retrospectivo de esculturas en el Museo de Arte Moderno, lo consideramos un acontecimiento en su fructífera carrera. “Amaya, espacio, color, luz”, más allá de una propuesta en el tiempo, expresa la madurez , decidida y audaz.
Amaya de siempre
Amaya Salazar ha optado, en el dibujo, la pintura y más tarde en la escultura, por un tratamiento armonioso de la figura humana. El temperamento sosegado y los ideales favorecieron naturalmente un culto de la belleza, autorrealización alcanzada por un trabajo permanente e intenso.
Sus personajes se entregan a la contemplación y el reposo, al diálogo y el afecto. Estas actitudes reflejan la paz interior –¿un autorretrato sicológico?–, evitando los trastornos de nuestra atribulada época.
No surgieron conflictos estilísticos ni contraposición estructural cuando Amaya introdujo en su obra el paisaje, sino un enriquecimiento. El paisaje dominicano necesita a cultores modernos, un sello personal que descubre una fuente de inspiración
Tampoco, ha borrado el pasado, reciente en su caso. Ella agregó temas, formas y técnicas, relieves, cortes y transparencias. La naturaleza indujo aun una magia cromática, con tonos altisonantes e irradiantes.
La artista ha elegido “su” actualidad, entre la pintura y la escultura cada vez más presente. Aquella vena escultórica nos remitía a una sensibilidad, conocida y particular: formatos pequeños, temas humanos paralelos a aquellos de la pintura. La resina hizo su aparición como material, aliada con el metal y la madera.
Surgieron las palmeras, dotadas de una vida especial, alejándose de la realidad y proponiendo una nueva… Las líneas verticales introducían una geometría ascendente, con hojas breves, dinámicas, gestuales aún.
Sigilosamente, con esta (con)versión tropical y otros aportes tridimensionales, la escultura iba tomando mayor importancia en la investigación y producción de Amaya Salazar… hasta llegar a la individual impresionante del Museo de Arte Moderno.
Bienvenida… a la exposición
Amaya nos dio la bienvenida, la dio dos veces. La primera sobrentiende un cambio –anunciado– de categoría plástica. La segunda… son palabras: “Bienvenidos” en español y “Ongi Etorri” en vasco (idioma ancestral de la artista). Además, esta bienvenida propició una instalación, animada con cubos, muy lograda en definición y extensión… otra sorpresa.
Por cierto, la museografía de Binguene, colaboradora y sobrina, dio realce a la exposición desde las primeras obras, con su ambientación natural de vegetación y piedra. La disposición de las esculturas, en cinco secciones, luce espontánea –arte de una buena escenografía–, los formatos dialogan sin una sistematización, y los temas se articulan, facilitando el circuito de la visita.
Amaya mantiene su paleta de pintora: los colores ascienden en calidez e intensidad: rojo, amarillo, verde, azules, hasta el negro se hace luminoso. Hay ciertamente una intención pictórica, pero la misma no disminuye la elegancia de la volumetría… que puede ser una superficie plana, calada, abierta, duplicando sus efectos gracias a la sombra, o dotada de corporalidad armoniosa, metáfora de personajes, muy suyos.
Estos “volúmenes de espacio” emiten una vibración poética. La figuración se alía a la abstracción, la realidad al simbolismo, en esculturas y estructuras, desde la naturaleza floral y las criaturas reales-imaginarias hasta una geometría sensible que privilegia el cubo… Por cierto, instalación espectacular velada por una cortina, las caras horadadas de un cubo gigante multiplican la luz y proyectan sombras. ¡Amaya incursiona en el arte óptico!
Una antología hacia el porvenir
Aunque en las retrospectivas, hoy el itinerario cronológico no manda, Amaya Salazar ha preferido presentar una antología de sus investigaciones escultóricas. Este caudal sobrentiende etapas futuras, atractivas e imprevisibles si valoramos las direcciones tan diferentes que su obra emprendió.
Aun cuando Amaya se entregaba a la pintura, a los temas del amor, de la vida y del ser humano, tuvimos la premonición de un cambio conceptual y técnico, al través de un mural tridimensional, verdadera instalación escultórica –protegida por un vidrio–, en el espacio de acceso y piso superior de un hotel hoy desparecido. La obra nos fascinó. Era una nueva Amaya… Ella ha desarrollado esta otra dimensión, ahora la disfrutamos plena y totalmente.
Concluiremos con palabras de la gran escultora francesa Camille Claudel, que casualmente no dejan de evocar la evolución de Amaya Salazar: “La idea no me basta, la quiero vestir de púrpura y coronarla de oro”.
“Equilibrio” y “Espacio” no solo refieren a las áreas, ilustradas por obras bien colocadas, sino a una constante en todas las piezas que transmiten un mensaje. La espiritualidad es omnipresente, hasta en aquella curiosa ventana, abstracta a primera vista…
Esta colección de Celia B, “Here Comes the Sun”, la hizo de la mano de la artista contemporánea y muralista francesa Leona Rose. Ella diseñó los estampados, en consenso con Celia. Las presentó Li Saumet, la cantante de Bomba Estéreo. Resulta que Leona ya llevaba las prendas de Celia y se propusieron combinar sus gustos eclécticos, obteniendo como resultado estampados que evocan cielos y paisajes psicodélicos, formando patrones místicos a partir de elementos del universo.
Vemos rayos de sol; estrellas y todos los colores del arcoíris utilizados como forma de expresar la felicidad y la esperanza de salir finalmente de la pandemia. Las siluetas clásicas con volantes se combinan con detalles como ribetes, bordados, apliques y patchwork. El nombre de cada pieza sale de planetas, constelaciones, de estrellas.
Celia B y Leona Rose
Es la primera vez que Celia B presenta una colección de baños, y lo hace con ese elemento tan definitorio de su firma: el color. La campaña y el lookbook lo hicieron en Altea, en la costa de Alicante, con sus casas blancas estilo morisco, ciudad fortificada y es un ejercicio que le gustaría replicar en nuestro país. “En este viaje me he estado moviendo bastante por el país. He visto locaciones preciosas, tanto en playas como en ciudades. Sería un sueño regresar para hacer alguna de mis campañas”. Sus piezas ya están en el país, en Indulge, Santo Domingo.
MEET THE DESIGNER
Celia Bernardo Fernández
Foto: Julio César Peña
Aunque se considera una mujer del mundo, es orgullosamente asturiana. Lo dicen sus raíces, su fijación por el color, por la naturaleza… por todo lo que habla de su tierra. Estudió Publicidad y Relaciones Públicas en Madrid, de ahí el background que tiene para temas de marketing, de marca. Después se fue a Milán, donde estudió Comunicación de Moda. Pero su verdadera pasión siempre fue diseñar. Tras una breve temporada de trabajo de oficina, se escapó a Ibiza donde inició haciendo joyería, aretes, o pendientes, como les dice. Poco a poco empezó a trabajar en moda y a recibir una formación sobre la marcha, aprendiendo del oficio. Por diez años estuvo con Pepe Jeans, Zara y Asobio. Lanzó su marca, Celia B, en 2012, canalizando su pasión por los viajes, trayendo a la realidad cada cosa que le impactó en el camino.
FUN FACTS
¿Quién eras de niña? La que siempre iba disfrazada.
Una palabra que repitas mucho: NENI, forma cariñosa de llamar a mis personas queridas.
Talentos ocultos: Silbo muy bien.
Nombre complete y signo: Celia Bernardo Fernández y Piscis
Una fuerte creencia que marque tu vida: Confiar en mi misma.
Esta isla para ti: Ha sido mi reencuentro con la aventura y los descubrimientos viajeros después de 2 años de reclusión en Asturias.
Lo último que hiciste antes de llenar esta entrevista: Dormir y recuperarme del Jetlag!
Asturias para ti: mis raíces y un paraíso natural
Coctel favorito: últimamente, un Bloody Mary.
Editorial.
Esta escena está pensada con los Beatles, cantando “Here Comes the Sun” en alegoría precisamente a esto que está pasando el mundo, donde el sol parece volver a salir, para todos. Ellos serían el espíritu y la música de fondo. Aunque eso de “fondo” hay que definirlo, porque para Celia, la diseñadora de modas, quien está “orquestando” todo, esta banda, de poder, tendría una participación tan activa que trascendería la música.
Se necesitarían exactamente 55 modelos para que cada una lleve un diseño de esta nueva colección. Eso a elección de cada quien, si quiere que sea un bañador, una salida de playa, zapatos, accesorios o hasta una toalla. ¿Qué les puedo decir? Estamos hablando de la playa.
Además, y después de todo, la mujer que viste sus diseños, no tiene miedo, ni al color, ni a llevar prendas vistosas, porque le gusta divertirse con la ropa; combinar es su manera de expresar su personalidad y se lo disfruta.
Sobre la hora, sabemos que se trata del amanecer, aunque cayendo la tarde, siempre y cuando todavía esté el sol ahí, podría ser también un buen momento. Sobre la década no hay dudas: se trata de los setenta, con esa estética retro, psicodélica, mágica y envolvente. Se percibe en los estampados, inspirados en las energías cósmicas, en el cielo, en el propio sol.
Lo que nadie probablemente piense a primera instancia, es que se trata de Asturias, de la playa de Aguilar, preciosa y salvaje, en sus palabras; sin ninguna construcción y precisamente el lugar que sirvió de inspiración para esta colección de vestidos de baño. Pero hasta aquí la escritura creativa, que se nos agota el espacio. El resto, te lo contamos al lado.
El romanticismo latente en el casco antiguo de la ciudad de Santo Domingo nos invitó a conocer de cerca la historia de estas dos almas que la vida unió para profesarse el más genuino y puro de los amores con una única condición: hasta la eternidad.
Fotos: Robert Vásquez locación Hotel Mosquito, Ciudad Colonial estilismo Joselo Franjul Vestuario Oriett Domenech, Massimo Dutti y Zara joyería Cartier
“El apoyo incondicional que nos damos es nuestra mayor muestra de amor”.
APASIONADOS.
El vaivén de su pelo dorado coqueteaba con sus dedos, mientras que sus miradas susurraban a viva voz los secretos que sus labios no podían contar. Y qué decir de las risas que en complicidad amenizaban los rincones de ese hostal, donde a lo lejos se veían sus manos acariciar los recovecos de sus almas, y así fue deteniéndose el tiempo, pero avivándose aún más la pasión con cada beso y abrazo en el que se volvían uno solo… Confieso que nos enamoramos de cada verso que compone esa historia de amor que quedó impregnada como una huella indeleble en lo recóndito de ese mágico lugar, en el que aprendimos que para amarse de manera sublime solo basta mirarse.
RITMO SOCIAL: Cuéntenos acerca de su historia de amor… ¿cómo se dio ese flechazo entre ustedes?
MAG: Nos conocimos en un restaurante de la ciudad. Ella estaba en una rueda de prensa de su nueva colección y yo compartiendo con unos amigos. Me impactó su sensibilidad y agradecimiento al decir unas palabras en el pódium. Sin esperar la introducción por allegados, decidí ir a su mesa y presentarme. La felicité con el simple motivo de conocer a ese ser. El próximo encuentro fue en la playa y desde ahí no nos hemos separado.
RS: ¿Cómo supieron que eran el alma gemela del otro?
MAG: “Alma gemela” no es la descripción que yo usaría. Somos muy diferentes, pero esas diferencias nos ha impulsado/retado a ser mejores personas y ampliar la perspectiva que teníamos de la vida y sobre nosotros mismos. Uno es ajeno a cómo terceros te ven y pocas personas tienen la voluntad de levantarte el espejo e impulsar tu crecimiento personal. Siento que somos eso en esta relación: dos almas que se encontraron para crecer, aprender y fortalecerse en este gran camino de la vida.
RS: Háblenos acerca de anécdotas que han vivido juntos y que guardan con gran recelo.
OD:Una de las más lindas fue justo para el Día de San Valentín; era al inicio de la relación yo estaba en París y él en Santo Domingo. Me hacía una falta enorme, lo llamé para sorprenderlo que regresaría al día siguiente para estar con él y ese momento fue la primera vez que nos dijimos: Te amo. Lo más increíble y hermoso que hemos vivido como pareja fue cuando él me pasó a recoger al aeropuerto, él tenía en sus manos unas flores… yo corrí abrazarlo y en ese momento sentimos una energía inexplicable. Él me dijo: “¿Tú sentiste eso?” Y yo: Sí (risas). Lo cuento y seguro pensarán estos dos están locos, pero les juro que fue así.
RS: Nueve años siendo pareja, ¿qué aprendizaje han obtenido el uno del otro durante este idilio?
MAG:Son muchos, pero de los más importantes es valorar mi tiempo y no dar las cosas por sentado, y la otra es que nunca fui muy musical, prefiero el silencio o escuchar la naturaleza. Cuando escuchaba música, me atraía su ritmo, pero con Oriett aprendí a escuchar las líricas de las canciones por primera vez.
OD:Miguel Ángel me enseñó a no dejar que cualquier cosa altere mi paz, vivir la vida disfrutando cada instante como venga y también de él aprendí admirar aún más la naturaleza. Por ejemplo, él se detiene en una carretera para mostrarte la inmensidad y belleza de un árbol. ¡Eso me encanta!
“El momento más desafiante de nuestra relación fue el día después de Gael nacer: el bebé tuvo complicaciones y se me estaba desvaneciendo en mis brazos; en mi vida me había sentido tan débil y vulnerable. Estábamos muy nerviosos y tristes, pero al pasar los días en el que el niño estuvo en intensivos, en Miguel Ángel encontré la fortaleza que yo no tuve pues Él estaba lleno de seguridad y Fe de que nuestro Gael iba a estar bien y, gracias a Dios, así fue”.
RS: ¿Cuál es el secreto para mantener su unión por tantos años?
OD: Perseverancia, comunicación, paciencia y cariño.
RS: ¿Creen ustedes en el amor eterno?
OD:Nosotros creemos que el amor de pareja es un regalo que crece y evoluciona en nuestro interior cuando lo cuidamos y alimentamos con buenas acciones.
RS: ¿Cómo suelen demostrarse cariño cada día?
MAG:Somos muy cariñosos y románticos el uno con el otro, pero la mayor demostración de amor es el apoyo incondicional que nos damos para enfrentar cualquier tema juntos.
RS: Si quisiéramos ver a Oriett Domenech a través de los ojos de Miguel Ángel González, ¿qué conoceríamos?
MAG: Vieran a una mujer llena de valores, ilusión y ambiciones, pero al mismo tiempo, vieran a esa niña inocente con cargas del pasado que han moldeado su presente, aunque con un gran deseo de seguir evolucionando para crecer hacia su mejor versión de sí misma cada día. Oriett es pura luz y, a pesar de los vientos de la vida, es impresionante ver su llama brillar y perseverar. Todos necesitamos una recarga de vez en cuando, pero cuando ella se recarga y da lo mejor de sí, no hay comparación.
Hemos constatado nueva vez que el amor a primera vista sí existe y qué mejor ejemplo que esta pareja que ha dedicado cada día de sus vidas para amarse a plenitud.
RS: Es su turno Oriett, ¿de qué manera describiría a Miguel Ángel González?
OD:Es un ser muy amoroso y servicial, le encanta poder ayudar a los demás; es muy detallista y caballeroso, esto me encantó desde que lo conocí; un padre dedicado y juguetón. A nivel profesional es un hombre muy perspicaz al que le gustan los retos y para él parece nada ser imposible.
RS: Tienen un bebé hermoso. ¿Han pensado agrandar aún más la familia en un futuro no muy lejano?
OD: Por el momento no está en nuestros planes, estamos enfocados en brindarle a Gael todo lo mejor de nosotros y disfrutar nuestra familia de tres.
RS: ¿Cómo suelen ser sus días en familia?
OD: Cuando estamos en casa siempre almorzamos juntos, nos ponemos a jugar o hacer alguna actividad con Gael, escuchamos música y algunas veces nos escapamos a disfrutar en algún lugar especial.
RS: ¿De qué forma les gusta celebrar el Día de San Valentín?
MAG: Nunca hemos esperado por un día puntual para manifestarnos amor. Aunque exista un aire en esta fecha que le dé énfasis a la relación, siempre optamos por celebrar nuestra relación cada vez que se amerita.
“Queremos viajar en familia a conocer nuevos lugares y aprender sobre otras culturas; también explorar más nuestra hermosa isla. En cuanto a lo profesional, cada quien está enfocado en su lista de metas y que podamos lograrlas sin sacrificar tanto el tiempo en familia y de pareja. Nuestro trabajo nos apasiona y estamos muy emocionados con lo que este año, con Dios, podríamos lograr. Nos sentimos muy agradecidos y estamos llenos de muchas ilusiones”.
Confesiones Íntimas
El amor para ustedes es… Unión.
Su familia es… Lo más importante.
Actividad que disfrutan juntos… Viajar.
Una frase que los defina… “Somos una casualidad llena de intención”, Mario Benedetti.
Su canción favorita… “Bendita tu luz” de Juan Luis Guerra y Maná.
Laura Cepeda y su «Media Naranja», su primera colección cápsula está inspirada en
las mujeres románticas del Caribe y la lanzará hoy.
«Esta colección es una abstracción de lo que es el amor para mí, con toques románticos, atrevidos y nunca aburridos. Exploro y me reto de manera personal, a la Laura más allá de directora creativa de la marca. Me arriesgo con el color rojo, al que siempre he tenido mucha resistencia; dándome la oportunidad de descubrir su encanto, como dicen: el que de rojo se viste, en su belleza confía. Así que rojo, rojo y toques rosas son los colores protagonistas.
Se llama “Media Naranja” porque surge de esa hermosa frase que he escuchado desde niña y que soñamos encontrar algún día de nuestras vidas, y que no significa alguien o algo igual a nosotros; sino descubrir eso opuesto que nos complementa y nos hace sentir plenos, llenos de felicidad.
En cuanto a los materiales, siempre aislados de las pieles animales y, esta vez, involucramos madera y textiles con toques de brillo. Nunca puede faltar en nuestros diseños ese toque artesanal que nos caracteriza. En esta ocasión, exploramos tacones tallados a mano en madera. De verdad que es una completa obra de arte lo que estos carpinteros logran con sus manos.
Es mi primera colección cápsula y generar impacto en un período muy corto de tiempo es un reto. Sumado al tiempo de venta y de fabricación, que también es muy estrecho.
Suplir a nuestros distribuidores a nivel mundial será una misión a conquistar, sobre todo porque todos quieren tenerlos para San Valentín, pero esta colección será lanzada hoy, justo dos días antes del 14 de febrero, lo que lo convierte en un gran desafío, pero bueno… ME ENCANTAN LOS DESAFÍOS.
Para ser muy realista, en mi país, Colombia, no se celebra esta fecha, pero debo complacer a mis mayores compradores que son mis L.Cepeda lovers del mercado exterior, donde sí se celebra. Fue iniciando el 2022 que decidí hacer esta propuesta cápsula, todos en mi equipo pensaban que estaba loca por querer lograrlo, pero aquí estamos».
Editorial.
Si esta edición pudiera ser un soundtrack, sería el de “Marry Me” a estrenarse este lunes. Este número celebra al amor, en todas sus facetas. En estas páginas, lo hacemos como artistas, creativos, amantes del diseño, como creadores de moda.
Laura Cepeda es una de las diseñadoras de zapatos colombianas más conocidas de esta generación, la mente creativa detrás de las zapatillas del lazo que ya son un ícono de la región y semifinalista en la categoría “Diseñador de Accesorios Latinoamericano del Año”, en el Pitch to LAFS, que se celebrará el 14 del mes próximo en Miami. Pero primero que todo, es una gran amiga.
Sus diseños hablan de pasión, por su país, por lo que hace, por la moda, por el color, por lo que significan la pisadas firmes para una mujer, en especial cuando se trata del amor.
Por eso, cita hoy a todas sus L.Cepeda Lovers alrededor del mundo a un atardecer rosado con toques naranjas que se intensifica en 5 diseños que conforman su primera colección cápsula, que estará solo disponible hasta el 12 de marzo; para encontrar su “Media Naranja”.
Es el nombre que lleva su reverencia a la más apasionante de las fechas, que increíblemente no se celebra en su país natal.
Los nombres de cada diseño, hacen referencia a mujeres románticas del Caribe, que con una buena conversación, llena de risas, acompañada de un buen vino, reúnen todo lo que también es Laura y que a modo de Take Over, nos explica en estas páginas.
Corina es un ser de luz que vive apasionadamente la vida; su bella energía y sentido de la generosidad hacia los demás es un referente que no pasa desapercibido. Su belleza interna compite con la externa. Es una mujer que adora admirar los amaneceres, motivar a todo el mundo que la conoce a dar lo mejor de sí y a involucrarse al cien por cien con el bienestar físico y espiritual de todos los que la conocen. Su marido y ella son muy discretos, y realizar esta entrevista no fue tarea fácil; pero bien valió la pena el mensaje que ella nos deja para iniciar con las más bellas de las energías este 2022.
texto Rosanna Rivera fotos Sebastian Ambrogetti vestuario portada Silvia
Tcherassi collar Clarissa Bronfman Jewelry escultura y pulseras Teresa de la
Pisa maquillaje y peinado Salón Bana Puntacana
Todos le quieren y es un ser humano de extrema sensibilidad. Su llegada junto a su familia a Punta Cana ha servido para motivarnos a ser mejores personas y a cuidarnos más internamente a través de nuestros pensamientos y manera de ver la vida. Su alegría es contagiosa, su sentido del agradecimiento es maravilloso, al igual que su don de gente y dotes de anfitriona.
Punta Cana y su comunidad la recibe con los brazos abiertos al igual que sus deseos de aportar con extrema discreción a dejar un mundo más sensible y más conectado con los valores y cercano a la naturaleza. Su gran pasión es ayudar y dar sin límites.
Conozcan a esta dama que adora cazar amaneceres y que hace del agradecimiento su más auténtica filosofía de vida.
RITMO SOCIAL: ¿Quién es y cómo se define Corina?
Corina de Balbontin: Wow!, nunca me había puesto a pensar en cómo describirme. Lo primero que me viene a la cabeza para poder describirme es pensar en cómo la gente me ve o me dice que soy.
Una persona con muchísima energía/incansable, siempre alegre y sonriente, transparente, intensa, que vive la vida al máximo, aprovechando cada minuto como si fuera el último; dedicada a los demás como prioridad número uno, aconsejando, acompañando, escuchando, animando, viendo la parte positiva y tratando de enfocarme en eso, ayudando a los enfermos (parte de mi familia me pusieron el apodo de Flora, por Flora Nightingale), poniendo a mi familia por encima de todas las cosas.
Adoro y valoro a mis verdaderos amigos. Aprecio desde lo más chiquito hasta lo más grande. Me encanta un masaje, probablemente una de las pocas cosas en donde me quedo tranquila (risas). Me encanta cantar y me encanta escribir. Soy agradecida. Reconozco y valoro cada bendición que me ha regalado Papá Dios. Doy gracias incansablemente y trato de compartir mis bendiciones.
¡Me encanta bailar y no parar! ¡Me encanta viajar y gozar! Veo mis amaneceres casi todos los días y pongo una pausa en mi vida; pienso, medito, observo, doy gracias y, a veces, hasta bailo o lloro. Veo la vida bella y llena de oportunidades para ser feliz y hacer feliz a los demás. Soy sencilla de alma y veo el lado positivo de las cosas. Cuando me caigo, lloro un ratico pero luego levanto la cabeza, sonrío, agradezco y sigo adelante.
“Punta Cana es un lugar maravilLoso; a nuestra familia nos conquistó su luz, su comunidad, sus aguas turquesas y sus indescriptibles amaneceres”
RS: ¿Por qué Punta Cana y qué les flechó de esta bella isla que es República Dominicana?
CB: Soy venezolana y me casé con un chileno. Aunque vivimos hace años en los Estados Unidos, siempre quisimos tener un lugar en donde pudiéramos reunir a la familia. Llegué a Punta Cana por una amiga que me habló de este lugar mágico.
Queríamos un lugar con mar, en donde pudiéramos construir algo pensado a futuro. Visitamos varias partes de la República Dominicana, pero cuando llegué a Punta Cana, la cara se me iluminó. ¡Este lugar es mágico! Aquí podíamos tener lo que mi esposo y yo llevábamos tiempo soñando. Un pedacito de cielo a nuestro alcance. Un lugar bellísimo y maravilloso que nos conquistó con su luz, sus aguas turquesas, arena blanca, su gente cálida, alegre y amable; una comunidad como ninguna, con unos dueños o desarrolladores que se convierten en familia, alcanzables, sencillos y maravillosos.
Los Rainieri han sido parte importantísima de ser acogidos y sentirnos en familia. Son gente única y excepcional, que se preocupan por cada uno de sus habitantes como si fuéramos el más importante. Son generosos y siempre están allí para compartir con la comunidad. Los ves en todo, con todo.
Punta Cana nos acogió, nos brindó un lugar excepcionalmente bello con una familia extensiva. Nos abrió los brazos como lo hace cada amanecer. Nos sentimos queridos y cuidados. It’s my happy place! Me siento que es un pedacito de mi país al que tanto adoro y extraño. Me siento cómoda y sumamente llena, plena y feliz.
“Veo la vida bella y llena de oportunidades para ser feliz y hacer feliz a los demás. Soy sencilla de alma y veo el lado positivo de las cosas”.
RS: Eres una mujer que cuida su físico y mantiene un balance con mente y cuerpo. ¿Qué te motiva?
CB:Gracias por esa percepción que tienes de mí. Siento que en la vida hay que tener balance. Siendo este balance una combinación de elementos que te llevan a sentirte bien y satisfecho contigo mismo.
Para uno poder darse a los demás, uno tiene que estar bien con uno mismo primeramente. Y eso es lo que me motiva. Así que tengo que estar bien emocionalmente, físicamente, espiritualmente e intelectualmente. Quizás me ayuda el hecho de que tengo tanta energía. Trato de hacer ejercicio todos los días, bailo y gozo intensamente.
Veo el ejercicio como algo divertido en donde puedo sonreír y gozar mientras ejercito. ¡Me encanta! Como ya te conté, me gusta darme a los demás, y esto me ayuda emocionalmente. Me siento feliz cuando veo que poniendo aunque sea un granito de arena, puedo hacer una diferencia. Soy católica y también me parece importantísimo mantenerse en contacto con Dios.
Voy a misa los domingos, rezo a diario y doy gracias. Amo el arte y me encanta visitar museos, exposiciones y descubrir cosas. Me gusta lo que me gusta, pero trato de aprender de lo que mi alma no capta inmediatamente como placentero. Me gusta ver y aprender de lo viejo o lo nuevo.
Me gusta ir coleccionando poco a poco, pero siempre lo que me llega, sin importar quién lo ha hecho. Soy apasionada. Me encanta escribir, pero no de algo en específico, sino de lo que me inspira. Muchas veces de mis sentimientos. Me encantan las estrellas y el sol.
“Punta Cana nos acogió, nos brindó un lugar excepcionalmente bello con una familia extensiva. Nos abrió los brazos como lo hace cada amanecer. Nos sentimos queridos y cuidados”.
RS: Eres un ser humano que inspiras a los demás. ¿Qué sugieres y compartes para seguir brindando bienestar a nuestro físico y mantener la mente despierta en este 2022?
CB: Una vez más te doy gracias por tu percepción de mí. ¡Qué linda! Uno puede escoger en la vida enfocarse en lo que tienes a tu alrededor y ser feliz o puedes enfocarte en lo que no tienes y ser infeliz.
Mi consejo es que aprecies y abraces todo lo que tengas, que a veces lo tenemos enfrente y ni siquiera lo vemos o reconocemos. ¡No hace falta mucho para ser feliz! Empieza por ti misma. Y que cuando abraces, realmente abraces; que cuando beses, realmente beses. Que veas lo bonito de las personas y se lo resaltes. Que le digas a tus seres queridos que los quieres, que no te detengas en tonterías que solo pueden arruinar tu día.
No te dejes invadir por la envidia ni por los celos. Desecha lo negativo y enfócate en lo positivo. Trata de darte a los demás, siendo sencilla y poniendo al necesitado como prioridad. Te sorprenderías de cuanta gratitud vas a ver a tu alrededor. Cuando te entregues, hazlo con una gran sonrisa, con alegría, con vida y luz y sin esperar nada a cambio. Es lindo agradecer y no pedir. Te llegan las cosas solas y de aquellas personas y aquellos momentos que menos los esperas.
Y con respecto a el bienestar físico, lo que sugiero es que busques en tu corazón algo que te llene. No importa lo que sea, algo vas a encontrar dentro de ti que te motive. Y cuando lo hagas, tómalo, abrázalo, gózalo, vívelo.
El trabajar tu parte física no tiene que ser en los ejercicios tradicionales únicamente. Puede ser en podar las matas de tu jardín, en buscar los niños al colegio a pie, en bailar y cantar mientras cocinas, en tomar las escaleras en vez del ascensor, en el cargarle las bolsas del supermercado a alguien que lo necesite. Hay mil formas de moverse si no eres de esas personas que les gusta ejercitar en las formas más tradicionales. Aunque yo… ¡amo bailar!
RS: ¿Cómo suelen ser tus días? ¿Tienes algún ritual para iniciar tus días?
CB: ¡Sííííí! Amo mis mañanas. Me levanto con el amanecer. Me gusta verlo media hora antes de que salga el sol. Allí empieza la magia. El cielo se pinta de colores y las nubes se dibujan y cambian de forma hasta que sale el sol. Es un momento mágico para mí. Sonrío y agradezco, y a veces hasta suelto una lagrimita. Tomo fotos para recordar el momento y las guardo y comparto con quienes las aprecian. De allí desayuno (amo comer) y, por lo general, hago una clase de baile. Me ducho y de allí quedó lista para lo que me depare el día, que siempre está lleno de cosas. Cada día es distinto, pero siempre full. Me acuesto tarde. Por lo general duermo poco, pero no me afecta. Quedo lista para comenzar un nuevo día agradecida y muy feliz.
RS: ¿Yoga, pilates o largas caminatas?
CB:¡Baile y más baile! Complementado con caminatas y, a veces, ejercicios de tonificación. Pero lo mío es el baile.
RS: ¿Cómo sueles disfrutar tus días en Punta Cana? ¿Qué es lo que más disfrutas?
CB:Mis amaneceres, su gente, la luz, el mar, el clima, sentirme en casa.
RS: Eres una gran anfitriona, nos consta. ¿Cómo sueles recibir a tus invitados alrededor del mundo?
CB: Wow! Muchas gracias nuevamente por tus halagos. Pues me gusta que mis invitados se sientan en casa. Me gusta que se sientan en libertad de hacer lo que quieran cuando están aquí. Les ofrezco distintas alternativas y programas diversos, pero siempre dándoles la posibilidad de hacer lo que deseen o necesiten. A veces llegan muy cansados y necesitan descansar. A veces llegan con ganas de hacer deportes o de explorar. En ocasiones llegan con ganas de conversar y sentarse frente a este paraíso y, simplemente, estar presentes. Todo es posible en este lugar. Encuentro que aquí la gente entra de una manera y sale de otra. Se van mucho más felices, cargados de alegría y energía. ¡Es un lugar mágico!
RS: ¿Qué te aporta el mar? ¿La naturaleza es necesaria?
CB:El mar es vitalidad, alegría, belleza. Te da calma, pero también te da fuerza. Es cambiante así como lo somos los seres humanos. Pero tiene vida y da vida. Para mí, la naturaleza es indispensable. Uno vive mejor, se siente mejor, aprecia la vida y ve la vida con diferentes matices. Hay que saber parar y apreciar. Mirar no solo al frente, sino saber mirar hacia arriba, hacia abajo y encontrar todo lo que tenemos a nuestro alrededor que es simplemente maravilloso. La naturaleza ayuda a cargarse las pilas, ayuda a sentirse vivos, ayuda a quererse mover, a querer descubrir. Si uno realmente observa, irá descubriendo cosas nuevas en cada instante; solo hay que realmente ver y sentir. ¡Respirar y apreciar!
Antes de su pasión por el estilismo de cabello, está ese innato amor por la cocina de todo italiano.
entrevista Karen L. Gutierrez fotos Cirilo Olivares
Con el fin de compartirnos el secreto de un auténtico plato italiano, Angelo nos abrió las puertas de la cocina de La Bodega para una íntima velada, donde como todo amante de un buen spaghetti, nos preparó, como si estuviéramos en su casa, en su natal Barrafranca, en Sicilia, Italia, unos «Spaghetti pomodorini e burrata» y nos contó de dónde viene ese cariño por la cocina.
Desde pequeño, Angelo Baiunco ha sido apasionado por las artes y hoy en día traduce esa pasión en su trabajo, el estilismo de cabello, donde desde que llegó a nuestro país hace seis años, se ha convertido en uno de los más reputados coloristas y diseñadores de cabello.
Para él, la cocina no solamente es su hobby preferido y su principal fuente de inspiración, también es una manera de liberar esa chispa creativa luego de un largo día de trabajo.
Cocinar es la más importante reverencia a sus raíces, a ese innato amor por la cocina de todo italiano que disfruta comer mucho y comer bueno es “una buona forchetta” como dirían en Italia.
Angelo creció en un entorno muy familiar, entre los viñedos, los olivos y las miles recetas de su abuela que siempre fueron preparadas con ingredientes frescos. Esa crianza familiar le permitió desarrollar ese amor por la cocina y darse cuenta de que cada ingrediente, por más simple que sea, se puede convertir en algo increíble.
Aunque no es chef de profesión, considera que la cocina es puro arte sensorial y lograr que un sabor te transporte a un lugar o te permita recordar a alguien es mágico. Al momento de cocinar, siempre trata de inventar un plato o de mejorar la receta que está cocinando, ya que en este momento su musa está libre y la energía siempre es positiva.
“Todo el mundo debería reunirse en una mesa y disfrutar ricos platos siempre cocinados con un buen aceite de oliva y acompañados de un buen vino”, nos expresaba mientras terminaba de emplatar. Y estamos de acuerdo porque, después de todo, de eso se trata la vida.
Cabinet of Curiosities, fue el primero de sus experimentos en conjunto: una tienda de antigüedades cuya reputación trascendió Berlín. El segundo fue este, Rianna y Nina, el título bajo el cual las conocemos hoy. Se trata de una versión un poco más ambiciosa, por ser diferente, donde transformaron su enfoque a la visión original de Rianna de renovar las telas antiguas en hermosas piezas nuevas.
Cada una elaborada con textiles vintage descubiertos por Rianna y Nina durante años de viajes por el mundo. Son los verdaderos protagonistas de colecciones únicas, elegantes, lujosas y prêt-à-porter junto a finas sedas italianas provenientes de Como, Italia. No mucho después de presentar la novedad, participaron en el Vogue Salon, como parte de la exhibición en la Semana de la Moda de Berlín y también en Bergdorf Goodman, donde fueron un total escándalo. Desde entonces, Rihanna, Madonna, Jared Leto y una gran cantidad de celebridades se han unido a esta ola de color, que fusiona el estilo clásico con un toque moderno.
Editorial.
Toda buena historia inicia con color. Por eso, en esta primera edición del 2022, me permití dejar seducir por las aficiones sobre pigmentos, texturas, lo divertido, “loco” y libre de la moda. También dejé salir esas aficiones que comparto con mi mamá y mi abuela de coleccionar y admirar por horas piezas centenarias y hacerlas parte de nuestro presente. Rianna y Nina son una mezcla de ambas cosas.
Tienen décadas visitando ferias y tiendas de antigüedades en Grecia, Alemania, Francia, detrás de piezas que les inviten a conversar, a viajar en el tiempo y construir en cualquiera de ellos. Encuentran en las formas inspiración y en el color, en sus combinaciones, un pretexto para crear. Son autoras de telas y cada una de ellas proviene de años de descubrimiento y exploración; con el amor y la pasión que les han llevado a encontrar algunos de los materiales más bellos del mundo.
Entonces crean diseños, prendas de vestir que puedan ser apreciadas para toda la vida y conservadas generación tras generación. Juntas emprendieron en Berlín, hace once años, lo que hoy es una marca de lujo firmada por artistas. Donde abundan los patrones contemporáneos, los bordados impecables, las telas antiguas y esa vibra positiva con la que desde entonces vienen pintando al mundo.
fotos vitrinas Luis Guillén fotos Raylin MichyWatchao
Las iniciales de su nombre y las de su país son las mismas: R.D.; y coincidencia o no, es una realidad poderosa que celebra, bordea y rellena con Marchanta, su nuevo proyecto, que verá la luz en primavera de 2022. Lo ha venido trabajando desde New York (y una que otra temporada también desde París), donde reside actualmente, pero está totalmente inspirada en su visión de la mujer caribeña y sus vivencias de infancia en República Dominicana: “Siempre he sido amante de las flores y de los aromas, pero como arquitecto aprecio mucho las formas, las esculturas, el arte.
Y esa inquietud, o curiosidad como artista, que siento, que he visto y trabajado, unido a esa idea de la marchanta que siempre iba a casa a llevarle flores y frutas frescas a mi mamá, son el punto de partida de este proyecto. Me enfoco en celebrar a esa mujer dominicana que trabaja duro, que es bella y que es independiente. Hicimos un producto que celebra y eleva a la mujer caribeña, inspirándonos en ellas, en sus formas, en su elegancia, pero de una manera más contemporánea, o más bien, contado desde un lente moderno”, explica el fundador de esta marca de esculturas coleccionables y aromas exclusivos. Marchanta se dedica a la artesanía responsable, colaborando internacionalmente con artesanos y artistas en distintas disciplinas, impulsando un diálogo entre materiales naturales, métodos de artesanía tradicional y un diseño fresco e indudablemente innovador.
Editorial.
Primero que todo, Raylin Díaz es un gran contador de historias. Las líneas, los colores, las formas, las texturas, son su manera de narrarle al mundo un poco de todo lo que piensa. Arquitecto, diseñador de interiores, diseñador de vitrinas y consultor creativo, posee un ojo agudo para la estética, y sensible a la luz brillante de su Caribe, de su país, de esa dominicanidad que vive tan intensamente en él. Es la misma que le llevó a vestir de Lechones las icónicas vitrinas de Saks, en la Quinta Avenida de New York, hace unos años, y que hoy se convierte en musa de un proyecto que ocupa páginas inmensas de su agenda y de su corazón: Marchanta. Esta edición de P.S. It’s Fancy, a modo visual, representan pasado y futuro de esta trayectoria, de 13 años, que inició con el codiseño de una primera vitrina, la de Alberta Ferretti, junto al arquitecto, y quien fue su profesor en Chavón, David Ling, en Soho, la antesala de un importante listado de colaboraciones donde La Época, La Rose, Balenciaga, Ralph Laure, Bottega Veneta, Chanel, Dior, Gucci, Oscar de la Renta, Diane von Fürstenberg, Alexander McQueen, The Row, Dries Van Noten, Prada, Louis Vuitton, Givenchy y Fendi, son algunos de los protagonistas. Hasta llegar al presente, donde trabaja independiente proyectos que contemplan la moda, el diseño de interiores y el lujo. Pero más importante aún, donde se prepara para lanzar el suyo (por eso los sketches). En una edición que celebra la magia de los nuevos comienzos, Raylin nos comparte todo lo que puede decir (hasta ahora) sobre su marca, Marchanta.
Durante la cuarentena, muchos fuimos víctimas de nuestra cocina donde nos convertimos en chefs de panadería con la famosa receta del Banana Bread de Lía Montás. Para la influencer dominicana, la cocina sigue siendo lo que más disfruta, es algo que le permite desestresarse y compartir sus creaciones con las personas mas cercanas. Aunque el banana bread aun es el plato mas cocinado en su casa, sobretodo por el olor que desprende en el horno, para Lia, el nuevo año no solo representa nuevas oportunidades, pero también representa nueva recetas. Lia nos cuenta que al momento de recibir visita en casa, ser una buena host, es el comienzo de la buena vibra en cada actividad y que en su casa no puede faltar una sonrisa, un buen olor y una excelente bebida cuando llegan los invitados.
Por esa razón, hoy nos comparte la receta del ponche que nunca falta al momento de recibir sus invitados en estas fiestas.
Servido con différentes sabores como el pistacho y acompañado de galletitas, este ponche es ideal para las celebraciones y épocas festivas.
PONCHE CASERO
Receta base:
Ingredientes:
1 lata de leche carnation
1 lata de leche condensada
1 pizca de nuez moscada
1/2 litro de Ron blanco
Preparación:
Mezclar todos los ingredientes en un bowl, enfríar por 1 hora en el refrigerador, servir frio en una copa mediana o vaso de shot.
Experiencias gastronómicas de lujo que existen solo por tres noches
fotos José Rozón
Esto no es una cena, es un social dining, para romper el hielo, para “mezclarse”. El objetivo es conectar personas. ¿El lugar? Es uno distinto cada vez. Esa es la mística de Let’s Drunch, la exclusiva firma de experiencias española: crear un espacio gastronómico de lujo en el lugar más inusual del mundo, solo por una noche. El primero fue en la casa de la familia de Cristóbal Colón en Barcelona, y los próximos, iban desde una antigua fábrica de alpargatas de los 1800 hasta las locaciones/sets preferidos de Almodóvar en Madrid.
PRIMERA NOCHE
Un menú 100% dominicano con producto kilómetro, puesto en alto nivel.
DJ: Watchao
Percusión: Fellé Vega
Chef: Alberto Morel
Coctelería: Hugo Reynoso
Artista: Laura Franco
Esta idea de abrir un lugar y convertirlo en “restaurante”, donde los platos, cocteles y música, fueran diseñados únicamente para ese momento, y donde “nadie” necesariamente se conoce, conquistó nuevos destinos. Un piso secreto en el exclusivo Barrio de Chiado, Portugal; experiencias en Napa Valley, California; y hasta un “pop up”, para uno de los restaurantes más icónicos de Minsk, Bielorrusia: Animal Farm Minsk, donde se dieron citas grandes personalidades de la alta sociedad de Minsk, modelos de fama internacional y ministros del gobierno ruso, se unieron a la lista.
Este año, estas experiencias llegaron a República Dominicana, el país natal de su director creativo, el arquitecto, interiorista y diseñador de experiencias, Rodolfo Madera. Y precisamente a su ciudad, Santiago, como una forma de rendir un poderoso homenaje a su origen.
SEGUNDA NOCHE
Platos domínico-mexicanos con la invitación especial del reconocido chef mexicano de Hotel Camp David, Héctor Méndez.
Chefs: Alberto Morel con colaboración especial del reconocido Chef Mexicano, Héctor Méndez.
DJ: El pinchadiscos español Joan Pujol (Golfo de Guinea)
Coctelería: Hugo Reynoso, William Benítez y Eliazar
Artista: René Peña
El Caribe y su magia envolvente fue el punto de partida de tres noches, en tres meses, tituladas “Caribe 2.0”, donde el arte, la arquitectura y el diseño local, también se apoderaron de la escena. MW Casa Studio, una casa de diseño inspiración japonés y Casa de las Vistas, un chalet encantado en la cima de una mágica montaña al norte del país, fueron los escenarios de esta propuesta, a la que múltiples creativos dominicanos y extranjeros le dieron vida.
Laura Franco y sus “féminas”, el arte contemporáneo y vibrante de René Peña, las inconfundibles pinturas y esculturas de Juan Carlos Barruos y Yermiane Richardson con su “Galaxia Caribeña”, respectivamente, conformaron la escena artística de esta experiencia.
TERCERA NOCHE
Un viaje por el Caribe Isleño y unos toques de la Navidad dominicana.
Chefs: Alberto Morel con colaboración especial con la Chef Laura Mella.
DJ: Pote’leche
Coctelería: Hugo Reynoso, William Benítez y Eliazar
Artista: Yermiane Richardson con su “Galaxia Caribeña” y las pinturas y esculturas de Juan Carlos Barruos.
Alberto Morel, uno de los nombres más importantes en la escena gastronómica dominicana actualmente, fue el chef cabecera de todas las noches, donde hubo colaboración especial de la chef Laura Mella y el reconocido autor gastronómico mexicano de Camp David, Héctor Méndez, para preparar platos en vivo, inspirados en cada noche. Hugo Reynoso, William Benítez, Eliazar, lideraron las copas y Watchao y Pote’leche dejaron sus roles tradicionales para unirse como DJ’s al percusionista Fellé Vega y el pinchadiscos español Joan Pujol (Golfo de Guinea), marcando los ritmos más inolvidables de la historia.
Rodolfo madera junto a todo el increíble equipo detrás de Caribe 2.0
texto Natalia Nachón fotos José Rozón
La primera propuesta de Let’s Drunch, la exclusiva firma de eventos española para la República Dominicana, fue una invitación a redescubrir la magia del Caribe a través del arte, el diseño, la gastronomía, la arquitectura y la música. Tres noches, tres meses, tres artistas, tres DJ’s, dos locaciones y platos, y coctelería de autor diseñada solo para esas tres noches, englobaron la genialidad de Rodolfo Madera, creador de la marca de experiencias, y cada cabeza creativa que conformó su equipo en el país, dentro de los que destacan el chef Alberto Morel y Hugo Reynoso. La noche de cierre tuvo lugar en “Casa de las Vistas, un chalet en la cima de una montaña encantada de Santiago, donde se expusieron las obras de PopCaribe, la chef Laura Mella se unió a la cocina, y Poteleche y Watchao dejaron sus roles tradicionales para convertirse en DJ’s. Otra de las noches, también estuvo Joan Pujol, DJ invitado desde Barcelona y la inspiración del menú ha sido el Caribe isleño: un viaje por Cuba, Jamaica, Puerto Rico, Haití y algunos toques de la Navidad dominicana.
Karina Fernández y Joaquín Peralta
Omar Lora y Bismarck Abud, mientras el chef Alberto Morel les presenta uno de los platos de la noche.“Gravlax”, un plato a base de salmón, naranja, lenteja y tayota.DJ Joan Pujol, DJ invitado desde Barcelona, coleccionista y especialista de música afrocaribeña.La obra “Cacica Anacaona” del artista Yermine Richardson (Popcaribe).
En una intensa y muy especial navidad en el Caribe
Es la primera vez que la reconocida hondureña abre las puertas de su casa, en nuestro país, para conversar, a modo de entrevista, y hacer fotos de este tipo. Pero nosotros queríamos celebrar su trayectoria a lo grande, y captarla de la forma más honesta posible, así que no podía ser de otra que junto a su familia, y su perrita Candelaria, en el apartamento que poco a poco convirtieron en su hogar y que hoy, está vestido de luces y magia en honor a esa época que, como católica, tiene el más especial de los sentidos para ella: Navidad.
entrevista: Natalia Nachón / fotos: Simón Espinal / Creative Director: Juan Manuel Polanco / Styling: Atenas Hernández / Style assistant: Laura Jiménez / Hair and Makeup: Kilcia Medina / Fotografía: Simón Espinal / Decoración cocina y comedor: Chinola / Comida: Ambrosía / Bebidas: La Bodega / Postres: Cookies for you y Forno Di Mina / Decoracion navideña: Florenzza
La fachada en galletitas de una casa de Jengibre sobre el desayunador prometía una foto interesante para nosotros, pero para Valentina, su hija, representaba la más emocionante de las aventuras de esa mañana. Fue la primera toma que hicimos. Sonrientes, cómplices y siendo libres de crear con dulces y colores, todo lo que soñaran en ese momento.
Es similar a lo que ha hecho Atenas a lo largo de su vida, desde que nació, en Tegucigalpa, Honduras y creció admirando a su papá, don Jacobo Hernández, quien fue un prominente político de su país; y de quien hereda la formalidad, el carácter y esa disciplina tan característica y presente en todo lo que emprende.
Sus tardes en los cafetales de la familia, en Lempira, al oeste de su país; y sus años en Francia y Estados Unidos estudiando Imagen y Relaciones Públicas, sin lugar a dudas, son narradores importantes de su historia. Como también lo son las distintas posiciones donde primero practicó su profesión, iniciando como Directora para el Grupo INTUR, gestionando la imagen corporativa en Honduras de más de diez grandes cadenas internacionales de restauración como Burger King, Baskin Robbins, Chili´s, Dunkun Donuts; luego como la representante en su país de la agencia monegasca de representación FIFA Jess Group SAM, donde llevó a cabo varios traspasos importantes de jugadores hondureños del combinado nacional a grandes clubes europeos, como el AS Monaco o el Manchester United; y, finalmente, en la Administración Publica como Directora de Becas dentro de la Vicepresidencia de la República de Honduras, gestionando becas a niños y jóvenes de bajos recursos con excelencia académica.
Después de estas experiencias, tanto en la empresa privada como en la Administración, lanzó su propio proyecto: AtenasHernandez.com; donde se ha posicionado desde hace ya más de una década como una de las creadoras de contenido más relevantes de Latinoamérica.
A partir de entonces, ha trabajado con algunas de las marcas más prestigiosas del mundo, como Chanel, Cartier, Louis Vuitton, Christian Dior, Mont Blanc, Ferragamo y Carolina Herrera. Sin embargo, su mayor huella de identidad ha sido siempre su apoyo incondicional a los diseñadores emergentes de la región.
A esto, le sumamos su faceta de autora de un libro infantil: “Valentina Sueña con los Animales», que presentó en la 80 Edición de la Feria del Libro de Madrid, la más importante del mundo en lengua castellana, el año pasado. Y que se encuentra ya en producción de su segunda edición, que verá la luz el próximo año.
Y su debut como diseñadora de modas, con una colección que lleva su nombre junto con la reconocida marca dominicana Ana + María. Con prendas, que como explica: “son clásicas y atemporales y están pensadas para tener un uso intensivo, como corresponde a su compromiso con la moda responsable y sostenible”.
En el plano personal, lleva diez años casada con su marido, el diplomático español Juan Merino, con quien tiene una hija de cinco años que constituye su absoluta prioridad.
Con villancicos de fondo musical y un árbol de Navidad decorado por Valentina, y que muestra con orgullo, iniciamos esta entrevista.
¿Cómo estás celebrando la Navidad en la República Dominicana?
La República Dominicana es un país maravilloso que nos acogió de una forma increíble desde el primer día.
La Navidad la celebraremos en familia. Aunque me encantan las luces, decorar la casa, poner el árbol… lo más importante es poder estar juntos y no olvidar el sentido profundo de lo que estamos celebrando.
Celebrarla en el Caribe, claro, es siempre especial. Poder ir a la playa en Diciembre no tiene precio.
¿Qué es lo que más te gusta de la RD?
De la República Dominicana me gusta todo. El clima, la gente, el ritmo de Santo Domingo, la magia de la Ciudad Colonial, sus playas únicas en el mundo…
¿Cómo describirías a tu familia?
Somos una familia pequeña y muy unida. El vivir lejos de mis padres y los de mi marido nos ha unido más a los tres.
Nos encanta pasar tiempo en casa, jugar con Valentina, hacer “movie night” en pijama… esas cosas.
Con una vida familiar que cambia con frecuencia de destino, ¿Qué te hace sentir en casa?
Mi casa está allí donde está mi familia. Pero tengo que decir que en República Dominicana me siento en casa desde el primer día.
Insisto mucho en ello, pero es que estoy muy agradecido a este país por todo lo que me ha dado. Soy orgullosamente hondureña y lo seré siempre, pero esta isla bendita me ha robado el corazón.
¿Cuáles son las tradiciones navideñas hondureñas que mejor conservas?
Honduras es un país bastante tradicional. Conservamos todas las tradiciones, ponemos el nacimiento o Belén, cantamos villancicos y celebramos en familia. En casa las seguimos todas porque nos encanta la Navidad.
Lo único que extraño de Honduras en estas fechas es la comida, como los tamales, y a mis padres y a mi hermano, claro.
¿Qué recuerdas de tu infancia de la familia, en Lempira, y qué quisieras que fuera lo que Valentina mejor recordara de su niñez?
Recuerdo Lempira con mucho cariño. Es la tierra de mi padre y aún tengo allí a parte de mi familia. Voy siempre que puedo.
Es algo que pienso a veces, que mi hija no ha tenido eso. Siempre ha vivido en la ciudad. No conoce la vida tranquila del campo.
De su infancia, me gustaría que recordara en un futuro que siempre tuvo el cariño infinito de sus padres y todo el tiempo que pasamos juntos.
¿Cómo es la vida de la otra cara de la moneda de Atenas, la esposa de un diplomático, la mamá de Valentina, la ama de Candelaria y qué nadie se imaginaría de todo eso?
Ante todo soy madre. Es además lo que más me gusta. Aunque lo compagino con mi trabajo y con apoyar a mi marido, pasar tiempo con mi hija es lo que más me gusta. La llevo y voy a buscar al colegio todos los días, le acompaño a todas las actividades y pasamos las tardes juntas, jugando, leyéndole cuentos, viendo películas… ella es mi aire, no puedo vivir sin ella.
Y Candelaria nos tiene como locos. Aún es pequeña y nos revuelve toda la casa, pero nos da mucha alegría.
Recientemente codiseñaste colección con Ana+Maria, ¿Cómo surge este proyecto y en qué te inspiraste para diseñar?
Ana + María eran la empresa ideal para asociarnos porque son una marca de mucha calidad, que cuida cada detalle, y una compañía muy familiar.
A la hora de diseñar las prendas, pensé en la ropa que quería usar. Ropa elegante y clásica, que fuera cómoda, que pudiera usar muchas veces y combinar con facilidad… y sostenible.
¿A dónde quieres llegar en el universo de la moda y cómo quieres ser recordada?
Lo que más me llena es trabajar con diseñadores emergentes latinoamericanos. Siempre digo que ninguna región del mundo atesora tanto talento.
Me gustaría que me recordaran por aquellos diseñadores a los que he ayudado. Cuando les veo triunfar, siento un enorme orgullo, porque sé lo difícil que es, las horas que le han dedicado…
Te conocemos por ser embajadora de los nuevos talentos de Latinoamérica en el sector moda, pero antes, hubo mucho recorrido. Te iniciaste en el mundo laboral como Directora para el Grupo INTUR, gestionando la imagen corporativa de grandes cadenas internacionales de restaurantes, ¿Qué puedes contarnos de esa época y qué de lo aprendido fue tan valioso que todavía lo aplicas hoy?
He trabajado tanto en la empresa como en la Administración antes de crear mi propio negocio.
En INTUR aprendí muchas cosas. Quizás lo más importante sea la importancia de ganarte la confianza de los clientes y nunca traicionarla. Para mi, sigue siendo la regla número uno.
Por ejemplo, yo nunca hablaría en mis redes sociales de un producto que no uso. Si subo algo de un restaurante, es porque me gusta la comida. Si muestro una prenda, es porque la uso en mi día a día. Tienes que ser siempre honesta con quienes te siguen.
También fuiste representante de la agencia monegasca de representación FIFA Jess Group SAM, ¿Cuáles fueron los jugadores hondureños que traspasaste a grandes clubes europeos y de cuales te sientes más orgullosa?
En esos años traspasamos a grandes jugadores de la Selección Nacional clubes europeos de primer nivel, como el AS Monaco o el Manchester United. Es el caso de Wilson Palacios o Georgie Welcome.
Me comentaste una vez que tu papá es político, y que tenias ciertos planes de seguirle los pasos, ¿en que punto cambia esta visión y por qué lo haces?
Hace tiempo pensé en entrar en política. Me gusta el servicio público y quería hacer algo por mi país.
Sin embargo, aunque respeto mucho a quienes se dedican a la política, no me gusta la disciplina de los partidos. Los partidos son estructuras necesarias, pero limitan mucho la libertad de sus afiliados. Creo que esa es la razón por la que nunca di el paso.
Estudiaste Imagen y Relaciones Públicas en Stendhal de Grenoble (Francia) y Harding University (Estados Unidos), ¿Por qué esta carrera, porque esos destinos y qué meta te trazaste con ellas?
Siempre me interesaron las relaciones públicas. Creo que son importantes en todos los campos. Como dicen los anglosajones, “It’ s who you know, not what you know”.
¿Qué rol juega tu mamá en tu vida? ¿Qué ves de ella en ti y de ti en Valentina?
Mi madre fue mi modelo de mujer toda mi vida. Una mujer muy trabajadora. Me sigue apoyando y tenemos muy buena relación. Nos parecemos en algunas cosas pero también diferimos en otras. Creo que yo soy más seria, tengo el carácter de mi padre.
Valentina está en una etapa en que me imita en todo. Como pasamos mucho tiempo juntas, trata de hablar como yo, copia mis gestos, mis expresiones…
Hace un año te convertiste en autora de libros, ¿Qué te motivó a escribir y que nos puedes adelantar de la segunda edición que estás trabajando?
Con mi primer libro, “Valentina Sueña con los Animales”, trato de concienciar a los niños de la necesidad de ser responsables y cuidar nuestro planeta.
Este año lo presenté en la Feria del Libro de Madrid, la más importante del mundo en castellano. Fue un éxito y ya se está agotando la segunda edición.
El año que viene publicaré el segundo libro de Las Aventuras de Valentina. ¡Y creo, que será aún mejor!
¿Qué le pide tu niña interna a Santa Claus este año? ¿Y qué encabeza la lista de Valentina esta Navidad?
No soy mucho de pedir, prefiero regalar. Me encanta ver la cara de mi familia cuando abren los regalos. A Juan SIEMPRE lo sorprendo y eso es para mi el mejor regalo.
A Valentina le encantan aún los peluches, también le gustan mucho los Legos y las cosas de pintar. Tiene mucho de mi suegra, será toda una artista.
¿Qué significa la Navidad para ti?
Es una época que me encanta. Me recuerda a la infancia y, cómo católica, tiene un sentido muy especial para mi.
¿Cuál es el plato que no puede falta en tu cena de Noche Buena?
Diría que los tamales, que son muy hondureños. Pero en realidad hemos comido cosas muy diferentes en función del país donde estábamos viviendo. Siempre me adapto y disfruto de todo. AMO comer!
En una casa de mezclas culturales, ¿Cómo se logra el balance y qué es lo más interesante de esta fusión Española y Hondureña?
Nos resulta fácil. Muchas tradiciones son compartidas y nos gustan las mismas cosas. Tanto mi marido como yo somos bastante sencillos. Si estamos los tres juntos, estamos contentos, no necesitamos gran cosa.
¿Cuál es tu más grande sueño?
Ya he cumplido muchos, me considero muy afortunada.
La mejor lección de este año:
Mi familia es lo primero.
¿Qué sigue para Atenas?
Hacer más colaboraciones con diseñadores latinoamericanos. Ya tengo varios proyectos en marcha!
Esta firma prêt-à-porter propone una moda que empodera a la mujer para que protagonice la historia que quiera contar a través de lo que viste. La narrativa de esta etiqueta, de alma y corazón venezolano, traduce esa efervescencia de la vida y la cultura latina, en formas donde la sensualidad no tiene límites y se proyecta de forma sugestiva, pero muy orgánica. Él entiende la moda como un conducto de identidad y por eso explora sus propias raíces latinoamericanas a través de siluetas elegantes, poderosas y muy femeninas. Exploran el ser independientes, únicos, en un mundo globalizado. “Queremos canalizar el crisol cultural que ha dado forma a la estética de América Latina a través de diseños refinados y atemporales. Sin florituras y con mucha esencia, este es el tipo de lujo que creamos”, así lo define todo. Sus piezas pertenecen a distintos escaparates globales y virtuales de lujo, donde pueden ser ordenadas.
Editorial.
A Efraín y a su esposa Jorgledy (o solo Joy) los conocí en persona, en un almuerzo en Maraca hace unos meses y podría decir que, a medida que la conversación avanzaba, encontraba algo, cada vez más intenso, de ambos en el movimiento de las telas, en lo atrevido de los diseños, en la vivacidad tan latinoamericana que gritan sus mangas. Ella llevaba una blusa-T-shirt rosa diseñada por su marido y él explicaba, con pasión desbordante y contagiosa, lo innovador y poderoso de la silueta. Una escena similar se replica, día tras día, en su atelier en Maracay, Venezuela, donde junto a un equipo de 20 costureras y artesanas, desarrollan y confeccionan a mano cada colección. Él es diseñador industrial y de moda, especializado en patrones y confección, y su marca, “By Efrain Mogollon”, se construyó sobre la creencia de que Venezuela, como tantos otros países de la región, es capaz de fomentar un diseño de gran calidad, hecho de manera ética, responsable y, sobre todo, sustentable.
Desde hace una década y un año, ha demostrado que es así, con el uso exclusivo de textiles hechos con fibras naturales y algodón orgánico de proveedores, cuyas operaciones se basan en procesos sustentables y la puesta en marcha de un programa de reducción de residuos en el que los tejidos desechados se reciclan y reutilizan. Es de los que da, y mucho, a su país, a su gente, a su profesión, al medio ambiente. Por eso, en esta edición de Navidad, hablamos de él.
Una mañana soleada de otoño, debajo de un árbol centenario, dos sillas encontradas y una mesa redonda que les separaba, estaban por hacer historia. Quizás la intención no era que simularan las dos manecillas del reloj, representando ese viaje reflexivo a través del tiempo, que estaban a instantes de emprender, pero lo hicieron. Con gotitas de café ya salpicadas sobre una hoja donde empezó a dibujar figurines, inició una conversación íntima, apasionante y muy honesta con Ángel Sánchez, quien este año celebra 35 años diseñando los vestidos de las princesas, celebridades y novias más elegantes del mundo.
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Él brilló tan intensamente en su país como en New York y en cada parte del globo. Nació en Valera, Venezuela, el 07 de octubre de 1960. Está formado en la carrera de arquitectura, pero creció en “La Casa del Hilo”, la mercería de su mamá, quien era costurera.
Grandes celebridades como Sandra Bullock, Eva Longoria, Taylor Swift, las misses de Venezuela, donde destaca Maite Delgado, han llevado sus diseños, así como también las novias más elegantes de todas partes del mundo, incluyendo la princesa Tatiana de Grecia.
Sus desfiles en la semana de la moda de New York son inolvidables y sus colecciones conquistaron desde Neiman Marcus hasta Saks. Fue jurado en Project Runway Latinoamérica y es miembro del Consejo de Diseñadores de Moda de América, que promueve diseñadores estadounidenses en la economía global.
En lo personal es sumamente autocrítico, y exigente consigo mismo. Y en sus inicios, algo impaciente. Dejó su profesión de arquitectura, por la moda, sin haberla desarrollado, porque como decía: “No espero a que se construya un edificio, prefiero construir un vestido”.
Después de tres décadas y media de trayectoria, ha regresado a su origen, con una experiencia couture que dirige desde Miami, y una nueva compañía de diseño: Sánchez Coleman Studio; donde ejerce la arquitectura, con diseño de restaurantes, hoteles y un barco como misión en carpeta. Es Ángel Sánchez.
RS: Este año, se cumplen 35 años de carrera en la moda. ¿Cómo los estará celebrando?
Ángel Sánchez:Siempre he tratado de celebrar mi carrera ayudando de alguna manera. En esta ocasión será junto a la fundación venezolana LATAM FDF (Latam Freedom Development Foundation), que ayuda a los niños con necesidades de nutrición. Seleccioné 35 piezas, las más icónicas, una por colección, por año y 35 diseñadores emergentes se inspirarán cada uno en una de ellas, para crear una pieza nueva. Tienen esa libertad creativa de hacer una blusa, un pantalón, un zarcillo, lo que les motive. La curaduría estará hecha por seis editoras de distintas revistas internacionales, pero de origen venezolano como Vogue, Bazaar, Vanity Fair, etc., y un fotógrafo, también emergente, documentará todo a modo de editorial. Yo creo que esta revisión de estos 35 años, sin caer en autocomplacencia, es una revisión íntima y honesta de mi propio trabajo y todos los fondos percibidos irán a beneficio de la fundación.
RS: Si fuera uno de estos emergentes, ¿cuál de sus colecciones recrearía?
ÁS:Creo que sería una de mis inicios. Colecciones que quisiera revisitar porque, de repente, quedó allí un mar por desarrollar. “Mujer con Zapatos Púrpura”, “Into de Light”… Aunque creo que sería “Floripondia”, que explora la cursilería latinoamericana, acompañada de una memoria musical: bolero, chachachá, que me recordaba a mi infancia y el sabor latino que, en cierta manera, intenté esconder al principio de mi carrera internacional y que hoy en día no me importa. Sé que quizás la voy a explorar con menos pudor, un poquito más relajado.
Fue una de las colecciones más exitosas en Venezuela, el desfile fue con música en vivo de toda Latinoamérica, mientras la modelo se paseaba por la pasarela. Con ella fundamenté los códigos que siguen siendo los “trademark” de mi estilo: movimiento de las telas, colores más saturados, la esencia que el diseñador latino tiene en sus venas.
“Yo creo que esta revisión de estos 35 años, sin caer en autocomplacencia es una revisión íntima y honesta de mi propio trabajo”.
RS: Como autocrítico, ¿este ejercicio retrospectivo es común en usted?
ÁS:Revisito, pero pasa que, con la moda, me da mucho miedo repetirme, entonces yo siento que cuando uno mira mucho al pasado, te puedes quedar pegado. No te puedes repetir, cuando lo haces, empiezas a envejecer en tu propuesta.
RS: Su madre fue, quizás, su primera maestra dentro de la industria. ¿Cuál fue su alcance dentro de esta gran historia?
ÁS:Mi primer sueldo como arquitecto me lo gasté comprando telas y mi mamá me construyó mis primeras ideas. Era costurera, empírica, que era lo común en esa época. Todo lo que sabía de moda hasta ese momento, lo aprendí por ella, viéndola trabajar, pero llegó un punto donde las exigencias del mercado me obligaron a prepararme más. Mi hermano también confeccionaba y fue parte de la firma, hasta que después se independizó. Y mi hermana fue la modelo y musa de mi primera colección, “Ángeles autosuficientes”. Es decir, que mi familia inmediata estuvo involucrada en esta primera etapa.
Abrí una primera tiendita, al lado de la Casa del Hilo, el espacio de mi mamá, se llamaba Ángel Atelier, era un mini cuartito, donde yo tenía mi colección. Pronto, menos de un año después, monté un estudio en la mezzanina donde yo trabajaba como arquitecto en Caracas, y ahí, junto a amigos contemporáneos a mí, que eran artistas, fotógrafos, diseñadores de máscaras y objetos, hice una pequeña galería donde mezclaba arte y moda. Fue una propuesta diferente. Pero a medida que esto fue creciendo, necesité también ampliar mis conocimientos, de una manera más profunda.
RS: ¿Cómo ocurre este proceso de preparación en la moda, para un arquitecto?
ÁS:Fue una época muy linda, porque tenía dos niveles de aprendizaje: el teórico/histórico y el práctico de la costura. Yo me sentaba con mi costurera a aprender y le decía: ¿cómo hacemos que este dobladillo quede mejor hecho?
Para mí, la moda era una narrativa que tenía que tener un hilo conductor, un concepto, y era muy parecido a lo que me enseñaron en la arquitectura. Cuando yo tenía que diseñar un monasterio, tenía que leer la historia de un monasterio, tenía que descubrir lo que significaba y plasmarlo.
En Venezuela había un diseñador de origen francés, que para mí era el Balenciaga de Venezuela, se llamaba Guy Meliet. Era el Dios de la costura venezolana, y yo les pedía a mis clientas que me prestaran sus vestidos por una semana, para yo abrirlos, descubrirlos, aprender. Él nunca quiso ser mi mentor, pero indirectamente lo fue. Porque yo revisé esas piezas con un cuidado y una devoción casi religiosa. Yo le soltaba los hilvanes, abría los forros, veía cómo entretelaba, cómo rellenaba las piezas cuando había que, cómo cortaba, cuál era el hilo correcto, porque la caída funcionaba. Él era un gran constructor y yo las devolvía reconstruidas, y nadie se daba cuenta.
Yo aprendí la técnica y la historia y recomendaría mucho a los diseñadores emergentes que no la ignoren, que se apoyen de ellas. La historia está ahí y uno siempre recurre a ellas para revisar y reinventar, proponer nuevas ideas. Y la técnica, porque una muy buena idea, si no esta bien construida, no es buena en lo absoluto.
RS: En una conversación con Maite Delgado, Miss y presentadora del Miss Venezuela a quien vestía cada año, dijo que en el momento en que dejaron a un lado la presiónde tratar de llenar las expectativas de los demás y mostraron lo que querían mostrar, que era una moda más fresca, más moderna, les fue mucho mejor y estuvieron más cómodos en lo que estaban haciendo. ¿Qué tanto le funcionaría este consejo a un emergente?
ÁS:Al iniciar una carrera, hay muchos miedos. El Miss Venezuela, en su momento, era una plataforma que era muy importante. Yo pienso que, como creativo, uno tiene que estar atento a lo que está pasando alrededor tuyo, ciertas tendencias, que te lleguen, no forzarte a aplicarlas en tu colección. Si te sientes identificado con una tendencia, hazlo. Pero si esa tendencia es por cumplir con eso, y lo montas sin sentirlo, no vas a poder hacerlo tuyo, se va a ver y sentir prestado.
En los primeros años de mi carrera, no vi tendencias. Yo me inspiré en grandes clásicos: Balenciaga, el Cristóbal, Valentino, pero el del principio, Christian Lacroix, decorador, barroco… porque yo como arquitecto, que no conocía nada de la moda, tenía que documentarme, estudiarme la historia de la moda, la vida de diseñadores que yo admiraba y lo que hacían. Y recomendaría lo mismo.
RS: ¿De donde viene la inspiración para usted?
ÁS:Surge fortuitamente. “Luna Luna” nació de un rechazo, de un no. Con “Mujer en Zapatos Púrpura” me inspiré en una modelo que quería homenajear, que era mi fitting model. Venía todos los miércoles a mi atelier y yo creaba sobre ella, pero ya se retiraba de la pasarela y, para despedirla, hice esta colección basada en el movimiento de sus caderas, de sus piernas, era la única de mis 22 modelos que llevaba zapatos purpuras siempre. “Fetiche” surgió después de ver una película sobre la sexualidad escondida, e hice esta colección fundamentada en mi fetiche con los cuellos de las mujeres, y me centré en eso. Es decir que, como te digo, surge… lo que debe tener presente un diseñador es que, una vez la tienes, esa idea, esa inspiración, tienes que ser firme con ella, no la puedes soltar; puede ser variante, pero sobre ese tema. Hay que ser coherente.
RS: ¿Qué significa el nombre para una colección?
ÁS:Es ponerle alma, personalidad. Darle sentido a una historia. A partir de ese momento, todo fluye: concepto, colores, telas. Es el punto de partida para mí.
RS: ¿Cuándo está un diseñador listo para salir, para internacionalizarse, y en qué momento llega usted a ese punto, donde decide dejar Venezuela para hacer carrera en Estados Unidos?
ÁS:Tenía casi nueve años sintiéndome querido y respetado en Venezuela, pero estaba ya queriéndome comparar. Me preguntaba si yo era tan bueno como me creía o como creía la gente. Estás listocuando sientes que ya cumpliste una cuota de aprendizaje, cuando sientes que no hay retos, cuando sientes que no hay competencia… tienes que irte. Es muy arrogante lo que te estoy diciendo, pero tengo que ser honesto: sentía que no estaba compitiendo con nadie que me retara, sentía que estaba compitiendo conmigo mismo y me sentía frustrado. Estaba en un punto donde competía por calidad, pero no por ideas. Así que decidí irme, buscando esos retos, ese crecimiento. Soy pro competencia, me gusta sentirme retado y que hay personas mucho mejores que yo. Me fui primero a Miami y tampoco la conseguí, así que llegué a New York.
Cuando fui a aquella reunión con Carolina Herrera y me rechazaron, y salí a esa calle dolido y veía esas vitrinas que me hablaban, vi y toqué en Bergdorf, en Valentino. Fue un recorrido importante, vi todas esas propuestas de moda internacional, y sentí que había llegado al lugar indicado.
RS: ¿Qué fue lo más retador, como diseñador, de iniciar carrera en el exterior con una marca ya establecida en un país ajeno a ese?
ÁS:Que tuve que deconstruir lo que aprendí en Venezuela, para construir lo que sería ahí. Trasladar mi central, mi producción, mi equipo, lo que había estado funcionando bien desde hacía años; tenía que transformarlo, procurando no perderme a mí mismo en el proceso. Pero valió la pena.
RS: En sus inicios, las plataformas y enlaces estratégicos para la exposición de su trabajo fueron importantes. ¿Cómo las logró?
ÁS:Todo llegó natural. No me puedo quejar con las oportunidades que yo, como venezolano y como diseñador emergente, pude disfrutar. Diseñar para el Miss Universo fue una plataforma de proyección muy importante en ese momento. No teníamos semanas de la moda, pero cada quien presentaba, de manera individual, sus propuestas en pasarela. No me puedo quejar. Tuve los recursos de esa Venezuela hermosa con la que sueño. Me ofrecieron lugares tan hermosos como el Teresa Carreño para mis desfiles. Eran emblemáticos, acompañados de artistas, músicos, la filarmónica, y todo eso en una Venezuela que estaba muy abierta a la creatividad y a apoyar el talento. Hoy en día, y en ese sentido, los emergentes la tienen más difícil.
Hoy en día buscaría un poco más de orientación, pero en ese momento llegó, porque estaban buscando talentos nuevos. Hoy en día hay muchísimas herramientas, la plataforma de Instagram es una de ellas. Pero hay un punto que se mantiene: los diseñadores independientes, sin un respaldo económico significativo, tienen que ser todólogos.
RS: ¿Qué papel jugó Clara Salvatierra en su vida y porqué la considera su mecenas?
ÁS:Clara Salvatierra fue mi primera clienta ya como Ángel Sánchez, el diseñador. Era esposa de un gran banquero venezolano, gente seria, honesta. Ella fue mi primera fan; me apoyó tanto, fue mi primera mentora, ella me compró casi toda mi colección. Como tenía tanta vida social, me hizo el gran PR de mi carrera, en Venezuela. Supo de mí a través de un amigo, que era arquitecto y que era su primo y le habló de mí. Me regaló las primeras tres máquinas de coser y me abrió mi primer gran taller, en su casa, que la había desocupado. Fue mi gran mecenas, siempre lo digo y lo agradezco eternamente. Ella está retirada y vive en Panamá. Es una gran persona que me ayudó muchísimo. Yo pienso que detrás de todo artista debe haber siempre una persona que se motive tanto por la obra de ese diseñador o ese artista, que haga lo que Clara hizo por mí.
RS: ¿Se sintió en New York como se sintió alguna vez en Venezuela?
ÁS:Nunca me sentí así, y hasta cierto punto, creo que eso fue bueno. Podría hablarte de temporadas, de años donde me sentí seguro y que estaba en el camino correcto, y que tenía el respeto de la industria. Quizás mi mejor momento fue cuando las celebridades Sandra Bullock y Meryl Streep llevaron mis diseños a sus encuentros más importantes.
RS: ¿Por qué tantas especulaciones sobre un posible retiro del mundo de la moda?
ÁS:Porque cuando dejas de hacer colecciones, de estar tan presente en las semanas de la moda, tiene sentido esa sensación de que te estás yendo. Tampoco estoy tan encima de las redes sociales ni dando tanta “carne fresca” y nuevo material, porque ha habido una transformación en lo que hago; estoy más inmerso en los trabajos personalizados, debo pedir permiso a mis clientes para exponer estos diseños y mucho de este trabajo personalizado no lo publico. Con la “Experiencia Couture”, que es mi eslogan y es lo que ofrezco ahora, se trata de una experiencia personalizada, íntima, entre mi cliente y yo, y así debe de quedarse de cara al mundo. También porque me mudé a Miami y estoy haciendo ahora arquitectura y diseño de interior, entonces las personas creen que me retiré.
Pero sí te soy honesto, hubo un momento en que pensé retirarme y fue justo antes de la pandemia. Dije: ¿Sabes qué? Yo quiero hacer las cosas a mi manera, y hacer estas colecciones sin sentido no es algo en lo que me veo. Pero vino la pandemia y eso me ayudó a revisar un poco hacia adentro. A inicios de año, comenzaron a llamarme, a motivarme de nuevo, y me di cuenta que no es un tema de retirarse, es un tema de inventar y crear las reglas de cómo quiero yo hacer las cosas ahora. Así que cambié el juego: no estoy aceptando muchas órdenes, he modificado mi relación con las tiendas donde tengo mi propuesta de “Ready to Wear”, sin cerrar puertas. Estoy más entusiasmado y me motiva hacer colecciones cápsulas cada tres o cuatro meses de seis a ocho piezas y sin la presión del mercado.
RS: ¿Volvería a presentar en una semana de la moda?
ÁS:Yo sí, creo que sí, pero no grande. Yo pienso que menos es más. Que la gente siempre se quede con ganas de ver un poco más.
RS: ¿Qué le motivó a venir a Santo Domingo?
Que lo necesitaba emocionalmente. Vine para el RD Fashion Week como espectador, necesitaba ver nuevos talentos, proyectarme en estos jóvenes que muestran con aciertos y errores, como lo hice yo, y como hay que hacerlo cuando uno está nuevo, y me ha ayudado en este camino de introspección y revisión.
RS: ¿Podría estar haciendo lo que está haciendo hasta el día que pase a otra vida?
ÁS:Yo voy a ser como Oscar, me voy a morir trabajando.
RS: Si tuviera que empezar desde cero hoy, ¿cómo lo haría?
ÁS: Apoyándome de las nuevas plataformas, de la tecnología, sin lugar a dudas; pero siendo exigente conmigo mismo y trabajando, igual de arduo, como lo he hecho siempre.
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No es un ritual, es un baile, una caminata inspirada en los colores, en las texturas, en las promesas. De ahí el nombre “Promissus”, corto y en latín, como tienden a caracterizarse sus titulaciones. Su propuesta Spring Summer 22 cuenta la historia de los Diablos Danzantes o “Promeseros”, protagonistas de una costumbre religiosa-cultural venezolana que, como expresa Yenny, parecería no ser nada católica, pero resulta ser bien religiosa. Son personas que a través de máscaras de diablos, representan sus pecados y aclaman perdón haciendo sus promesas a Dios el día de Corpus Cristi.
Es una tradición que tiene más de 400 años en su país y el vínculo con la Iglesia es que en la procesión van los diablos y va el santísimo, como única respuesta. Una red similar a la de pescar, es parte de la vestimenta de uno de los promeseros y eso está muy presente en esta serie exclusiva de diseños. También lo están los pigmentos, las texturas, las mezclas, ese juego de tejidos y movimientos a través de los cuales Yenny siempre prefiere narrar. Como su propósito es llevar historia, hizo tertulia en nuestra Ciudad Colonial, uniéndose a grandes talentos, dos de ellos también venezolanos, para producir una segunda propuesta de campaña, donde sus prendas dialogan abiertamente con las artesanías de Ysabela Molini en Casa Alfarera. Es la primera vez que este lugar se presta para esto, y la primera vez también que se muestra el resultado del editorial fotográfico.
Editorial.
Llevar sus diseños, es vestir las páginas más íntimas de su diario de apuntes. Relatos de su amada Venezuela y lo rico de sus tejidos, rituales y tradiciones, crecen y viven intensamente como historias en cada una de sus colecciones.
Yenny Bastida es la reina del slow fashion, con él celebra la magia y la riqueza del hacer, a su tiempo y con las manos, piezas tan únicas como las artesanas que conforman su equipo, donde hay miembros activas y destacadas hasta de 80 años. Mujeres cabeza de familia y con la misión de mantener viva y latente las técnicas ancestrales de su tierra, conforman un equipo que está haciendo historia. En su más reciente visita al país, cenamos juntas, en un get together organizado por una anfitriona muy especial: Lía Pellerano, y un grupo de mujeres exitosas que, de una forma u otra, han transformado el día a día de la moda en nuestro país. En el encuentro, donde la pasión por el diseño, el arte, la familia, las distintas culturas y la gastronomía afloraron hasta hacerse protagonistas, confirmé que Yenny está pronto alcanzando su segunda década en la moda y que lo hará diseñando desde su país. También, que su fascinación por nuestra Ciudad Colonial y las creaciones de su compatriota, Ysabela Molini, en Casa Alfarera, le habían motivado a, por primera vez, hacer una segunda campaña fotógrafica para una colección, “Promissus”, su propuesta para SS22; y le pedí la exclusiva.
Para usted, ¿qué tan importante es la familia? Lo más lindo que hizo Dios fue la familia. La familia es un tesoro precioso. Hay que sostenerla y protegerla siempre. Dios siempre golpea la puerta de los corazones, le gusta hacerlo, le sale de adentro, lo que más le gusta es golpear la puerta de las familias.
¿Cuál es el llamado del papa Francisco a todas las familias? Llamó a las familias a que prioricen “el perdón sobre la discordia”. “En la familia hay tres palabras que hay que custodiar siempre: ‘permiso’, ‘gracias’, ‘perdón’. En la familia hay dificultades, se discute, a veces vuelan los platos, los hijos traen dolores de cabeza… les sugiero un consejo: nunca terminen el día sin hacer la paz.
Usted habló sobre el año y el encuentro mundial de las familias, ¿en qué consiste? El Año de la Familia es dedicado al lugar de esta en la Iglesia, al acompañamiento a las parejas hacia el matrimonio y a las dificultades de la vida conyugal. El año comenzó el 19 de marzo de 2021, día de San José, y finalizará el 26 de junio de 2022 durante el X Encuentro Mundial de las Familias, en Roma.
Ante la era digital, ¿cómo pueden las familias enfrentar el uso de la tecnología para que no afecte la comunicación familiar? Miren el hogar de José, María y Jesús como ejemplo de buena comunicación, pido que los miembros de las familias de hoy sepan rezar juntos, trabajar juntos y recuperen la comunicación en familia, no como los niños que chatean con el móvil en la mesa y hay un silencio como si fuese el de la misa. Es necesario comunicarse, los padres y los hijos, los abuelos. Comunicarse.
¿Cómo considera usted que las familias puedan lograr estar continuamente en comunión? En la familia se podrá experimentar una comunión sincera cuando sea una casa de oración, cuando los afectos sean serios, profundos, puros, cuando el perdón prevalezca sobre las discordias, cuando la dureza cotidiana del vivir sea suavizada por la ternura mutua y por la serena adhesión a la voluntad de Dios.
Jorge Mario Bergoglio (Papa Francisco), es un sacerdote argentino y el 266.o y actual papa de la Iglesia católica. Durante su juventud, se especializo en Química, Humanidades y Filosofía; antes de entrar en el seminario, trabajó una temporada como técnico químico. Parte de su vida fue profesor de Literatura y Psicología.
Su personalidad es eléctrica, y así son sus carteras: Llenas de relieves, color y texturas que evidencian ese «demasiado nunca es suficiente» con el que siempre crea. Su primera colección salió sin firma, porque la diseñó para una muy amiga suya, que había heredado una fábrica de pieles exóticas en Italia. Esta línea fantástica, cuya etiqueta solo decía «Made in Italy» precisó el lugar donde siempre produciría sus colecciones. También es un recordatorio de ese espacio que, como museo abierto, siempre le invita a profundizar más. Desde 2015 hasta la actualidad, ha presentado 14 propuestas distintas. La más reciente «The Future is Bright», donde los metálicos son protagonistas, trae esa chispa y esperanza como luz inapagable frente a todo momento de adversidad. De la número 15 (primavera-verano 2022), también conversamos mucho y todo es secreto hasta enero. Pero como pista, podríamos decir que, a veces en la vida, la magia está en saberse desdoblar…
Python Patrol
Sus carteras están hechas de la piel que muda la pitón en los criaderos de Indonesia.De hecho, un porcentaje de sus gananciasestán destinados al Fish ^ Wildlife Foundation of Florida y a su programa Python Patrol que capacita a las personas para identificar pitones birmanos, capturarlas de manera segura y reportar adecuadamente todos los datos a la fundación. Es la única marca en Estados Unidos que lleva dentro de sus bolsas exóticas de pitón, esta tarjetita.
FACTS ABOUT BAGS
Actualmente su carteras se producen en siete fábricas, todas en Italia. Es una apuesta de calidad, escenario y equipo de artesanosque comparte con Hermès, Bottega Venetay Ferragamo.
EDITORIAL.
Ella es poseedora indiscutible de una inmensa personalidad, pero su papá y su abuela Carmen son las personas a las que ve reflejadas en su espejo todas las mañanas. El primero definió su carácter, hombre de negocios, trabajador, disciplinado, encantador, fiestero, a quien perdió cuando ella iniciaba la adolescencia, mientras él celebraba la vida y su esencia en una fiesta, bailando, sin saber que en aquella pista se haría eterno. La segunda, su abuelita paterna Carmen, de quien heredó el nombre su hija y a quien le debe la creatividad y esa fascinación por las manualidades, con las que desde entonces aprendió a expresarse. María Ximena Ramírez Franco de Kavalekas es una mezcla de sueños y personalidades, alma inquieta, muy artista, llena de velocidad, energía, historia; tanta, que afirma que cuando necesita inspiración, siempre agenda cita consigo misma. También es muy sociable, y a cada amistad le rinde homenaje con uno de sus bolsos, dentro de los que destaca Caterina, una de las icónicas carteras en forma de cajitas que lanzó como propuesta de su primera colección en 2015. Ximena es ecuatoriana, pero se formó en Londres y en Florencia, en una época de oro donde Valentina Ferragamo y Edgardo Osorio, de Aquazzura, eran compañeros de escenario e ideas, y Gucci, la firma para la que fue Intern. Hoy, desde Miami y con un historial de piezas exhibidas en los escaparates de Bergdorf Goodman, Neiman Marcus, Moda Operandi y Net-A-Porter –solo por nombrar algunos– abrió las puertas de su primera tienda física en Miami District, donde quiere sellar la experiencia de marca, que también promueve en los trunk shows, esos encuentros cálidos y «burbujeantes» con cada amante de sus diseños alrededor de América Latina.
texto Denisse Paradís fotos Cortesía de la entrevistada
A menudo nos metemos en la caja de seguir un sueño y no nos damos cuenta de que podemos tener más de uno. Para Anabella Cordero este no es el caso, pues tiene dos amores de los que vive y con los que ha logrado una hermosa sinergia. La joven santiaguera creció con sus dos pasiones de frente: la arquitectura y el diseño de modas. En estas líneas nos cuenta cómo convergen ambas.
Te conocemos como la diseñadora de la famosa firma de moda Ana+María, pero además eres arquitecta de profesión. ¿Cuándo empiezas a interesarte por cada una de estas áreas?
Desde pequeña me encantaba el arte en general, me encantaba el dibujo (dibujaba retratos), pero sobre todo me apasionaban los dos mundos en los que crecí: por un lado, diseñaba algunas de mis ropas y, por otro, me encantaba diseñar espacios. Recuerdo que al momento de decidirme por cuál carrera estudiar, estaba entre Arquitectura, Urbanismo, Diseño Interior y Moda. Me incliné por la Arquitectura porque entiendo que es la base de estas cuatro profesiones, incluyendo la moda.
Queremos saber cómo convergen tus dos mundos… ¿qué dirías que tienen en común la arquitectura y el diseño de modas?
Trabajo en dos mundos muy diferentes y parecidos a la vez. Mis días se dividen entre construcción y telas, pero a pesar de que cada mundo tiene dinámicas muy diferentes, de alguna manera cada una me ha enseñado cosas que complementan a la otra. La arquitectura me ha enseñado todo lo que sé de diseño en general, a entender cómo se construyen esas ideas y cómo se crea la forma. La moda me ha enseñado muchas cosas, la mayoría en el ámbito empresarial, pero dentro de las más importantes está el valor de trabajar en equipo, sobre todo que me encanta trabajar junto a mi madre y mi hermana.
Eres la arquitecta detrás de Calcalí, uno de los cafés más top de Santiago. ¿Qué otros proyectos arquitectónicos llevan tu firma? Algunos de los proyectos que he realizado recientemente aparte de Calcalí han sido Pain & Chocolate, Neo Clinic (clínica dental), Empanados, la Residencia CC (residencia privada), Showroom ANA + MARÍA SDQ, entre otros.
¿Cuál consideras que es el sello característico que le pones a tus trabajos? Es difícil responder a esta pregunta, mi estilo es muy ANA + MARÍA, muy minimalista, sobrio, armónico. Pero tal vez no todos mis proyectos han reflejado eso, porque dependen mucho de las necesidades del cliente y el tipo de proyecto. Siento que todavía en la arquitectura no he podido desarrollar a ciegas mi propio sello, creo que muchos arquitectos jóvenes me entenderán.
Dentro de la arquitectura, ¿alguien a quien consideres tu mentor o modelo a seguir?
Dos personas que han marcado la forma de ver la vida. Primeramente, mi padre, porque desde pequeña quería diseñar espacios como él. Fue mi inspiración desde mis inicios y me enseñó casi todo lo que sé. Segundo, tuve la dicha de conocer a Paolo Mendes da Rocha –arquitecto que he admirado desde siempre– y me dio no solo consejos de arquitectura, sino de cómo ver la vida.
Y al momento de diseñar ropa, ¿dónde encuentras mayor inspiración?
La arquitectura y el arte, sin lugar a dudas, siempre son una fuente de inspiración. En la tesis de mi maestría estudié sobre el arte escultórico y el arte en la tierra de Chillida, Isamu Noguchi, Richard Serra, para entender la complejidad de la forma el tema del lleno y el vacío. El paisaje y los micro paisajes son una gran fuente de inspiración para mí.
¿Cómo influyen tus conocimientos en arquitectura con tu estilo de diseño de moda?
Rafael Moneo dijo: “Agradezco a la arquitectura porque me ha permitido ver el mundo con sus ojos”. A mí la arquitectura me ha enseñado a ser más sensible, a ver las cosas diferentes, entender las formas, las proporciones, las escalas y composiciones. Muchas de las piezas que he diseñado para A+M son experimentos de formas; me fascina jugar con formas geométricas y estudiar nuevas composiciones.
En definitiva, ¿hacia dónde se inclinan más tus sueños? Pues no sé, siento que no tengo que elegir una u otra, me encanta la arquitectura y me encanta este proyecto que hemos construido mi madre, mi hermana y yo con ANA + MARÍA. Creo que en la vida todo es un balance, ambos mundos son parte de quien soy, así que, por el momento, en los dos.
Sus capturas son poesía. Y cada verso, una danza guiada por la luz, tan natural como traviesa, que le invita a jugar con ella y los elementos que están dentro de un espacio. Él y su cámara son grandes contadores de historias, donde edificaciones, lugares y sujetos, lo visualmente interesante, en una atmósfera muy definida, son el foco perpetuo de su curiosidad.
Otro narrador que respeta es el tiempo, cuyo pasar se evidencia en las texturas y patina, que dan carácter y sentido a la existencia de estos espacios. Cuestionarnos el porqué de su marcado interés por la arquitectura, significaría trasladarnos a aquellos veranos que recuerda con nostalgia, en una casa construida en los años 60, la de su abuela, llena de arcos, persianas francesas, estucos de yeso, pisos de mármol negro y un patio inmenso lleno de flores, donde explorado, escondiéndose en cada rincón, junto a su hermana y sus primos, sin saber que estas experiencias vividas serían las primeras de muchas que construiría alrededor de la arquitectura.
Sobre la fotografía y el origen de su pasión por ella, a pesar de haber sentido atracción por todas las artes visuales desde pequeño, debemos de tener pendiente que esta surgió casi por accidente. Durante la adolescencia, con la edad de 14 años, encontró una cámara point and shoot en casa, y con ella comenzó a fotografiar todo lo que le llamaba la atención. Desde entonces, está sumergido en un estado de exploración personal, donde la cámara es su herramienta favorita para comunicar su forma de ver las cosas. Cada toma es una invitación abierta a un viaje fantástico que nunca concluye, el de descubrir el mundo a través de sus ojos.
Detrás de las páginas de Architectural Digest, una hojeada de interiorismo y paisajismo envolvente que se renueva.
texto Juana Cabrera fotos Fuente externa
Muchos desean la dicha de que sus mayores intereses puedan converger en un mismo quehacer, fortuna de la que ha disfrutado Amy Ashley durante los últimos años, al convertirse en la editora en jefe de Architectural Digest (AD), en 2016, donde ha encontrado diseño, cultura, estilo y entretenimiento.
Astley es conocida de larga data en el mundo editorial, al ser la fundadora de Teen Vogue, lanzada en enero de 2003. Ahora, en el mundo de la comodidad y la estética del hogar, da frescura a una revista estadounidense, de circulación mensual, fundada en 1920, cuyo tema principal es el diseño interior y paisajismo, en lugar de la arquitectura en general.
Su llegada a este destino artístico se da cunado: Anna Wintour, ahora directora artística de Condé Nast, se le acercó con la oportunidad. Había conocido sobre la versatilidad de Astley, y ya habían tenido conversaciones acerca del amor compartido por los jardines y los hogares. Así que le preguntó si estaba interesada, y de eso han pasado cinco años en los que Astley ha ayudado a Architectural Digest a cambiar su imagen con reputación conservadora y rígida, atrayendo a lectores más jóvenes y nuevos, respetando a los devotos de siempre.
Escribió un libro el año pasado, titulado “AD at 100: A Century of Style”, que celebra las mejores casas del siglo pasado.
¡Sumar, sumar!
Parte de lo que ha venido a aportar a este producto editorial es inclusividad y colorido, donde se muestran a más mujeres y elementos de mayor conexión con las distintas audiencias. Además, ha construido y fortalecido la presencia digital de la revista, con un aumento de su plataforma de YouTube a casi 4 millones de suscriptores, en adición al lanzamiento de marcas relacionadas AD Pro, que es un servicio de membresía orientada a la industria del diseño. También, Clever, mediante el que ofrecen consejos para diseñar un espacio reducido.
Asimismo, escribió un libro el año pasado, titulado AD at 100: A Century of Style, que celebra las mejores casas del siglo pasado.
Al hablar para The Cut, explicó que tiene días muy completos y programados, en los que se encuentra muy involucrada en la producción de varios asuntos en AD, como: toda la revista, muchos aspectos de los productos digitales, y de video, como Open Door, que ofrece una mirada en profundidad a las casas únicas de varias celebridades y figuras públicas, y AD Visits.
Enfoque y resultados
Durante la pandemia, tanto Astley como su personal se enfocaron en realizar historias profundas de investigación acerca de la manera en que el diseño marcaba la diferencia, además de entender cómo responder a preguntas relevantes y, como resultado, la revista sí pudo proporcionar soluciones a ciertos problemas reales.
Ha tenido a su cargo algunos de los jardines más hermosos del planeta.
texto Juana Cabrera foto Fuente externa
Adaptarse al gusto del cliente ha sido, en parte, el truco que ha llevado a Madison Cox a ser considerado uno de los mejores paisajistas del mundo, sumando a su trabajo algunos de los jardines más hermosos del planeta; este elemento se añade a su amabilidad característica, sonrisa y buen ojo artístico.
Durante toda su trayectoria ha tenido clientes, como: André Balazs, propietario de una cartera de hoteles en los Estados Unidos y residencias en Nueva York; Marella Agnelli, que fue una aristócrata y coleccionista de arte italiana, e Ian Scharger, creador de Studio 54. Asimismo, Michael Bloomberg, empresario y político estadounidense, excandidato a las elecciones primarias de 2020 en Boston, y Lauren Santo Domingo, excolaboradora de Vogue, expublicista de Carolina Herrera y cofundadora de Moda Operandi, ente otros.
Entre estos también se incluye Pierre Bergé, un empresario de la moda y de la comunicación con quien, además de trabajar, sirvió de proveedor, fue pareja sentimental y hasta heredero. A raíz de su fallecimiento, se convirtió en el presidente de la Fundación Pierre Bergé-Yves Saint-Laurent, y del Jardín Majorelle, en Marrakech.
Primeros pasos: Madison Cox llegó a París a los 20 años para estudiar paisajismo y llegar a ser profesional, cuyo logro alcanzó en la década de los 80′. El evento que lo dio a conocer en toda Europa fue su participación en la Chelsea Flower Show de Londres, que lo condujo a ser el primer norteamericano en mostrar su trabajo en una actividad floral. Más tarde, y tras hacer muy buenas relaciones, su trabajo le dio la vuelta al mundo, siempre distinguido por no imponer patrones.
Fue The Jardin Majorelle, la gran obra que marcó el antes y después en la carrera de Cox. El proyecto, desarrollado en Marrakech, fue encargado por Yves Saint Laurent, propietario del jardín desde 1980.
Funcionalidad y respeto. La forma de trabajar de este artista californiano, que ha llegado a sus sesenta, es la de tratar de entender el gusto del cliente y, aunque no lo comparta, buscar la forma más elegante de que funcione. Su estilo es tradicional, a pesar de que evita excesos de simetrías y le gusta mezclar diversas plantas. Sus diseños son de matices discretos, en donde el color y la armonía impregnan una majestuosidad en los distintos espacios que interviene. Entre los trabajos del también llamado el “jardinero de los millonarios”, por tener una larga lista de celebridades como clientes, figura la construcción de un jardín con huerto en la azotea de Jennifer Bartlett, en Greenwich Village; a este también le incluyó un laberinto y una rosaleda, obra para la que necesitó 42 toneladas de tierra.
Cox no para en su camino por embellecer los exteriores de los gustos más exigentes. Su último trabajo es el jardín del Hotel Epi 1959, considerada una magnífica elección en Ramatuelle, Francia, con encantador ambiente, así como numerosos servicios pensados para estancias de ensueño.
Conserva su estudio en Nueva York, desde donde gestiona los proyectos paisajistas de su firma personal, y donde sigue atendiendo exclusivos pedidos de jardinería en Asia, Estados Unidos y Europa, más que nada.
Cortes argentinos y una exquisita comida mexicana tradicional conforman la propuesta gastronómica de Sylvestre Polanco; un lugar exclusivo reconocido por su atmósfera única y especial. Ubicado en Polanco, Ciudad de México, el restaurante abrió sus puertas en 2015. Su nombre se inspira en la novela El crimen de Sylvestre Bonnard, pues la calle donde se localiza lleva el nombre del autor de esta obra.
Viéndolo desde fuera, lo que se visualiza es una casona chic de estilo neorrústico, con decoraciones en concreto, de esas que son propias de la arquitectura de Polanco. Una escalera de doble rampa con perfil barroco y ornamentación rococó da paso hacia el interior del restaurante; y allí, en medio de una romántica iluminación y pisos de mosaicos, es donde los comensales pueden disfrutar de un ambiente cautivador, con asientos al aire libre y todas las atenciones que definen una experiencia agradable. Aparte de su sede principal en Polanco, también están ubicados en Santa Fe, Jalisco, Interlomas y Pedregal, lo cual da más opciones si de quiere disfrutar de los principales atractivos de México bonito: la buena comida.
Su trayectoria profesional está marcada por dos titanes de la industria: Anna Wintour y Carolina Herrera. Con ambas trabajó en New York, en la época dorada de la moda, cuando todo se concentraba en la Gran Manzana. Con la primera, como editora de moda de Vogue USA. Con la segunda, como publicista. De ellas, heredó el punto de partida constante a la hora de vestir: la creación de «el uniforme». «Ambas confiaron en un uniforme: Anna con sus vestidos florales y collares característicos, mientras que Carolina lucía fabulosas joyas con su camisa blanca. No llevan una ropa poderosa para confundirte. Son accesibles y fáciles de identificar por la forma en que se vestían todos los días. Yo trato de hacer lo mismo».
Khaite y Martin Grant, como Valentino u Oscar de la Renta, son sus marcas de cabecera. Pero también, captan mucho su atención los emergentes. Su estilo mantiene un coherente equilibrio entre lo clásico y lo que es tendencia, siempre y cuando no lo sienta muy intimidante. La Kate Moss de1998, en el Festival de Cine de Cannes, puede –en ocasiones– ser musa. Porque como precisa, verla tan sofisticada, a pesar de lo ‘salvaje’ que era su vida en el momento, cristalizó el poder transformador de la moda para ella. Por tanto, en el armario de Lauren no es extraño encontrar prendas con carácter, distintas, ligeramente arriesgadas, a sabiendas de que siempre las hará ver elegantes.
Editorial.
Princesa de un país sin monarquía, según Vogue España y reina de la sociedad neoyorquina, por méritos propios. Más allá de los epítetos reales, Lauren Santo Domingo es pieza imprescindible del engranaje de la industria de la moda estadounidense. Trabajó en Vogue USA y fue publicista de Carolina Herrera. Es fundadora y directora de un exclusivo templo online del lujo: Moda Operandi y propietaria, junto a su esposo, el heredero colombiano, Andrés Santo Domingo, de una colección de arte de amplitud y belleza exorbitante. Él está en la junta directiva del lugar de arte de la ciudad de Nueva York, The Shed, y Lauren es una habitual en ferias de arte y avances de subastas. Esta sensibilidad artística quizás le despertó desde muy joven, en Greenwich, Connecticut, cuando de pequeña veía a su madre convertirse en artista aficionada. Fue la misma que le llevó a matricularse en Historia, en la Universidad de Southern California. “Para gran desilusión de mi padre (gran empresario), desplacé mi atención de los negocios hacia la historia. Me acerqué al estudio de las sociedades y las culturas de los períodos más decadentes: la Antigua Roma, el Japón feudal, la Restauración inglesa, Versalles, la Rusia zarista, la Carolina del Sur de entreguerras. Me causaban una fascinación inmensa. Y aunque se podría pensar que estas cosas tienen poca relación con lo que hago, yo creo que el concepto de ‘lujo’ ha cambiado muy poco a lo largo del tiempo. ¿O me equivoco?”.
El 2015 marcó un antes y un después en su carrera, la portada en Malibú con Kim Kardashian para Vogue Brasil ya estaba en los quioscos, y su nombre como estilista había llegado a todos los medios de su país natal, Venezuela, y del resto del mundo. Ella es de personalidad chispeante y tiene un don increíble para conectar con las personas. De hecho, su crecimiento como profesional, llegando a ocupar posiciones importantes en Condé Nast International y Hola! USA, como editora de moda, se lo atribuye a esta capacidad de crear relaciones, que viene desde sus abuelos: “Cada miembro de mi familia es la persona más carismática que conozco. Desde chiquita, me modelaron lo que es la buena actitud, tratar a la gente bien, estar contento, rodearte de buena energía y hacer lo mismo para los demás. Ellos representan toda la moda y el entretenimiento para mí, porque la base de ambas es siempre la personalidad». En el 2011 llegó a Boston para estudiar periodismo, persiguiendo su sueño de niña de ser presentadora de noticias de CNN. En el proceso, lo transformó en entretenimiento y moda, estudiando una segunda carrera en Fashion Merchandising en NY. Sobre inspiración, Carmen Miranda, Tropicana en Cuba y las misses de los 60, 70 y 80 son sus íconos, y el sello de sus estilismos y producciones, porque representan ese escándalo que siente que toda mujer debe provocar cuando entra a un salón. Su misión dentro de la industria es transformar la percepción de la moda, empezando por lo que conoció primero: Venezuela, donde hace consultoría a marcas que están listas para una visión más global. En su primera visita al país, para fines laborales (RDFW, a.k.a en un Zoom una semana antes) nos compartió más de 9 Facts sobre ella.
9 (well, 11) Facts About: Claudia Torres Rondón
1.Tengo un lado bastante introvertido, aunque parezca todo lo contrario. También soy súper penosa, todo me da vergüenza, a menos que tenga 10 aguardientes encima.
2. Soy bailarina profesional de danza árabe. Llevo practicándola desde los 10 años. Me llegué a presentar varias veces, de niña, en México y Chile.
3.De chiquita era Emo. Cuando tenía 15 era gótica loca, escuchaba metal, no me perdía un concierto. Y gracias a esa fase soy lo que soy ahorita, porque me abrió hacia el mundo y me hizo más consciente e integral sobre mis gustos.
4.Soy la fan número del mundo de Bad Bunny. Safaera es mi canción favorita. Soy fan del reggaetón viejo.
5.No me gusta el queso, lo odio.
6.Últimamente, me he dado cuenta de que mi sueño frustrado siempre ha sido ser diseñadora de modas, y ese sueño de tener mi propia marca de moda, va.
7.Me sé todas las coreografías de Michael Jackson.
8. Soy aficionada del baseball, bascketball y tennis. Soy un niño when it comes to baseball. Desde chiquita, siempre me llevaban al estadio, entonces todo lo que tiene que ver con este deporte, lo sé.
9.De haber trabajado con tantos artistas, como Jlo, Kanye West, Kim Kardashian, Becky G y Eva Longoria, entre otras, la única persona que me ha hecho sentir starstruck, que me dio ataque de pánico y no podía respirar, ha sido Daddy Yankee. No te puedo explicar.
10. Tengo un minor en Ciencia Forense y no sé para qué, porque veo sangre y me muero.
11.Soy tremenda Match-Maker. No sabes cuántas parejas he hecho yo. Los junto y quedan forever and ever.
QUICK QUESTIONS
Primera persona a la que hiciste estilismo en la vida: Olivia Palermo y recuerdo que la pasé a buscar a su casa.
Otras celebridades: Tina Fey, Eva Longoria y Camila Coelho.
Si pudieras ser un animal, ¿cuál serias?: Un jaguar.
Role Model: Oprah.
Celebrity crush: Bad Bunny.
Una persona que tehubiera gustado conocer: Celia Cruz.
Algo que nunca podrías hacer en la vida: Hacerme la víctima.
Plato favorito en el mundo: Pabellón Criollo, el plato típico de Venezuela.
Una canción que puedes escuchar todo el día:Aguanile, de Héctor Lavoe.
Text or call? OMG, call me.
Talento oculto: Soy sumamente intuitiva.
Un mentor: Mi amigo y compatriota, David Gómez Villamediana. Él, como estilista y editor, me introdujo a Glamour Spain y a las semanas de la moda más importantes. Hizo todo porque aprendiera y creciera. Le estaré eternamente agradecida.
La primera vez que viniste a República Dominicana: El viaje de graduación del colegio, en 2009.
¿Cómo te gusta el café? No me gusta el café.
La mayor influencia de tu vida: Mi mami.
¿Qué fue lo último que aprendiste a cocinar? Ceviche.
De todos los lugares donde has vivido, ¿cuál consideras tu casa? Si uno aprende a estar en paz, cualquier lugar es tu casa.
¿Cuáles derechos y propósitos te duelen? Me duele mucho lo que está pasando en mi país. A nivel político y social, y el tema del aborto, las leyes que salieron en Texas. Pero Venezuela me duele mucho.
¿Cómo recuerdas Venezuela? En la que crecí, ya no existe, pero la recuerdo como lo más.
¿De quién o qué eres fan? De las personas inmensamente seguras de sí mismas.
¿Te casarías algún día? Claro que sí, vamos a ver qué tal me va con el prospecto.
Algo que siempre jugabas de niña:
A experimentos de laboratorio.
Una tendencia: La ropa cómoda.
Una religión: Soy más espiritual.
Alguien que te mueras por vestir: Rihanna
Si esta entrevista fuera con cocteles, ¿cuál estarías tomando?: Un vodka soda con dos limones. Me encanta.
Algo del shoot con Kim Kardashian que nadie sepa: Hay muchas cosas pero, que me enteré un día antes y que su única condición eran los looks de Balmain en la sesión, y cuando iba en el avión hacía Malibú, que veo un anuncio de la marca en una revista, recordé que había dejado justo la caja de Balmain en casa. Me quería morir y la sesión fue un poco caótica, pero el resultado fue increíble.
Una de las colecciones de arte más grandes y variadas del mundo.
texto Daniela Cruz Gil fotos Fuente Externa
Al entrar al Louvre, la mayoría sube y apura el paso por los pasillos que lo llevarán a la Sala de los Estados, donde la enorme fila le dirá que está cerca de apreciar en persona a La Monalisa, Gioconda o El Retrato de Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo (nombre oficial). Pero hay mucho más arte antes y después de la pieza de Leonardo da Vinci.
1. Venus de Milo. La escultura sin brazos de la diosa cautiva en la Sala de Antigüedades. Al Louvre llegó en 1821 y toma su nombre de la isla griega donde fue hallada un año antes.
2. La Victoria de Samotracia. Junto a La Gioconda y La Venus de Milo es considerada una de las tres grandes damas del museo parisino. Esta escultura griega, alada pero sin cabeza, engalana la famosa escalera Daru (otra pieza griega) desde 1883.
3. Las bodas de Caná. En la misma Sala de los Estados cuelga esta pintura monumental de 677 x 994 cm, obra de Paolo Caliari, conocido como “El Veronés”. La pieza es representativa del arte veneciano y fue realizada alrededor de 1563.
4. La coronación de Napoleón. En una de las salas rojas cuelga esta pieza del francés Jacques-Louis David (1807). El lienzo de gran tamaño puede apreciarse en todo su esplendor mientras Beyoncé danza en el video Apeshit, filmado en el mismo Louvre.
5. La Libertad guiando al pueblo. La vinculación histórica con Francia en este óleo sobre tela de Eugène Delacroix es notable en el uso de los colores de la bandera francesa, además de crearse en 1830, durante las revueltas contra el rey Carlos X.
6. Retrato de una mujer negra. Este óleo sobre tela destaca por dos razones: realizado por una mujer, Marie-Guillemine Benoist, tiene como motivo a otra mujer; y su realización está fechada 6 años después de la abolición de la esclavitud en Francia.
7. La Virgen de Van Eyck. Del autor del célebre El matrimonio Arnolfini, el Louvre posee a La Virgen del canciller Rolin (nombre oficial), un óleo sobre madera de 1435, perteneciente a la Escuela de Flandes.
El Louvre es una antigua residencia real francesa. El palacio se divide en tres alas: Richelieu, Sully y Denon, imposibles de recorrer en una sola visita.
La tecnología poco a poco se va apoderando de la mayoría de las cosas que nos rodean. Y es que, actualmente, en nuestro entorno, gustos, necesidades y demás están a un click de distancia. La simpleza de tenerlo todo en un dispositivo tan fácil de llevar ha hecho que el mundo se rinda a sus pies y todo lo que nos rodea se adapte a su formato.
Como siempre, estamos en constante cambio y evolución, y más ahora en una era donde todo va detrás de la tecnología, no es sorpresa alguna que ya hasta el mundo del arte en general quiera seguir la tendencia. Para poder mantener los estándares de las necesidades y facilidades del ser humano, las artes se enfocan en una app sumamente exclusiva.
“Artsy”, nombre con el que se identifica la aplicación, se ha convertido en una plataforma más allá de lo esperado. A través de ella, todo lo relacionado a las artes que tienes a tu alcance es inimaginable, sobre todo para aquellos aficionados y coleccionistas que es muy probable que ya la tengan descargada. Lo interesante e innovador es que ha podido incluir todo lo del mundo artístico y cultural en un una modalidad de uso fácil y lo más importante: de conexión a nivel mundial.
La aplicación te da la oportunidad de conocer las propuestas de artistas emergentes, ya reconocidos, vender arte y comprar. También tiene la capacidad de ponerte en contacto con los mismos artistas y conocer de sus proyectos y futuras obras. Desde subastas hasta salas de visualización virtual, son de las muchas opciones que esta app tiene para ofrecer. De igual manera, también tiene alternativas para aquellos que simplemente prefieren disfrutar del arte de una manera distinta, como una larga lista de museos sin importar su categoría, calendario de exibiciones, ferias e incluso hasta muestras de arte donde el usuario puede ubicar la ciudad que le sea más cercana y asistir.
El Director Ejecutivo del Metropolitan Museum of Art se formó en Historia del Arte y Administración de Empresas en la Universidad de Viena, la ciudad natal del historiador austriaco de 52 años.
texto Denisse Paradís fotos Fuente Externa
Hay casos en los que vemos la trayectoria de una persona y simplemente no podemos imaginarnos a alguien más desempeñando el puesto que ocupan, Max Hollein es justamente eso para el Metropolitan Museum of Art (MET). Fue nombrado Director de la prestigiosa institución en abril del 2018 y, desde entonces, ha marcado un antes y un después en más de un aspecto de su historia.
Entre sus responsabilidades está guiar la visión artística del Museo Metropolitano de Arte y todas sus iniciativas de programación, investigación y colección. Es quien supervisa cada departamento del MET, sus exhibiciones, actividades educativas y de divulgación pública, proyectos digitales, publicaciones, imagen y diseño. Como vemos, una dirección multidisciplinaria requerida por uno de los museos más grandes y arraigados del mundo.
Escalando hacia el MET
Hollein se formó en Historia del Arte y Administración de Empresas en la Universidad de Viena, la ciudad natal del historiador austriaco de 52 años.
Bajo su manga tiene más de 20 años de experiencia en la dirección de museos. Empezó su carrera trabajando en el periódico Der Standard y, luego de culminar sus estudios, se mudó a New York. Allí ocupó el cargo de director de proyectos de exposiciones en el Museo Solomon R. Guggenheim. Años después, dirigió simultáneamente el Schirn Kunsthalle, el Städel Museum y el Liebieghaus en Frankfurt, Alemania, como director y CEO. Posteriormente se convirtió en director de dos museos de San Francisco: el De Young y el Legion of Honor. También fue director y CEO del Museo de Bellas Artes de San Francisco.
Aparte de esto, Hollein ha organizado importantes exposiciones de arte moderno y contemporáneo. Pertenece a los consejos de supervisión y asesoría de las principales instituciones culturales de todo el mundo, y fue nombrado Caballero de la Ordre des Arts et des Lettres por el Ministro de Cultura francés en el 2009, entre otros reconocimientos.
Todo esto, en conjunto con su impecable reputación en cada proyecto que lideraba, lo calificó de manera excepcional para su nombramiento en el Museo Metropolitano de Arte en 2018.
Su visión inclusiva e innovadora
Las instituciones que Max Hollein ha dirigido tienen algo en común: todas experimentan un crecimiento importante y una mayor asistencia durante su mandato. Esto se debe a la programación visionaria, adquisiciones pioneras y rigurosa gestión fiscal que tiene como marca el historiador en su trabajo.
En un artículo del New York Times se habla de su énfasis en las múltiples formas de ver el arte, y de su determinación de romper las fronteras entre los departamentos tradicionalmente aislados del museo. Un ejemplo de esto es que, tras varias iniciativas, ha ampliado la definición de arte contemporáneo para incluir obras de todo el mundo en dicho espacio.
Para Hollein, el tener una de las colecciones más grandes implica la obligación de contextualizarla con respecto a las narrativas que proporciona. “Quiero asegurarme de que no sea solo una voz, sino múltiples voces”, dijo en una entrevista, poniendo en evidencia su deseo de avanzar, de manera proactiva, hacia una presentación más inclusiva de la historia del arte, en todos sus períodos.
No es sorpresa que hoy, a tan solo tres años de iniciar su mandato, sea aclamado por ser la definición de “un director del siglo XXI’’. Más que la enorme responsabilidad que tiene entre manos, son su visión revolucionaria, su perspectiva audaz y su don para innovar y transformar lo que lo convierten en un grande. Tal como dijo Darren Walker, presidente de la Fundación Ford, Max Hollein personifica un nuevo día para el Metropolitan Museum of Art.
¿Qué tipo de temperamento se necesita para ser curador? Solo se necesita tener claro que uno existe debido a los artistas y no al revés.
¿Por qué dices que la curaduría es como hacer ficción? Porque se crea un argumento, de cierto modo arbitrario: uno pone en escena, como decía Harald Szeemann, sus propias obsesiones. Concebir el guión de una exposición es análogo a hacer el guión de una película. Una exposición es un ensayo visual que se da por la interacción entre las obras, el público y el espacio que los contiene.
¿Cómo inicias tu abordaje curatorial en relación a los artistas que participan en tus proyectos? Yo siempre tiendo a mezclar artistas que conozco bien con algunos otros que no conozco. Siento que el arte y la curaduría es una conversación de mucho tiempo. Hay artistas con los que llevo años conversando y siempre hacemos cosas diferentes, o algunos otros con los que aún no he tenido oportunidad de colaborar. No desisto. Algún día se dará la oportunidad, pienso que no hay que forzar las cosas.
Háblenos un poco sobre Flora
Flora comenzó como un sitio independiente para generar investigación artística, para nutrir proyectos desde la relación entre Arte y Naturaleza. Es un tema que me ha interesado por años y, cuando decidí abrir este sitio, concentré mis esfuerzos en generar un espacio con un tópico que me permitiera brindar apoyo a nuevos curadores y nuevos artistas. El inicio fue una casa de recreo en Honda (Colombia) con un espacio de residencia para un artista. Aún mantenemos esa parte del proyecto mediante un convenio con la Casa del Lago (espacio expositivo de la UNAM, ubicado en el Bosque de Chapultepec, en la Ciudad de México).
¿Cuál es su percepción sobre el arte contemporáneo dominicano?
En el arte contemporáneo dominicano se hace evidente una labor comunicativa e informativa. Las propuestas son más sofisticadas y están mucho más sintonizadas con lo que está pasando en el mundo. Sin embargo, creo que todavía falta mucho, porque yo pienso que las escenas locales se vuelven más potentes cuando hay más de una escena.
En Colombia, hace unos años, había una escena de arte contemporáneo, ahora hay muchas y hay públicos diferentes. Es allí cuando la cosa se sofistica, se vuelve más vital, más profunda, más densa. Pienso que esa densidad todavía le falta a la escena dominicana.
Pero es una cuestión de persistencia, nada se logra rápidamente. Tiene que ser un proceso donde a una iniciativa se le sumen otras, se modernice (por ejemplo) el Premio Nacional que hace el Museo de Arte Moderno, aparezcan espacios independientes, haya galerías que se la jueguen por arte que no sea solo pintura… La conjunción de todos estos diferentes elementos creará una escena mucho más potente e interesante.
JOSÉ ROCA. Curador y director artístico tanto de profesión como de pasión, el colombiano José Roca tiene una trayectoria impecable y un intelecto que lo ha llevado a trabajar en escenarios alrededor del mundo. Actualmente dirige FLORA ars+natura, un espacio de creación contemporánea en Bogotá. Al mismo tiempo, es curador general de la 23° edición de la Bienal de Sydney, titulada Rīvus, que se celebrará en el 2022. En Latinoamérica, ha curado numerosas exposiciones y proyectos, entre los cuales está el 26° Concurso de Arte Eduardo León Jimenes, realizado por el Centro León en Santiago de los Caballeros. A través de estas líneas podemos adentrarnos un poco en su manera de consumir el arte y la percepción que tiene sobre la escena contemporánea en nuestro país.
1 – ¿Qué significó este tiempo fuera de los focos de la industria, que estuviste haciendo y que aprendiste de ti?Por decisión propia luego de diez años ininterrumpidos de presentar 2 o 4 colecciones distintas al año (Black Tie, zapatos, accesorios, ropa deportiva Etc.) Y en el 2019 me tome la libertad de darme una pausa y descansar del ritmo que llevaba y seguir buscando inspiración en distintos destinos del mundo. Lo que no esperaba es que fueran dos años porque luego llego la pandemia y el mundo se paralizó.
Independientemente de ello no pare de diseñar y crear todo el tiempo. Para ser sincero no me hizo falta en lo absoluto el no recibir aplausos y estar bajo los reflectores. En el verano del 2020 durante la pandemia salió en todos los Hipermercados Jumbo del país mi primera colección «Mondino Resort by Jose Jhan» y una vez más gracias al apoyo del consumidor local esa propuesta fue todo un éxito. Tenía mis miedos porque la ropa no era una necesidad o prioridad durante la pandemia pero gracias a Dios y seguir caminando con los ojos de la FE todo fue un éxito total y la colección fue vendida por completo.
Seguido de esta propuesta luego presente mi colección «POLANCO» una colección inspirada en el hombre que acompañaría a la mujer diseñada, creada y conceptualizada por nuestro orgullo dominicano en la moda, Jenny Polanco. Esta colección fue presentada en formato de cortometraje en el cine.
Durante la pandemia aprendi que todo miedo, adversidad o dolor se puede transformar en algo positivo, que se puede seguir adelante sin engavetar las ideas o la creatividad es mi manera de hacer que lo que me deprima se convierta en una obra de arte que me motiva e inspira.
2 – ¿Cómo será este regreso a las pasarelas para Jose Jhan? Estoy super emocionado por múltiples razones primero como te comenté luego de dos años sin vivir esta adrenalina que genera este en el backstage con los modelos, maquilladores, peluqueros, fotógrafos me crea unos aleteos en el estomago y mucha emoción. Segundo estaré por primera vez en el marco del RD Fashion Week y tercero mostraré «POLANCO» presencial una de mis colecciónes más especiales en lo profesional y en lo personal. Tengo las emociones a flor de piel.
3 – ¿Te has convertido en el diseñador de los novios, ¿Qué significa diseñar para un hombre en ese gran día, y que es inspiración en ese momento, es decir, las novias quieren ser únicas, como se logra este efecto en los novios también? Yo solo soy una gota de agua en un mar de talento que crece cada día en la moda hecha en República Dominicana. Sólo sigo el ejemplo de hacer las cosas bien y con pasión para seguir creciendo en este arte de la creación de hacer moda masculina. El compromiso que tenemos mi equipo y firma de diseño sobre los hombros cada vez vez tenemos que realizar uno de estos trajes para un día tan especial es de mucha responsabilidad. Hoy día los caballeros se preocupan tanto o más que la mismas novia para el día de sus bodas. La confianza que depositan ciegamente no sólo los novios también los padres y hermanos es simplemente el resultado de una cosecha que se siembra y realizada día a día, puntada a puntada.
4 – ¿Qué significó para ti haber diseñado para Jhonny Ventura, en aquella gala navideña justo antes de la pandemia? Yo diría que cada traje realizado es como hijo para un padre. Ahora bien, existen algunos que se convierten en trajes muy especiales y pasan a formar parte de las paginas de mi biografía profesional como esta Etiqueta Tropical realizada para nuestro «Caballo Mayor»Jhonny Ventura. Para son inolvidable los días en los que el vino a mi estudio de diseño para las medidas, selección de las telas y luego para la prueba del traje. Su energía, su sonrisa y su actitud positiva se quedaba impregnada en cada rincón de mi estudio. Ya luego verlo bailar con sus particulares pasos y cantar con el traje durante las fotos fue uno de los momentos más especiales que me haya regalo este don tan especial con el que Dios me ha bendecido con este arte de la creación de hacer moda.
5 – Hablanos sobre Moda Jumbo, y la colección especial que has venido trabajando exclusivamente para ellos? Con CCNJumbo tengo una relación muy especial no solo de negocios si no más bien de amistad. Lo que vienen realizando con el apoyo a la moda local a través de su programa «Orgullo De Mi Tierra» es una de las plataformas más importantes que se realiza en República Dominicana para el crecimiento de la industria de la moda y que al mismo tiempo nos permite llegar a un público más masivo.
6 – ¿Qué materiales e historia hay detrás? Para esta colección trabajamos con algodones, linos, gabardina y telas impermeables. Es una colección no sólo para el mercado masculino ya que por primera vez realizó algunas piezas para el mercado femenino, dos trajes de baños y un camisón blanco y también algunas piezas para niños.
Una vez más regresamos a vestir de sonrisas la moda local a través de esta nueva colección que nos invita a disfrutar de «Un Verano Eterno». La alegría vuelve a ser punto de partida para otra de mis colecciones. Después de ser parte de lo que aún estamos viviendo desde el pasado año (2020) con la situación del COVID19 y poder haber aportar dentro de tanta adversidad, angustia y pérdidas una dosis de alegrías con la primera colección «Mondino by Jose Jhan», «Resort 2020» con mensajes como, «Sonriele a la vida» y «Siempre feliz y sonriente» regreso con la segunda colección para Moda Jumbo que mantiene la misma temática y dirección de la primera propuesta.
7 – ¿Cómo mantienes el «Happy and Smiling» en este nuevo proyecto? El año pasado positiva y negativamente me enseñó bastante en lo personal y en lo profesional. Me hizo entender que VIVIMOS el ahora y que solo se queda lo que sembramos en las personas. Te puedo confesar que estoy en paranoia inversa, creo que el mundo conspira para hacerme mas feliz cada dia ja, ja, ja, ja, cuando uno decide olvidar las adversidades se renace del dolor y TODO ES MUCHO MEJOR.. Con esta nueva colección una vez más sumo mi granito de arena invitando a que se sumen a VESTIR SONRISAS.
8 – ¿Datos actualizados sobre ti, ¿Qué está en carpeta para tu vida personal y profesional justo ahora? La vida me enseña cada día que debemos seguir adelante poniendo nuestra FE en acción en todo. Yo soy un agradecido de Dios por el don con el que Él me ha bautizado de poder crear y diseñar. Actualmente estoy trabajando en mi próxima propuesta de firma que es la continuidad de mi colección del 2012 titulada «Come Fly With Me 1920 – 1930» de la que realizaremos las fotos de la campaña en la La Habana, Cuba en los primeros meses del 2022 y para el verano Dios mediante, presentare mi segunda colección de zapatos realizados en España. En lo personal simplemente dejar que la vida misma me sorprenda… Disfrutar un día a la vez pero todos los días con nuevos y especiales retos y proyectos.
Latinoamérica tiene algo mágico cuando se trata de joyas y creaciones: una rica herencia de técnicas ancestrales, una cultura inspiradora, piedras y metales preciosos y un talento que da pasos elegantemente agigantados.
Curado por Natalia Nachón fotos Cortesía de las diseñadoras
Mónica Varela
República Dominicana
Mónica Varela homenajea a las piedras preciosas de su país: el ámbar y larimar. Es una diseñadora que mira más allá de lo convencional. Su pasión por el arte de la joyería proviene de más de una década después de un cautivador encuentro con colores vibrantes escondidos dentro de los cables eléctricos de las calles. Impresionada por esta noción abstracta, puso en movimiento su arte en evolución y diseñó su primera colección. Al crecer con el famoso artista y padre Fernando Varela, estuvo ligada a un entorno artístico que inevitablemente desarrolló su buen ojo para los detalles. La aspiración de Mónica de lograr el arte en técnicas innovadoras de joyería comenzó ya en su adolescencia. Luego, profundizó en el futuro de la tecnología impresa en 3D cuando asistió al IED (Istituto Europeo di Design en Milán), y se autoinductó para refinar su experiencia con un título en joyería de la SCAD (Savannah College of Art and Design). El arte excéntrico de Mónica infunde una mezcla elevada de técnicas tradicionales de joyería, elementos impresos en 3D y detalles microscópicos.
Mónica Sordo
Venezuela
Ella es una exploradora: su inspiración nace del movimiento, ya sea viajando a lugares desconocidos o de las regiones botánicas más ricas de Venezuela. Joyería hecha a mano en Perú por una venezolana. Mónica se ha enfocado en crear piezas sin límite de tiempo, pues encajan en cualquier época de la vida. Sus diseños definen con perfección el término statement pues, además de ser chunky, no pierden la sensibilidad del buen gusto para el buscador de ropa artística más exigente. La búsqueda interior de Mónica Sordo es crear piezas llamativas que no pesen, sino que complementen a las mujeres con una presencia opulenta.
Felina
México
Mariana Estrada y Antonieta Fernández fundaron FELINA en el 2012, como un proyecto personal para expresar su creatividad y amor por la belleza. Cada pieza es confeccionada a mano por orfebres y joyeros que supervisan cuidadosamente hasta el último detalle para darle un acabado impecable a cada pieza. Felina estableció una estética reconocible con líneas nítidas y piezas de alto impacto. A través de accesorios atemporales, la marca se aleja de convertirse en una tendencia pasajera desde el lanzamiento de la primera colección.
Sara Beltrán
From here and there
Inspirada por sus viajes, y su amor y respeto por el océano, la nativa de El Paso, Texas, comenzó a hacer joyas para sí misma antes de expandir su oficio y crear su propia línea. Fundada en el 2006 por Sara Beltrán, Dezso es un destino de diseños extraordinarios y singulares, desde lo cotidiano hasta lo excepcional, capturando la belleza natural de una manera elevada y artesanal, con técnicas del viejo mundo y diseños originales. Cada pieza está bellamente hecha a mano con materiales preciosos y semipreciosos que han sido seleccionados a mano por la propia Sara, quien divide su tiempo entre casas en Nueva York, México y Jaipur, India, inspirándose en cada una. Trabaja principalmente con oro de 18k, algo de plata y una variedad de piedras que ha tallado especialmente para cada pieza. Como diseñadora, gravita hacia los elementos naturales, incluidos los diamantes polki, los fósiles y los dientes de tiburón. No hay dos piezas iguales.
Samantha Tams & Estefania Lacayo, Fundadoras del Latin American Fashion Summit
entrevista Natalia Nachón fotografía Fernándo y Victor estilismo Giovanna Vásquez Podestá maquillaje Bryan Santana y Zoranlly Flores peinado Elvira Sepúlveda diseñadores Ana + María, Rosa Boga, Maylé Vásquez, Isla & White y Mónica Varela agradecimientos Ignacio Peñalver, Casas del XVI y Lia Pellerano
“Cuando un director de una revista de moda en Europa o Estados Unidos, está buscando prints de marcas de alrededor del mundo, la pregunta que nos hacen es: “Who does beautiful prints in Latin America?” Nunca nos han preguntado, que quien hace beautiful prints en Colombia, o en Santo Domingo. Esa pregunta jamás nos la han hecho. Entonces, si así es la pregunta, ¿no haría sentido que nosotros que estamos dentro también lo comenzáramos a ver de esa manera?”
Estefanía Lacayo y Samantha Tams, nicaragüense y mexicana, socias y cuñadas, comparten un gran sueño desde el 2018, el deseo de que América Latina sea una sola en términos de moda. Lo materializan desde entonces en el Latin American Fashion Summit, una plataforma de empoderamiento, creación de redes y desarrollo empresarial para diseñadores y emprendedores de la región. Tras la misión de inspirar a la investigación intelectual, fomentar el intercambio de ideas, impulsar la innovación y proporcionar instrumentos para guiar a diseñadores y emprendedores en la dirección correcta, reúnen lo mejor del diseño y la moda cada año, en un punto distinto de Latinoamérica. Durante su visita al país como parte del LAFS TOUR, para conocer diseñadores y nuevos talentos, nos encontramos en la Casa de los Vitrales, en la Ciudad Colonial, para conversar sobre orígenes y contrastes, conocer las personas detrás del evento y de ellas mismas, y todos los detalles de preparación de la cuarta edición de LAFS que será en Miami, el próximo marzo.
RS: ¿Cómo se conocen ustedes y qué estaba pasando en sus vidas hasta que el destino las encontró?
Estefanía Lacayo:Sammy y yo nos conocimos hace como unos 15 años, cuando yo trabajaba como consultora de varios diseñadores. Nos conocimos porque ella era Buyer Designer Manager de Saks México y yo, en ese momento, era consultora para muchas tiendas y muchos diseñadores de moda e hice un proyecto con Saks de Private Label. Además, una muy amiga mía, que trabajaba con ella, era común y, bueno, empezó una amistad. Después, Sammy empezó a salir con mi hermanito y, bueno, después se casaron y el resto es historia. Así que Sammy también es mi cuñada, yo soy madrina de sus hijos. Sí, “It’s on the family”. Pero, for the record, la conocí antes que mi hermano.
Pero, antes de conocer a Sammy, partí de mi país, Nicaragua, a los 17 años, para estudiar Mercadeo de Moda, en Boston. Me inicié en el mundo laboral trabajando en Vogue US, ahí hice todas mis pasantías y trabajé unos 10 meses después de graduarme, hasta que me di cuenta de que quería entrar al mundo del Buying. En ese momento, tenía la visión de que yo creía que el futuro iba a ser online. Estamos hablando del 2002, y solo existían dos plataformas online en el mundo de luxury: Net-A-Porter, que acababa de empezar, y estaba una en NY que era divina, que se llamama Vivre, que era un catálogo de lujo y vendía Oscar de la Renta, Cucinelli, que fueron los primeros en llevar Louis Vuitton a USA. Amaba lo que la fundadora hacía y me fui a trabajar con ella. Incié como Assistant Buyer y ya después me volví Accesories Buyer y PPRR Director de la compañía. Me volví amiga de muchos diseñadores de moda. Siete años después de estar ahí, muchos de mis amigos estaban yéndose de las casas que diseñaban para empezar sus colecciones. Todos decidimos irnos juntos, cada quien empezó su propia compañía, con la idea de ayudarnos y apoyarnos todos entre todos. Yo me fui con 11 clientes, con la idea de hacer consultoría, de ayudarles a levantar dinero con inversionistas y posicionar sus marcas. Fue en esa etapa de mi vida que conocí a Sammy.
Samantha Tams: Nací en México y estudié en Europa, en Londres y en París la carrera de Diplomacia, porque pensé que iba a ser embajadora. Siempre me interesaron mucho los idiomas, las diferentes culturas, de hecho, soy muy nómada, me mudo cada tres años aproximadamente y me fascina. Yo he vivido en Londres, París, Ecuador, Orlando, México y mañana, si nos dicen: “váyanse a vivir a Chile”, me voy feliz. Entonces, desde hace mucho, siempre he sido como ciudadana del mundo. Cuando regresé de estudiar, como te tienes que preparar mucho para este puesto de embajador, y el gobierno te tiene que “appoint”, en lo que me preparaba para ese examen, un amigo me dice: “Oye, aquí van a abrir Sacks Fith Avenue. A ti siempre te ha interesado la moda, ¿por qué no aplicas?”. Y la verdad es que a mí siempre me había interesado la moda. Cuando era Fashion Week, iba a ver a las editoras de moda salir de los Fashions Shows, y era como “OMG! ¡Anna Wintour, Franca Sozzani!”, pero de eso a dedicarme a la moda, pues no lo veía.
De todos modos, llegué a Saks sin saber a lo que estaba aplicando, porque nunca me había puesto a pensar en cómo llegaba la ropa a la tienda. Me dieron el puesto de asistente de compras de zapatos y bolsos y lo tomé. Fue uno de mis primeros trabajos y ahí es cuando empezó mi carrera en la industria de la moda, sin saberlo, sin quererlo, sin buscarlo, pero me empezó a encantar. Saks abrió en abril del 2007. Yo era muy mala con los números. En la escuela reprobaba las matemáticas, me aseguré de estudiar algo que no tuviera nada que ver con matemáticas y, cuando llegué al puesto de compras, lo primero que me dijeron es: “Esto es muchas matemáticas, muchos números, calcular descuentos etc”. Pensé que no me iba a gustar, pero después empecé a entender la ciencia detrás de esto y a crecer muy rápido. Me hicieron Junior Buyer de accesorios y a los 4 años me hicieron Senior Buyer de tres categorías: emergent designers, joyería y soft accesories, que son lentes y bolsos. Y ahí fue donde conocí a Estefanía, en el 2008, de manera muy profesional, ella en NY y yo le compraba algunas colecciones, y los diseños con private labels, para Saks. Y luego ya una amiga que teníamos en común, que trabajaba conmigo pero había estudiado con Estefanía era nuestro link de contacto. Nos veíamos en París, NY, para los Fashion Week, pero en tono muy profesional. Después llegó a vivir su hermano a México, y esa amiga en común me lo presentó y comenzamos a salir y nos terminamos casando 4 años después. Y, bueno, desde entonces, Estefanía y yo también somos cuñadas.
“Queremos que la joven diseñadora que recién emprende su proyecto en algún punto del Latinoamérica tenga el mismo acceso a grandes contactos y orientación que cualquier gran nombre de la industria”
RS: ¿Cuándo decides irte de Vivre, qué tenías en mente Estefanía?
Estefanía Lacayo: Me fui con la idea de hacer consultoría pero también, tres años después, en 2010, decido levantar capital con muchísimos accionistas y empecé mi propia compañía que se llamaba Edition 01. Consistía en hacer colaboraciones entre diseñadores de moda muy reconocidos con el partnership con un pintor, cantante, athletic wear, el concepto era vender todo en una página web y todo se vendía en limited edition. Pero llegó un momento donde tenía muchos temas personales y difíciles, y no se pudo manejar la compañía. Hoy en día, ese fracaso se ha vuelto de los momentos que han marcado más mi vida, porque solo si lo has vivido, el perder tanto capital y un sueño que tanto tenías, y haber conquistado tantas empresas mundialmente, me tomó tiempo. Me sentía como un fracaso y me retiré un tiempo de escena. Dejé el mundo profesional 100% por 3 años y me dediqué a sueños familiares, decidí tener hijos y me dediqué a ellos, y era muy feliz siendo madre, una etapa totalmente nueva para mí, pero sentía un vacío porque en mi ADN siempre ha estado lo de ser súper emprendedora.
RS: ¿A quién se le ocurre la idea y el nombre de este Summit?
Estefanía Lacayo:Había estado fuera del mundo profesional por tres años, después de lo de Edition 01, y quería regresar con un propósito pero no tenia ni idea de lo que la industria quería porque estaba cambiando muchísimo. Entonces estaba en Aspen, y tuve la oportunidad de ir a un evento, un Summit, conferencia, que se llamaba “Ideas Festivals”, donde escuchas a personas como Bill Gates, The Obamas y Warren Buffett, como change makers del mundo. Y de repente me dije: “Wow, ¿cómo no puede haber un concepto como esto para la moda, y en este caso, para la moda Latinoamericana?”. Cuatro semanas semanas después, yo estoy de vacaciones en Nicaragua con mi familia, le comento a Sammy que tengo esta idea y me dice “hagámoslo juntas” y el resto es historia. Esto fue en Verano de 2017. En Octubre fui a Paris ya a empezar a reunirme con marcas y un año después, ya estábamos con la primera edición de LAFS en la Riviera Maya. La industria en América Latina buscaba un espacio así, una plataforma que los uniera, que no fuera una moda dominicana, una moda colombiana, una moda mexicana, sino una moda latinoamericana, y no hay duda de que cuando nos unimos somos mucho más fuertes.
Samantha Tams:Odio que mi esposo dice que a él se le ocurrió el nombre de Latin American Fashion Summit y si lo mencionas en esta entrevista va a ser su máximo pero mentira, creo que no se le ocurrió a él, creo que fue una lluvia de ideas. Pues sí, evidentemente teníamos que mencionar el nombre “Latinoamerica” y era obvio “Fashion”, incluso en algún momento comenzamos a pensar, porque tampoco queríamos que esto se fuera a encasillar a nada más en la moda, y evidentemente es una plataforma que apoya todo el ecosistema de la moda, pero poco a poco vemos que es arte, arquitectura, diseño e interiores, de mueble, entonces decíamos que no queríamos que nos encasillaran en una sola categoría y hoy por hoy le dicen LAFS no Latin American Fashion Summit, entonces es lo lindo tener esa libertad.
RS: ¿Cómo dividen y converge lo que trae cada una a la mesa?
Samantha Tams:Creo que somos un equipo que nos complementamos súper bien, que contrasta y se balancea muchísimo. En el sentido de que Estefanía es una persona creativa, yo soy más una persona logística y operativa. Creo que yo también al estar basada en Latinoamérica pues tengo una apertura un poquito más a la realidad y Estefanía también al estar basada en los Estados Unidos es como “hasta aquí tenemos que ir”, entonces es como ese balance nos lleva a estar siempre aterrizados pero siempre con la visión hacia delante. Las funciones son completamente diferentes. Mi rol del día a día es más como estar supervisando las operaciones de alguna actividad, estar vendiendo sponsorships, organizar la logística, nuestros concursos, pop up stores etc.
Estefanía Lacayo:Sammy y yo tenemos dos componentes claves en como trabaja LAFS, la mayor parte de veces la ejecución viene de Sammy y las ideas de mí. Entonces no importa a quien se le ocurrió, porque no se hubiese ejecutado. Usualmente cuando estoy dormida se me ocurren cosas loquísimas, y en los momentos más inesperados y cuando me despierto la llamo y le digo. Como soy muy perseverante y ella súper operativa y organizada lo ponemos en marcha muy rápido. Soy muy afotunada de tener un equipo tan bueno, porque es un balance donde soy feliz. Obtenemos muy buenos resultados. Somos el match adecuado. Veo algo y al instante visualizado el proyecto, es un don y es una gran dicha tener a Sammy para poder ejecutarlo tan rápido. Yo voy fluyendo, hablando y ella pone todo eso en un papel, le da seguimiento a eso, y yo ya voy pensando en la próxima idea. Trabajo mucho el concepto creativo, el contenido para talleres, redes sociales, podcast, paneles, todo lo que es operaciones, lo hace Sammy. Yo no estoy copiada a sus correos, ella solo me cuenta. Tienes que encontrar a la persona que es buena en lo que no eres buena. Cuando tienes la humildad de aceptar en lo que no eres buena, ahí viene el éxito.
RS: Tribu y Pitch to LAFS, son algunos de los tantas pruebas de la evolución y crecimiento que ha tenido el proyecto desde la primera edición, compártenos un poco de historia sobre cada uno y cual otro proyecto se está gestando, quizás para esta edición de marzo?
Estefanía Lacayo:Pitch to LAFS nace el mismo día que nace LAFS, porque sabíamos que una de las misiones que queríamos era resaltar ese talento que estaba listo para dar el salto pero no había tenido la oportunidad ni acceso a aquellos líderes para hacerlo. Decidimos hacer una competencia tipo Shark Tank, donde 10 diseñadores presentan su proyecto y sabíamos que ni Samantha, ni yo ni el equipo de LAFS teníamos que ser jueces, porque como humanos, con el tiempo, nos vamos enamorando de los proyectos y eso podía parcializarnos. Cuando lo analizamos mejor, dimos con la idea de que estas marcas necesitan acceso a grandes opiniones, es decir la del director de la compañía de una tienda grande como buyer, la del editor de moda, la del consultor de moda que trae los ojos de negocio, a otros diseñadores que han alcanzo el éxito, inversionistas, son diferentes perfiles que ven la marca con diferentes ojos. Entonces sabíamos que habría que hacer cosas distintas a Shark Tank, que no podían ser 3 jueces, sino de 15 a 20. Aquí no es perder o ganar, el punto es darte acceso a estas 3 horas con estos jueces. Al momento que pones pie en ese salón, ya ganaste porque por defecto, ya todas estas personas conocen de ti, de tu marca, de tu existencia, de tu visión, y ganaste los contactos.
En cuanto a evolución o transformaciones, en términos de categorías para finalistas, hemos evolucionado. En la primera edición solo habían 10 finalistas y se aplicaba a ready to wear y accesories, pero aplicaban como un premio y ahora por la cantidad de aplicaciones y el crecimiento ya hay 3 premios: diseñador de ropa, accesorios (joyas, carteras y zapatos) e impacto social, en este último no tiene que ser un producto, puede ser un proyecto de gran impacto en tu comunidad que está vinculado de alguna manera con la moda.
Tribu, por otro lado, nace en marzo del año pasado. Lo lanzamos como respuesta a una necesidad de conexión que notábamos cada vez que terminamos LAFS. Muchos de nuestros speakers o buyers, empezaban a escribirnos: “Conocí a esta persona en el baño que tiene una fábrica de licras en Colombia, ¿será que me la pueden presentar?”, y nosotras como que no sabemos pero déjanos buscar en base de datos a ver a quien conocemos, y compartirte algunos contactos. Cada vez eran más las situaciones como esta en el post evento, y lo hacíamos porque la misión de LAFS es empoderar. Entonces creamos una plataforma digital donde los miembros de la industria se conecten entre ellos y hagan negocio entre ellos. Tenes LinkedIn, Instagram, pero son demasiado masivas, a veces no sabés donde buscar, o quizás no son tan profesionales, así que creamos Tribu como un LinkedIn especializado, donde encuentras diseñadores, maquillistas, estilistas, y puedes hacer grandes cosas. La plataforma te dice quien de la industria está cerca de ti, de modo que si tienes un evento, puedes ver quienes están cerca de ti y le podes compartir la invitación. Creo que cuando salgamos de pandemia ese componente va a ser muy popular. Eso y el Library, donde cada contenido que hemos generado: webinars, roundtables, MasterClass, etc, todos viven ahí sin límite de tiempo y actualmente es únicamente gratuito para los miembros de esta aplicación que está tanto para teléfono como para Desktop.
RS: Estefanía, ¿Quién eres fuera de los reflectores, en casa, y cómo es un día a día en tu vida el resto del año, cuando no está ocurriendo LAFS?
EL:Una mamá como cualquier otra, luchando día a día para que mis hijos se laven los dientes, coman saludable y se vistan. Soy sumamente casera y tal vez no todo mundo sabe esto de mí. Creo que ya tuve esa etapa en mi vida en la cual salí mucho, fui a todos los Fashion Weeks de Europa, y ya me lo quité del sistema. Hoy soy muy selectiva a lo que digo que sí de ir, porque tengo como prioridad a mi familia. Si me pones a seleccionar entre ver una película con mis hijos o ir a una fiesta más linda y glamorosa, 100% escojo a mis hijos porque ya hice lo otro por 10-15 años. Los únicos momentos donde sí tengo vida social, es para salir en pareja con amigos o en familia, o para ir a conocer a emprendedores en la industria de la moda: Diseñadores, editores, estilistas que quiero que sean parte de nuestra comunidad. En eso sí hago “el esfuerzo”, y es lo que me saca de mi casa. Como ahorita, que vinimos a República Dominicana, porque es parte de mi misión, por lo que me levanto todos los días. Eso siempre lo hago feliz de la vida.
RS: Samantha, dices que eres nómada pero, ¿existe algún lugar o momento en el mundo donde te pudieras quedar para siempre?
ST: Hmmm, no. Ahorita soy una persona que vive feliz en el momento, y ahorita soy muy feliz en donde estoy que es Mérida, Yucatán. Soy feliz en donde estoy por el momento, con mis hijas, en una casa y una comunidad muy linda, llena de naturaleza, de mucha historia, ahorita te pudiera decir que feliz me quedaría en Mérida, pero sé que mi espíritu nómada en un momento pudiera cambiar de opinión.
RS: Estefanía, ¿Qué significó para ti crear sueños fuera de Nicaragua, y qué es lo que más extrañas y amas de tu país?
EL:Extraño mi familia, es lo que más extraño. Extraño también a un Nicaragua con democracia. Quisiera ver de vuelta un país donde todos podamos ser libres de hacer lo que queramos, esto me da mucha tristeza. Y sobre soñar, sabes que nunca me he puesto a pensar en lo que ha sido emprender fuera de mi país porque yo lo veo como emprender y punto. Pasa que cuando estudié, New York era la capital de la moda en el mundo. Entonces sabía que si quería hacer carrera en la moda, debía de ser allí. El momento en que puse un pie allá, a los 18 años, estaba clarísima de que iba a vivir ahí, y que lo haría por muchísimo tiempo. Estuve 20 años. Nunca regresé a mi país, quizás no por falta de oportunidades allá, sino porque tenia una ambición y una aspiración de crear una carrera grande en la moda y sabía que la moda estaba en NY. Entonces nunca lo vi como que fuera “fuera de mi país”, sino como que era en NY, no era opción ninguna otra ciudad del mundo. Nueva York es un lugar muy especial para mí. Mi esposo y yo también nos conocimos ahí, tuvimos a nuestros hijos ahí y ahí estuvimos hasta hace un año que durante la pandemia tomamos la decisión de irnos a vivir a Miami.
RS: Samantha, ¿De quién heredas tu pasión por la moda? ¿Crees que alguna de tus hijas siga tus pasos en la industria?
ST:Curiosamente yo noheredo la pasión de la moda por mis papás. Mis papás, no tuve esa influencia en casa. Una tia mía, mi madrina, siempre le gustó la moda, hace unos vestidos espectaculares, y siempre me hizo mis vestidos para mi Primera Comunión, graduaciones, todo. Quizás ella es lo más cercano a mi inspiración. Y creo que de mis hijas, Emilia es la que más pudiera heredar algo de mi gusto o mi amor por la moda. Ella desde ya considera que trabaja en LAFS y a eso juega.
RS: Samantha, ¿Cómo mantienes lo mexicana en ti, sin importar donde estés?
EL:Esa es una muy buena pregunta. Diría que mi cultura, mi comida mi idioma, siempre están conmigo.
RS: La primera edición de LAFS fue justamente en México, ¿Qué significó esto para ti Samantha y qué aprendizaje te ha dejado cada una de las 3 ediciones de LAFS?
ST:Pues a mí me dio muchísimo orgullo que la primera edición de LAFS se haya llevado a cabo en mi país. Fue nuestro primer año, entonces, evidentemente, fue un año retador, de mucho aprendizaje, un año de poner la plataforma en alto, crear credibilidad con los sponsors, etc. Pero me dio muchísimo orgullo poder hacerlo en México. Creo que fue un punto estratégico en ese año, precisamente porque fue en la Riviera Maya y fue un punto de encuentro fácil para todos. Me dio muchísimo gusto poder mostrar lo que era mi país, sus atenciones, sus playas. Fue increíble. De aprendizaje, cada una de las tres ediciones de LAFS me ha dejado, pues que la comunidad que hemos construido año tras año se vuelve cada vez más fuerte, más unida, más colaboradora. Y me encanta ver todo lo que sale después de la plataforma, y todas las conexiones que se generan y todos los proyectos tan increíbles que se derivan del LAFS. Cuando la gente nos dice: “Ah, es que hice eso gracias a LAFS”, o “conocí a tal personal gracias a LAFS”, es invaluable para nosotros.
RS: ¿Cómo es el proceso de curaduría para los diseñadores que están cada año, y quién da el sí o el no definitivo?
EL:Tenemos curaduría en el Pitch, en los paneles y en lo que compartimos en redes sociales. Para participar en el Pitch, sos aceptado por diferentes aspectos: modelo de negocio, PPRR, calidad, equipo, qué tan listo estás para dar el próximo salto, etc. Y también en el contenido que hacemos para redes sociales. Ahí trabajo muy de cerca con Camila y María, que son content editor y community manager de la marca, y son varios principios los que nos gustan resalar. Uno es que sea un producto original, si tiene un tema de sustentabilidad que puede ser a través de trabajo con artesanos, o algún material que utilice, hay más chance de enamorarnos. Ha sido grato ver que casi todas las marcas de LATAM trabajan ya con slow fashion, trabajan con las comunidades de sus países. A nosotros no nos importa si el producto está empezando y tiene solo dos followers en social media. Si nos gusta, vamos a resaltarlo. Otra curaduría es la que está detrás de los speakers. Este contenido se trabaja basado en muchas cosas: lo que esta pasando en el año en la industria de la moda, lo que nuestra comunidad nos está diciendo. Parte de esto, que se llama el LAFS TOUR, que es lo que hicimos ahora con República Dominicana, que es cuando viajamos a varios países y hacemos eventos más pequeños para conocer a estos emprendedores, nos dan mucha información para saber qué es lo que quieren escuchar. Los cambios propios de la industria, como el año pasado que todas las marcas latinas que no tenían website, salían a crear uno, entonces era clave que los expertos hablaran bastante sobre este tema. También la inclusividad y diversidad en la moda, el darle oportunidades a minorías en tiendas, fue otro gran tema, todo basado en noticias del mundo.
RS: En una plataforma inclusiva que une a Latinoamérica pero con speakers y mentores de todas partes del mundo, ¿Cómo manejan la comunicación, es decir, la selección del idioma?
ST: Manejamos mucho spanglish. Hay español y hay ingles, pero la mayoría de los speakers son en ingles. Por dos motivos: uno que la mayoría son americanos o europeas, entonces muchos de estos grandes de la industria, no hablan español. Y dos, está el factor Brasil, que siempre estamos excluyendo y son parte de la región. Esta edición es nuestra primer gran acercamiento a Brasil, con Francisco Costa, Camila Coelho, pero no ha sido fácil. De todos modos, también hay paneles e historias muy inspiradoras, que son casos de éxito, como el de Carolina Herrera, que hay que hablarlos en español. Tenemos una compañía de traductores que es súper increíble, swipe up, descargas la aplicación a tu Iphone, y si no sabes el idioma que se está hablando en el momento, hay unos traductores en distintos puntos del mundo, traduciendo el panel a tiempo real, supe head tecnology nosotros (risas).
Otro punto importante también son las con discapacidades, entonces tenemos siempre personas en el evento que brindan un soporte más personalizado. El año antepasado, que fue en Colombia, teníamos una sordomuda en nuestro público y luchamos con el gobierno de Colombia para que nos ayudara a conseguir a alguien que pudiera comunicarle absolutamente todo, y así fue, la volamos a Cartagena para que pudiera darle ayuda.
RS: ¿En qué consiste la parte logística de LAFS y cuál es ese tras bambalinas que nadie se imagina de todo esto?
ST: ¡Uff! todo mundo cree que somos una empresa gigante, que somos súper bien establecida, con 20,000 personas que trabajan en nuestro equipo, y la realidad es que somos también un start up. Llevamos cuatro años, somos un equipo súper chiquito, somos dos mujeres emprendedoras, mamás de niños pequeñitos, que día a día nos ponemos varios sombreros, desde la de marketing, legal, finanzas, ventas…como que somos todólogas como cualquier emprendedor en sus etapas iniciales. El tras bambalinas de LAFS es un proyecto que está creciendo a una velocidad tan rápida que nunca nos damos a basto. Siempre tenemos millones de cosas de nuestro To Do List, porque somos un equipo chiquito y el proyecto da para muchas cosas. Entonces es bastante difícil llevar a cabo día a día, cuando también estamos en una etapa inicial, y no tenemos la capacidad todavía para contratar a mil personas, aunque nos encantaría tenerlas a las 1,000 trabajando para nosotros porque pudiéramos delegar muchísimas más cosas.
EL:Yo creo que la gente cree que ha sido más fácil. Pero hemos tenido más no que sí. La gente hoy en día ve LAFS y dice: “Wow, en cuatro años como han crecido”, y la verdad que sí, porque tuvimos un factor de suerte que fue el timing, porque lo hicimos en un momento donde el mundo quería empezar a unirse y había mucho talento en la región pero no había una plataforma que los uniera. Pero a pesar de que sí, que tuvimos esa ventaja, la gente no creería cuando les cuento que cuando empezamos el apoyo fue de Europa y Estados Unidos, no de América Latina. Hoy sí tenemos apoyo del sector privado de la región pero al principio era muy difícil, era distinta la reacción, era más lo que algunas veces es nuestra cultura, de dudar sobre nosotros mismos y el tema de no apoyarnos entre nosotros hasta que vemos que el de afuera nos está apoyando. Y ahora esa realidad la hemos hecho parte de la misión de esta plataforma: el inspirar y dar esa oportunidad a marcas de su propio país. Aun así casi el 91% de nuestros sponsors son compañías norteamericanas y europeas.
RS: ¿Qué tiene que tener una marca para ser LAFS approved?
ST:Para mí lo más importante de un diseñador o una marca es que tenga un ADN fuerte. Que sus diseños o su marca tengan ese sello que solo esa marca debería de ser, no aspirar a ser como alguien más sino aspirar a ser alguien único en una industria de la moda tan saturada como la tenemos hoy en día, resaltar, tener una propuesta de valor diferente es muy importante. Luego, me encantan los diseñadores que incorporan prácticas sustentables, así como los que también incorporan elementos artesanales o de herencia cultural dentro de sus marcas.
RS: ¿A quién quisieran ver en las pasarelas de LAFS que no hayan visto todavía?
ST: Uy no, pues hay muchísimos que me encantaría tener en el escenario de LAFS. Sería increíble poder ver a una Maria Grazia Chiuri de Dior, sería lo máximo.
RS: ¿Por qué Miami para post-pandemia?
EL:Porque sentíamos que a un speaker le iba a dar más seguridad venir a Miami que a cualquier lugar de Latinoamérica, porque en Miami puedo hacer un mejor trabajo para tener exámenes de COVID en cada entrada, antes de que entren a cada espacio. Creo que, en ese sentido, ha estado más avanzado, y yo necesito darle esa seguridad a mi comunidad. También ahorita, que estamos viviendo una pandemia, es mucho más difícil viajar a ciertos lugares porque muchas líneas áreas han cambiado o cancelado vuelos, entonces Miami te da la flexibilidad de que hay vuelos directos desde todas partes del mundo, desde prácticamente todos los países de Latinoamérica. También, influyó el golpe económico para todos los emprendedores en el mundo entero y hacerlo a Miami nos permite ayudar a la gente, de forma indirecta, con sus gastos, porque todo mundo tiene a alguien que viva allá, donde se pueda quedar durante LAFS. Obviamente para nosotros hacer el evento en Latinoamérica es importantísimo porque para nosotros es demostrar al resto del mundo esos lugares mágicos de la región, y esperamos poder retomarlo pronto.
RS: La edición de este año estaba pautada para noviembre, ¿Qué les motivó a mover fechas hasta marzo?
Estefanía Lacayo: Ahorita el Delta ha subido mucho por la apertura de los colegios en todos los Estados Unidos, en especial Miami, y no nos sentimos cómodas poniendo en riesgo a absolutamente a nadie de nuestra comunidad. La decisión fue por el bienestar de nuestra comunidad. La tomamos junto con todos nuestros sponsors y speakers. Sentimos que lo adecuado es mandar un mensaje correcto y sentimos que no pasa nada con mover la fecha 5 meses más adelante. Todos los spondors estaban 100% de acuerdo que era la decisión correcta. Yo creo que todo pasa por algo. La nueva fecha del evento es de marzo 14 al 16.
RS: Durante su visita a Santo Domingo, ¿qué fue lo que más les impresionó?
ST: La cultura, ver cómo la industria de la moda, a pesar de ser una industria pequeñita, colabora mucho. Hay cosas muy especiales e individuales, hay mucha herencia cultural y el dominicano está muy orgulloso de su historia y de sus raíces.
EL: Me impresionaron muchísimas cosas. Yo sabía que había talento en República Dominicana, conocía de algunas marcas pero no la cantidad de marcas con tanto talento que conocí. Yo siempre he tenido muchos amigos de República Dominicana pero regresar me recordó mucho la razón por la que me caen bien, y es la actitud positiva de la gente, las ganas de seguir adelante, la alegría, me encantó ver eso y el apoyo de una marca con otra. Cuando tuve la oportunidad de visitar Indómita, me encantó porque muchas de estas marcas no las conocía, y fue súper lindo ver las personas detrás. Eso en la parte de moda. En la parte de ciudad, yo solo conocía la Romana y Punta Cana, y me enamoré de la comida y de la Ciudad Colonial. Le platicaba a una persona, que cuando fui a la Ciudad Colonial tuve esa misma sensación que tuve cuando fui a Israel, que es como que me transformó. Cuando vas al lugar donde fue el primer juicio de las Américas, es muy impactante. A nivel de historia y de arquitectura, es un país muy rico.
RS: ¿Algún diseñador o diseño dominicano que les haya sorprendido?
ST: Me fascinó Ana María Store, y bueno Isla & White ha sido uno de nuestros
finalistas de Pitch to LAFS entonces me encanta como trabajan e Indómita
me pareció espectacular el proyecto también.
EL:Nunca me gusta contestar estas preguntas porque no lo veo justo para todo el talento que conocí. Te diré que en realidad me encantaron todos, porque si me gustaba uno por el diseño, el otro por su actitud tan positiva, o por su historia de que lleva 20 años luchando en la industria o el otro por la persona detrás. Me encantó todo lo que conocí.
RS: ¿Cuánto aumentaron las probabilidades de celebrar LAFS pronto en la Ciudad Colonial?
EL: ¡Son súper altas! A nivel personal, nos enamoramos de la ciudad y de su gente. Creo que Lía, como embajadora de LAFS, hizo un trabajo impecable, nos hizo el mejor tour del mundo, ella es tan inclusiva. Pero para LAFS hay muchos factores que tienen que pasar antes de que tomemos la decisión: necesitamos el apoyo del gobierno, de la alcaldía, porque hay muchos permisos que vamos a necesitar. Se tienen que cerrar calles, necesitamos más policías, queremos hacer los eventos en los lugares más históricos, y para todo esto se necesitan permisos. Hay muchas cosas que tienen que pasar, pero nos encantaría. Sobre todo para que cuando se piense en este país no solo venga a la mente sus playas sino que se piense también en la historia tan bella que tiene esta ciudad.
RS: Si pudiéramos viajar 10 años adelante, ¿Cómo estaríamos viviendo el Latin American Fashion Summit? y ¿Cómo las estaríamos viendo a ustedes?
ST:Bueno, 10 años en adelante me encantaría que pudiéramos ser un conglomerado muchísimo mayor de presencia en todos los países de Latinoamérica. Eso es algo que hemos estado haciendo poco a poquito, pero pues con un penetración más importante en Brasil, en Argentina, en el Cono Sur principalmente. Me encantaría llevar al evento al extranjero, es decir, a Europa. Organizar algo y realmente tener presencia de diseño latinoamericano fuera de Latinoamérica. Y a mí…espero que ya me vean mucho más, con un apoyo mucho más contundente en cuestión de equipo y evidentemente con muchísimos planes, porque la plataforma da para muchas cosas. Estamos planeando hacer un consejo y, evidentemente, Tribu es un App de networking que tiene mucho para donde crecer, incluso una incubadora de talentos.
EL: Al Summit, como una plataforma todavía más grande, evolucionando con más componentes como Pitch y Tribu. Me encantaría ver más personas unidas a la comunidad, más eventos durante el año. Queremos también ver más lo que es Home y aspiro a que más plataformas parecidas a nuestra visión se hayan unido a nosotros, que colaboremos todos. Sueño porque algún día pase esto. A mí, a los 50 años (risas). Dios mío. Sabes que siempre tengo esa ambición de tener un fondo de inversiones para proyectos en moda, no solo diseñadores. Yo estoy constantemente viendo proyectos tan interesantes y diseñadores con tanto talento, que me llaman mucho la atención y que creo que tienen potencial de crecimiento más grande. Así que me gustaría, en 10 años, haber lanzado ese fondo de inversiones para poder apoyarlos con su primera inversión económica, y poder volverme business partner de ellos. Yo creo que mi propósito en la vida es conectar, y si puedo seguir haciéndolo por los próximos 10 años, estaría completa.
CONFESIONESESTEFANIA LACAYO
Nombre completo: Estefanía Lacayo Padilla Si tu vida fuera una pasarela,
¿Cuál sería?: Una pasarela donde hubiera presencia de un diseñador por país de
América Latina, a donde podamos vernos todos unidos y agarrados de las manos.
Con sus banderas, con sus tradiciones, y todos sintiéndose súper orgullosos de
estar representando a su país. Defínenos tu closet en tres palabras: Te lo
definoen una: clásico pero con un pequeño edge. App preferida: Tribu by LAFS.
Una foto que no puedas borrar del móvil: Bueno, no borro nada pero
definitivamente las fotos de mis hijos no las borraría nunca. Un pasatiempo: Me
encanta escuchar Podcast. Una amiga: No es justo, porque tengo tantas. Lo que sí
te puedo decir es que tengo tres etapas de amigas, mis amigas de la infancia, mis
amigas de la universidad, y las amigas que me trajo la vida por mi carrera, lo que
son mis 20 años en NY. Y soy cercana y en constante comunicación con las tres
etapas. Marca favorita: Si quiero salir a una fiesta, me encanta Johanna Ortiz,
para blusas me fascinan las de Silvia Tcherassi, para pantalones me encantan
algunas marcas italianas, vestidos de baño Maygel Coronel… Lo más fácil y lo más
difícil de emprender: Lo más fácil es que estás haciendo lo que te apasiona. Lo
más difícil es no tener salario y no sabes si todo el trabajo y sacrificio va a llegar a
algo. Un sueño por cumplir: Tener mi propia compañía de inversiones y aprender
francés. Samantha en tus palabras: Organizada y metódica. Lo que LAFS
significa para ti: Unión.
CONFESIONES SAMANTHA TAMS
Un color: Negro Un diseño: Latinoamericano Una cultura: Mexicana, peruana y
colombiana Una gastronomía: Japonesa Una tendencia: Las sandalias, los flats,
que ya no haya tacones. Un diseñador: Phoebe Philo Una canción que escuches
con frecuencia: When we were Young de Adele Un poeta o escritor: Milán
Kundera Una persona en el mundo: tengo dos, mis hijas ¿A quién admiras?: A
muchísimas personas Un pet peeve: Tambien tengo muchísimos, que mis hijas
dejen tirada la ropa en el piso Un pasatiempo: Viajar Una mascota: No tengo, soy
alérgica a los animales Estefania en tus palabras: Creativa Lo que LAFS
significa para ti: El proyecto profesional más grande de mi vida.
Sus colecciones son viajes personales y culturales. Ella busca restablecer el equilibrio entre los símbolos, las historias y el mundo. Esta firma tiene impregnado un estilo muy particular, que refleja esa herencia multicultural de inmigrantes árabes y del Caribe Colombiano, lleno de colores brillantes que tanto definen a su diseñadora.
Cada cartera es el resultado de un juego creativo de siluetas geométricas y la sensualidad bohemia propia de una verdadera mujer caribeña. Michelle Daccarett Bojanini ha dedicado su marca a las almas más extrovertidas y vibrantes, esas que siempre persiguen lo diferente para complementar sus atuendos. Con ella también resalta a las más trabajadoras, que conquistan sueños a base de fe y esfuerzo, ya que después de hacer, tallar y pintar a mano los bolsos en su taller, cada uno es tejido por una artesana, que también es madre y cabeza de familia.
Editorial.
El origen, la historia y vivencias detrás de cada pieza y las tantas manos que intervienen en un diseño hasta que se hace realidad, son hoy los verdaderos y grandes protagonistas de los escaparates latinoamericanos. La artesanía es, cada vez más, sinónimo de lujo y carta de presentación de un poderoso tesoro cultural. En esta práctica, Colombia es un gran ejemplo, con una entidad muy interesante: Artesanías de Colombia, cuya meta, desde su fundación en 1964, es la de ampliar la oferta de turismo cultural, incrementando y fortaleciendo la participación de los artesanos en el sector productivo nacional, logrando un desarrollo integral y sostenido que se proyecte en el mejoramiento de sus niveles de vida. Además, persiguen que se refleje, tanto en un índice creciente de ingresos y espacios de participación social, como en una mayor productividad y posicionamiento de la artesanía en los mercados locales, regionales, nacionales e internacionales. Es un proyecto que hoy también cuenta con una amplia plataforma y tienda digital, y laboratorios de innovación, presentes desde el Amazonas hasta Chocó. Es su manera de verdaderamente rendir el más hermoso tributo a la herencia y preservación de sus técnicas ancestrales. Es una visión que se ha contagiado, y diseñadores independientes, como Michelle Daccarett Bojanini, la comparten. Con su línea de bolsos, hechos de roble y tallados, pintados y tejidos por artesanos de su país, promueve la singularidad del hecho a mano. La que se encuentra en esas pequeñas diferencias de tamaño y color en la fabricación, y las convierte, más que en accesorios, en piezas de arte únicas.
Fernando Botero, artista formidable y comprometido
texto: Marianne de Tolentino fotos: fuente externa
Escultura, pintura o dibujo, una obra de Fernando Botero es inconfundible. No hay en América Latina y probablemente en el planeta un maestro de la plástica como él, inmediatamente identificable por los elementos de su creación. Ese sello y esa originalidad causan un impacto tal que llegan a desconcertar. Los espectadores, en su casi totalidad, se sienten impresionados por la corpulencia de los personajes y su carácter monumental, por su estética de la gordura y su “suntuosa abundancia”- según la llamó Mario Vargas Llosa -.
Sin embargo, no siempre saben qué pensar al respecto, incluyendo a los críticos que han escrito tanto y no siempre tan atinadamente acerca de su obra.
No obstante, pocos artistas se han expresado, con la misma franqueza y precisión, comentando sus obras, presentes y anteriores, ante incontables entrevistadores que indagaban la índole –sino el secreto- de aquella combinación de realismo y distorsión de la figura, de clasicismo reencontrado y de modernidad única. Sus palabras suenan como un juicio certero, una sentencia valiente o una verdad incontrovertible: hay que citar a Fernando Botero, sus afirmaciones, su firmeza, su sinceridad.
Fernando Botero nunca dejó de ser un artista singular y audaz, formidable y comprometido –aunque esta palabra no le agrade…-. Erigir la monumentalidad y lo rechoncho en normas para la plástica, lanzar una mirada burlona a todos los reinos de la naturaleza, alternar –cuando no mezclar- realidades y mitos, santos y demonios en la pintura, borrar a partir del volumen las fronteras entre segunda y tercera dimensión, significa una decisión, inquebrantable y permanente, de más de medio siglo, cuales sean los modelos y las fuentes de inspiración.
La bifurcación temática, tan consecuente, en sus obras sobre la violencia que hubo en Colombia no puede sorprender. Fernando Botero se sintió moral, emocional e intelectualmente obligado: el dolor de Colombia debía expresarse, él lo expresó. Ahora bien, pinturas al óleo, dibujos, diferentes técnicas y materiales despliegan no solamente un arte testimonial de fuerza excepcional, ellos traducen el amor entrañable por Colombia y su pueblo –omnipresente hoy como ayer-.
La indignación del artista, su rechazo de miedos y crímenes –también hubo la serie de Abu Ghraib e Irak-, con la esperanza de que sean momentos irrepetibles de la historia en el mundo, se manifiestan en sus pinturas y dibujos. Cada obra sacude y provoca la reflexión. Fernando Botero dibuja, pinta, esculpe a nombre de toda la humanidad.
Notas de vida
Nacido en Medellín en 1932, el pintor y escultor colombiano. Fernando Botero se graduó en 1950 en el Liceo de la Universidad de Antioquia, situada en su ciudad natal. Posteriormente viajó a España para estudiar a los grandes maestros de la pintura española, especialmente a Goya y Velázquez.
Sus primeras obras de retratos, paisajes y escenas costumbristas están realizadas con una pincelada muy suelta, que se irá empastando progresivamente, al tiempo que tanto la perspectiva como las figuras se hacen al modo del artista.
A principios de los años 60, Fernando Botero se estableció en Nueva York, donde sus pinturas le granjearon pronto una notable popularidad en el mercado artístico estadounidense. Entre sus obras más conocidas cabe destacar “La alcoba nupcial” y “Mona Lisa a los doce años”. Su traslado a París coincidió con sus primeros trabajos escultóricos, los cuales formalmente compartían las características de su obra pictórica.
En la década de 1980, Fernando Botero se convirtió en uno de los artistas vivos más cotizados del mundo, y algunas esculturas suyas realizadas en bronce, mármol y resina fundida (Mujer a caballo, Perro, La corrida, etc.) pasaron a ser parte integrante del paisaje urbano de varias ciudades, el tiempo de una exposición o permanentemente, así París y Nueva York.
Al celebrado compromiso del maestro con una visión satírica con volúmenes opulentos, tanto de modelos ilustres de la pintura universal como de sujetos de la cotidianidad popular, de hombres y más de mujeres, se agregó el tema de la violencia real, más allá de “violentar” la belleza.
A la llegada del siglo XXI, el dramatismo del momento histórico de Colombia en años recientes y la actualidad le inspira dibujos y pinturas, muy duros, denunciando los horrores del crimen, los abusos en contra de los débiles, la violación de los derechos humanos. El conjunto de ”La Violencia en Colombia” fue generosamente donada al Museo Nacional de Colombia, igualmente una secuencia sobre las torturas infligidas en la prisión de Abu Ghraib durante la Guerra con Iraq. Llegado a la cima de la gloria, Fernando Botero condenó pictóricamente las agresiones a la condición humana.
De lejos sobrepasan las 200 exhibiciones individuales, entre dibujos, pinturas y esculturas. Millares de artículos se han escrito sobre su obra… y se publicaron decenas de monografías, siendo la última –¡tal vez!- en 2018, “Las mujeres de Botero”. Comparte residencia y talleres entre Colombia, Francia, Italia y Mónaco.
De una generosidad excepcional, él ha donado al Banco de la República 208 obras, 123 de él -pinturas y esculturas- y 85 de artistas internacionales. Es, en Bogotá, el Museo Botero.
Ahora bien, a los 89 años, el maestro Fernando Botero sigue trabajando, en pintura sobre todo, con dedicación, energía y pasión. Es el único artista cuyo nombre ha definido un estilo de pintura: el “boterismo”. Vale también señalar que todos lo (re)conocen en todo el mundo… y el mismo Fernando Botero ha dicho, con su buen humor, que, en China, ¡“los niños chicos reconocen un Botero”!
Botero por Botero.”
“¡Hay que mirar mis cuadros para comprender! En mi opinión, yo trato de expresar una realidad que he conocido en mi niñez y mi adolescencia en América Latina, porque yo siempre creo que el arte, para ser universal, debe empezar por ser local o “parroquiano”.
Fernando Botero en Santo Domingo
Algunos coleccionistas tienen obras de Fernando Botero. Hubo también la exposición “El Dolor de Colombia” en la Galería Nacional de Bellas Artes, y, permanentemente, en el exterior del Malecon Center, se yergue una escultura de Botero, “Los Bailadores”.
La afamada diseñadora colombiana resalta la femineidad y encanto a través de un nuevo lenguaje de moda que llama “elegancia sin esfuerzo”, una elegancia natural, sin pretensiones ni excesos.
textos Rosanna Rivera fotos Jochy Fersobe y archivos Silvia Tcherassi agradecimientos a Ignacio Peñalver y Casa del
Yireh Fernanda y Liz De Aza de Ossygeno Models Management maquillaje Eliotte Casimiro y Masha Ponukalova
peluquería Génesis Irlanda
Silvia nos cuenta que, a finales de 1985, estuvo con sus padres por primera vez en República Dominicana. Desde ese entonces vive encantada con este bello país y con el cual los colombianos tienen tantos vínculos que nos unen a través de nuestro mar Caribe:
“Llegar allí, recorrer la Ciudad Colonial, su mercado de artesanías, bailar merengue, visitar La Romana y llevar como recuerdo una pieza de Oscar de la Renta era todo un ritual. Yo escogí un clutch con su firma, el cual lucí por muchos años con gran orgullo.
Pero fue en 1999 cuando tuve el honor de presentar, junto con Oscar, el desfile inaugural de Colombiamoda en Medellín. ¡Fue un mutuo amor a primera vista! Desde ese momento me distinguió con su amistad, sus consejos, sus deferencias. Tanto, que en otra visita posterior que hizo a mi país, un periodista le preguntó a quiénes conocía en Colombia, y él, muy espontáneamente, respondió: “A Julio Mario Santo Domingo y a Silvia Tcherassi… son mis amigos”.
Como diseñadora de modas, como latinoamericana, me enorgullezco siempre al recordar su nombre. Su inocultable amor por su país, por sus raíces, su talento, su calidez, elegancia, humildad y grandeza. Oscar será siempre un ícono de Latinoamérica y un ejemplo a seguir.
En 2017, cuando fui invitada muy especialmente por el alcalde David Collado a presentar mi colección en DominicanaModa, no solo fui homenajeada por la Alcaldía como Huésped Ilustre, sino que conocí a Rosanna Rivera, con quien desde ese momento me une una linda amistad que se ha extendido a toda mi familia. Con ella, que es toda una embajadora de lujo de su país, hemos compartido momentos muy gratificantes e inolvidables, y he aprendido a querer más esta bella isla.
Gracias a Rosanna, pude volver hace poco a Santo Domingo, invitada esta vez por el periódico Listín Diario y tener la oportunidad de que me abrieran las puertas de los lugares históricos más hermosos de la Ciudad Colonial en Santo Domingo y poder tomar las fotos de mi última colección.
¡Qué días tan maravillosos disfrutamos mi familia y yo en el bellísimo hotel boutique de la familia Vicini, en Casas del XVI!; restaurado con la exquisitez y rigurosidad que solo aquellas personas orgullosas de sus ancestros están en capacidad de mantener.
Haber sido recibida en el Palacio Consistorial por la alcaldesa Carolina Mejía fue toda una experiencia; y me llenó de satisfacción ver a esta joven mujer al frente de la ciudad que la vio nacer y a la cual tiene mucho que ofrecer en el futuro de su país, tal como ya lo había hecho su padre desde la Presidencia de la República.
Luego fuimos recibidos por la primera dama Raquel Arbaje de Abinader, en los hermosos salones del Palacio Nacional. Su compromiso, sus capacidades, el amor por su país, hacen que uno sienta que todos esos proyectos e ideas que intercambiamos acerca de la niñez, las artesanías y las relaciones culturales de nuestros países sean toda una realidad.
Gracias a Noelia García de Pereyra, quién preside el Voluntariado de Banreservas y a Ignacio Peñalver, gerente de Casas del XVI y a todos aquellos que nos acogieron en forma tan cálida y espontánea en la ciudad de Santo Domingo.
¡Qué bello y enriquecedor fue volver a Punta Cana! Como colombiana, se siente uno tan estimulado al compartir con la familia Rainieri y ver todo lo que unos ciudadanos emprendedores, llenos de optimismo, de energía y amor por su país pueden lograr. Oír de Paola Rainieri y su esposo Juan Tomás Díaz, los ambiciosos proyectos que están desarrollando y todo lo que sus padres han logrado, lo llena a uno no solo de satisfacción, sino de fe en el futuro de nuestra región. Ojalá no solo llueva café en el campo, sino que lluevan también empresarios visionarios exitosos y a la vez comprometidos y conscientes de su responsabilidad social en toda nuestra América Latina. La Fundación Puntacana es fiel prueba de esto.
Como cantaba el merenguero, volveré. Volveré porque visitar República Dominicana es llenarse no solo de vida, de optimismo, de alegría, sino también tener la oportunidad desde sus bellas playas de soñar, y soñar en grande”.
RITMO SOCIAL: ¿Cómo fue su primer contacto con la moda? ¿Quién o de qué manera la introdujo a ese mundo?
SILVIA TCHERASSI:Desde pequeña me divertía la moda y todo lo relacionado con la estética, con el mundo del color. Me fascinaba crear mis propios looks, mezclando las camisas de mi papá y jugaba a vestirme con la ropa de mi madre. Al momento de estudiar, escogí el Diseño de Interiores, pero la moda siempre ha sido mi pasión.
RS: Diseñadora… ¿se nace o se hace?
ST:Se nace. En las universidades se puede aprender “Patronaje”, pero no hay ninguna materia que se llame “Talento”. Eso sí, el talento se puede perfeccionar, pero tiene que haber algo que sirva de punto de partida.
RS: ¿A qué le da más valor: a la disciplina o al talento?
ST: Creo que ambos son igual de importantes porque un talento sin disciplina no te lleva a ninguna parte. Y puedes tener disciplina, pero no un talento específico, entonces, es mejor enfocar ese esfuerzo y compromiso en otra área donde la persona pueda tener una mayor proyección.
RS: Usted ha triunfado en Colombia, contrario a muchos diseñadores latinoamericanos que debieron abandonar su país para viajar y triunfar en los Estados Unidos. ¿En qué consiste su éxito en su propia casa?
ST:Es una doble satisfacción porque mis logros le dieron reconocimiento al diseño de modas que se hacía en Colombia e inspiró a una nueva generación. Colombia era reconocida por sus confecciones y textiles, pero no por su diseño. Y al ver una marca colombiana en las semanas de la moda de Milán y París, no solo validó mi marca, sino el diseño del país y de la región. En lo personal, me cabe la satisfacción de haber sido admirada, respetada y querida desde mis inicios en todo mi país, reconocimiento que recibo constantemente de todos sus estamentos.
RS: ¿Cómo se define usted? ¿Dónde suele encontrar la inspiración?
ST: Una soñadora con los pies bien puestos sobre la tierra. Sobre tu segunda pregunta, la inspiración está en cualquier parte, lo que hay que tener es la capacidad de capturarla y aproximarse a ella de una forma única. Es como el amor, está en el aire.
RS: Usted es una persona muy admirada por su hermosa familia. ¿Cómo suele ser el equilibrio y las reglas en el trabajo?
ST:Somos una familia que disfrutamos tanto de lo que hacemos que, para nosotros, no existe una separación entre familia y trabajo. Una cosa es una extensión de la otra. Afortunadamente, mis hijos nacieron y crecieron en este mundo y ellos mismos decidieron formar parte de él.
RS: ¿Qué le quiere aportar a la mujer latinoamericana con sus diseños?
ST:Quiero que resalten su femineidad y encanto a través de un nuevo lenguaje de moda que llamo “elegancia sin esfuerzo”, una elegancia natural, sin pretensiones ni excesos.
RS: Si Silvia Tcherassi fuese un color, ¿cuál sería?
ST:Obviamente blanco.
RS: Usted, claramente, es muy querida en República Dominicana. ¿Qué piensa de la mujer de nuestro país y qué le recomienda a la hora de vestir?
ST: Las dominicanas son encantadoras y se sienten muy orgullosas de lo que son. Me gusta, además, que no están uniformadas y que cada una expresa su aproximación a la moda en forma diferente. A la hora de vestir, les recomiendo que sigan sus instintos para consolidar un estilo propio. En últimas, la moda no solo es el reflejo de lo que somos, sino de lo que queremos ser. Es una herramienta de comunicación muy poderosa.
RS: ¿Qué le atrae de República Dominicana y de su gente y paisajes?
ST:Por haber nacido y crecido en el Caribe colombiano, en República Dominicana me siento en casa. Admiro mucho el respeto que los dominicanos sienten por su historia y las ganas de preservar su patrimonio arquitectónico, sus tradiciones y la naturaleza. La gente es hospitalaria, siempre te recibe con una sonrisa, y los paisajes son de ensueño. Lo que más me encanta es el manejo culto del español, con una cadencia y dicción nítida. Y, por supuesto, ¡su música!
RS: ¿Tendríamos un día los dominicanos el lujo de tener un hotel Tcherassi en Ciudad Colonial o en la playa?
ST:Eso sería un sueño hecho realidad…
RS: ¿Cuál es su más grande deseo? ¿Cómo llegó a la internacionalización de sus piezas, teniendo clientes como Rania de Jordania?
ST:En este momento sigo en pleno proceso de expansión de mi marca en distintos frentes. Creo que lo más importante es trabajar para que la marca siga siendo relevante y un punto de referencia. Mi proceso de internacionalización empezó hace 22 años cuando abrí una boutique en Estados Unidos. Las presentaciones en Milán y París de las que te hablé antes, le dieron credibilidad a la marca. La apertura de una boutique en Madrid inició el proceso de consolidación en Europa, y nuestra llegada al wholesale de la mano de partners muy selectos en todo el mundo, han permitido mantener la exclusividad mientras seguimos creciendo internacionalmente. Y, claro, que mujeres que son íconos de la moda a nivel mundial como Rania de Jordania, Amal Clooney, Jennifer López u Olivia Palermo vistan tus diseños, le dan a tu marca un nivel de exposición importante.
RS: ¿Cuál sería su consejo para los diseñadores emergentes? ¿Qué es lo más importante que deben construir en su carácter para triunfar?
ST: Tener un lenguaje propio y una identidad de moda eso es lo que permite no solo darte a conocer, sino permanecer, que en últimas es lo más importante. A nivel personal, creo que deben enfocarse en sus objetivos porque en esta industria hay muchas distracciones y la fama, generalmente, se confunde con éxito; entonces, mantener el foco es esencial para seguir adelante.
RS: ¿Cómo le gustaría ser recordada? ¿Cuál sería su mayor legado al mundo de la moda?
ST: WWD dijo que yo era la pionera de la tendencia “Latin flair”, pero yo quisiera más bien ser recordada como la diseñadora que demostró que sí se puede crear una marca de lujo en América Latina, desde América Latina y hecha en América Latina.
RS: Un mensaje para los dominicanos que la admiramos y valoramos mucho y queremos tenerla en diciembre con nosotros y muchos proyectos…
ST:Que yo también los quiero mucho. Los días que pasé recientemente fueron inolvidables, fue mi primer viaje fuera de Estados Unidos después de la pandemia y no veo la hora de regresar… porque como les dije, en tu país me siento también en casa.
Botánica Romántica; María del Valle; Hipnos; En una Flor, la Vida; y Al Natural, son, hasta ahora, los títulos que, a modo de colecciones, definen esta entrada de mar en la tierra, marcada por la sofisticación. Cada prenda está hecha por manos colombianas, con los mejores materiales del mercado, y los diseños textiles son producidos de manera exclusiva para la marca. La intención principal es resaltar la autenticidad, pero atada a la calidad y el estilo. A pesar de ser designedand madein Colombia, todos los bañadores y salidas están disponibles para ser adquiridas en todo el mundo, a través de la e-commerce o los distintos retailers en los que tiene presencia, en más de 15 países.
Editorial.
Tengo que ser honesta: conocí Bahía María por Laura Cepeda, la también diseñadora colombiana (y una amiga muy querida). Ella vestía un bañador naranja eléctrico con unas flores blancas que, como aplique, bordeaban todo el escote, hasta convertirse también en las mangas. En conjunto, contrastaba con el azul intenso de la laguna de Ojos Indígenas, la bellísima reserva ecológica que tenemos en Punta Cana. A mí, que me cautivan las piezas tan statement, los sentidos me dieron por indagar, así que navegué hasta llegar a la más elegante y diferente de las Bahías: María, en Bogotá. La firma de trajes de baño se llama así –Bahía María-, como una especie de tributo a la mezcla de una bahía, metafóricamente, como el lugar donde confluyen constantemente diversos elementos y al primer nombre de la fundadora y directora creativa de la marca, María Alejandra Cajamarca, como el origen, o más bien detonante, de todas ellas. Su intención como diseñadora, y como marca, no es que sus flores, y las tantas formas en las que se inspira, se queden en el agua. La idea es llevar estas piezas a tantos escenarios como la mujer versátil para la que crea, lo sienta. La única condición es que siempre haya sol y un alma dispuesta a conquistar, con su garbo y esencia aventurera, los destinos, esos nuevos lugares llenos de vida a los que María Alejandra siempre celebra en sus colecciones.
Sandro Silva y Marta Seco representan el cerebro y alma de uno de los grupos hoteleros más aclamados del momento. El trabajo y talento los ha llevado a cruzar fronteras y lograr lo inimaginable con la gastronomía, creando un imperio que ha enamorado al mundo a través de experiencias, empezando por Madrid.
texto: María J. Sued fotos: Cortesía Grupo Paraguas
Desde que te encuentras en la ciudad de Madrid, sin duda alguna, lugares como Ten con Ten, El Paraguas, Amazónico y demás restaurantes de la misma familia son los primeros en encabezar la lista para visitar, e incluso de las primeras opciones por excelencia de aquellos que ya residen en la ciudad. Y es que se han convertido en el sello absoluto de lo que es una gastronomía exquisita y ambiente ideal. Pero, sobre todo, son la referencia de lugares llenos de encanto que te transportan a escenarios idílicos para tener experiencias únicas e inigualables.
La mayoría de las historias de éxito casi siempre inician con trayectorias que te inspiran al esfuerzo, trabajo, dedicación y del típico “Trust your Journey”. En esta ocasión, la de Sandro Silva no es la excepción, quien desde muy joven, se imaginaba como futbolista y tenía muy lejos la idea de ser uno de los chefs y empresarios más exitosos en la hostelería.
Sandro, nacido en Brasilia, comenzó trabajando con su tío, el chef asturiano Fernando Martín, su único mentor en el conocido Trascorrales, en Oviedo. Luego, bajo su tutela, trabajó en El Raitán, especializado en guisos. Más tarde, se trasladó a la marisquería de Bocamar, también ubicada en la ciudad de Oviedo.
Posteriormente a su experiencia en Asturias, se mudó a Madrid. Allí, pasó por restaurantes como El Oso, de María Lorenzo y Pepe Villanueva, para más tarde acabar en El Higuerón, de Benalmádena, de su misma propiedad. También formó parte de la inauguración de Aspen, ubicado en La Moraleja, y el famoso Flánigan, en Mallorca, ambos pertenecientes al empresario Miguel Arias.
Al igual que su vasta experiencia por una línea de distinguidos lugares de España, Silva también posee formación en el extranjero bajo su mandil. Contó con la oportunidad de poder seguir su aprendizaje y estudio del mundo de la gastronomía tanto en Francia como Italia.
Sin embargo, para este chef no todo acaba en la cocina. Su idea y pasión por lo que hace lo hizo llegar más allá y, de la manera más versátil, decide iniciar como empresario en el 2004, con la apertura del primer restaurante de su propiedad: El Paraguas. Aquello abrió las puertas para formar el afamado grupo conocido hoy en día como “Grupo Paraguas”, sinónimo de una maravillosa experiencia gastronómica que tiene como propósito brindar una sensación y aventura que va más allá de solo comer, como han explicado sus fundadores en distintas ocasiones.
Con el inicio de El Paraguas, Sandro Silva se preguntaba qué faltaba por hacer en la restauración y era el momento de romper, cambiar, hacer las cosas de otra manera y plantear un modelo de negocio enfocado en el cliente, en el que se le trate como a un amigo. Para él, la gente tiene que salir de su casa no sólo a conocer un restaurante y a comer bien, sino a vivir una experiencia, visitar un restaurante que esté vivo, lleno de historias y en el que continuamente ocurren cosas y donde te hagan sentir parte de él.
Indudablemente, el modelo de los restaurantes ha cambiado gracias a Sandro. Pero lo más importante es que, a través de lo que ha creado, ha podido generar felicidad. Lo que de una forma u otra ha hecho que pudiese entender la restauración y qué hacer de ella, de una manera diferente.
Con las ideas claras y junto a su socia fundadora, Marta Seco, con quien Silva inició este admirable y exitoso trayecto, el Grupo Paraguas ha tenido un reconocido éxito nacional e internacional, originado en una de las ciudades más icónicas de Europa: Madrid. Cada uno de los restaurantes que lo lideran tiene una esencia distinta, y es la que los mantiene vivos, además de lo atractivo que pueden llegar a ser cada uno por separado.
En cuanto a “El Paraguas”, es el lugar por excelencia de los sibaritas que valoran las cosas bien hechas. Es allí donde se sienten en casa gracias a su cercanía y pasión. Desde el personal hasta cada pequeño detalle del lugar, hacen que sea el ideal para el cierre de importantes acuerdos, el inicio de las nuevas ilusiones y promesas, en definitiva, la celebración de los grandes momentos de la vida de todos sus clientes.
Por otro lado, Ten con Ten es un universo un poco más cosmopolita. Es una nueva forma de salir y entender la diversión en la capital, donde, sin importar la hora, podrás tomarte un cóctel. Con su cocina, crea una variedad de sensaciones a través de una carta variada en la que el falso risotto de sémola con trufa, o su popular pez mantequilla son ya clásicos de Madrid que siempre están de moda. En fin, es el punto de partida donde ver y dejarse ver.
También ubicado en el Barrio de Salamanca, zona característica del grupo, se encuentra Ultramarinos Quintín, la tienda de ultramarinos de toda la vida convertida en restaurante en la que la cercanía y calidez de su personal te hacen estar a gusto. Inspirado en un local muy parecido, perteneciente a la familia de su esposa y fundadora Marta Seco. Aquí no sólo se disfruta del buen comer y el placer de compartir momentos alrededor, sino que también es el lugar donde comprar las mejores conservas o una selección de productos frescos, o simplemente entrar a saludar, porque es la alegría de la calle y nunca te encontrarás solo.
El Amazónico, en Madrid, ha sido un acierto total. Es una propuesta internacional y muy en tendencia, llena de aromas y sensaciones. Es un viaje por el Amazonas. Cada uno de sus rincones es toda una experiencia única para los sentidos, desde su cocina abierta, un espectáculo total, hasta la música y energía que se trasmite ahí. El icónico restaurante fue inaugurado a finales del 2019, en las ciudades de Londres y Dubai, con un pop-up ubicado en el desierto de Riyadh, en el presente año.
Con Numa Pompilio, agregan a su gran familia una carta italiana para disfrutar en lo que se puede considerar como un cuento de hadas. Un auténtico viaje en el tiempo a la gloriosa época de los restaurantes y jardines burgueses europeos, es la sensación que transmite el lugar. Sus recetas nacen del recetario tradicional italiano, de la Italia menos conocida que ha viajado adquiriendo una forma de presentación única y de carácter internacional.
A los pies de la Puerta de Alcalá nacen Aarde y Origen, ambos con propuestas entrelazadas pero, a la vez, muy únicas e inigualables en sus estilos. En Aarde, la protagonista es la tierra. Es aquí donde te adentras en los paisajes del continente africano, su fauna, flora e inabarcables culturas. Sus infinitos aromas y colores conviven en armonía en espacios llenos de música, donde juegan con los instintos más primarios. De su cocina abierta salen platos y fuentes de cerámica tribal llenas de alegres sabores y texturas. En fin, te introduces en un mundo desconocido, arriesgado, pero rápidamente apreciarás que es la vuelta a las raíces, la exaltación de la pureza y el respeto máximo por la tierra.
Con Origen, su filosofía va más allá de una tendencia healthy, hacia el verdadero significado de la cocina y la dieta mediterránea, sin olvidarse del bienestar. Este es el lugar donde se redescubren los productos de elaboración sostenible y estacional. Algo único de su cocina es que se guía a través de las estaciones y ellas deciden qué ingredientes llevan los distintos platos cada temporada. En sus rincones predominan el bienestar, las fibras vegetales, el lino y todo tipo de materiales que respeten el planeta porque, al final, todo se enfoca en sentir orgullo por nuestros orígenes.
¿Qué es el poder (o la “podera”), en palabras de Esther? En el caso de las mujeres, al que se refiere la marca, el poder es nuestra capacidad de construir nuestra independencia, de demostrar nuestra fortaleza, de tener confianza en nosotras mismas y de construir liderazgo en todos los ámbitos de la vida, todo en un marco de sororidad.
¿Cuál es el verdadero propósito detrás de un buen par de jeans? La comodidad y la versatilidad de una pieza de larga trayectoria y que es universal.
¿Qué ha sido lo más difícil y lo más extraordinario de emprender, además de la pandemia? Lo más difícil eran las circunstancias de la pandemia, las incertidumbres que creaba al igual que mi corta edad. Muchos pensaban que esto era un hobby y es todo lo contrario. Lo más positivo ha sido empoderarme mientras emprendo.
¿Quién o qué introduce en ti la pasión por la moda? En términos de moda, la persona que más influyó en mí es mi tía paterna, Rita. Desde pequeña, la acompañaba a tiendas y recuerdo cómo siempre me encantaba ver cómo ella combinaba piezas clásicas con lo moderno. Con el paso de los años, y cuando fui aumentando de peso, me sentía intimidada por la moda. Me sentía que no era parte del status quo, de ahí surge la necesidad de que, si la industria no cumple con lo que yo consideraba necesario (en mi caso, jeans para mujeres curvy), yo tendría que crearlo.
¿Cómo traduces tu personalidad en Podera y “The Patricia”, particularmente? Podera, como empresa, y “The Patricia”, como pieza, expresan ambas mi idea de la mujer moderna. Patricia es mi segundo nombre, al igual que el segundo nombre de mi madre. Lo llamé así porque combina lo mejor de dos generaciones y es el segundo nombre de una mujer que admiro mucho. Una mujer multifacética que no se arredra ante las dificultades, sino que continúa adelante. Sin que suene a inmodestia, están impregnadas de cómo me veo a mí y a las #Poderachicas: proactivas e independientes.
Desde el 2020, ¿Cómo es un día en tu vida? Debo admitir que muchas cosas han cambiado. En lo personal, mis días están ahora dedicados casi por completo a echar hacia adelante la empresa, es decir, entre los sueños y el trabajo duro para hacerlos realidad. También, trato de sacar el tiempo para ejercitarme, pasar tiempo con mis seres queridos y seguir aprendiendo más de la industria de la moda a través de cursos virtuales.
Manos dominicanas en sueños de isla, ¿Qué papel juega la artesanía dominicana en este proyecto? Este país explota de talento. No solo tenemos diseñadores/as talentosos, pero también tenemos artesanos, costureras y personas con mucho talento que ofrecer. Desde que se creó Podera, sabía que quería crear y manufacturar en el país.
¿Qué hay de Esther en Podera? ¿Qué hay de Podera en Esther? ¡Podera es la amiga que cualquiera quisiera tener! Somos una simbiosis perfecta. A Podera le pongo toda mi pasión y empeño, y ella me devuelve la alegría de estar avanzando con pie firme hacia mi meta. Ojo, somos un equipo de mujeres jóvenes emprendedoras. Sin ellas, Podera no sería posible.
¿Qué decías que serías de grande, cuando eras niña? ¿Lo estás cumpliendo? (Risas) Hasta los 15, quería ser actriz de Broadway, pero puedo decir que, en este mundo perfectamente imperfecto, estoy cumpliendo mis sueños. Estoy trabajando de manera honrada día y noche para que Podera esté a la altura del mercado. Me apasiona trabajar muchísimo para poder cumplir mis metas y, sobre todo, disfrutar el camino.
Preguntas rápidas Lo primero que haces por las mañanas: Tomarme mi café y mi agua con limón. Una canción: Imperio – The Change Pet Peeve: Cuando la tiza, o marcador en una pizarra, la presionan muy duro y hace ese sonidito incómodo… Una persona en el mundo: Mis dos hermanas, las personas con las que más peleo, pero no puedo vivir sin ellas. Un defecto y una virtud: No tengo paciencia (Risas), pero soy perseverante. Comida favorita: Tostones con salami y sal, con una lonja de aguacate al lado. Eso nunca falla. También, el quipe crudo de mi abuela materna me deja sin palabras. Un país: España. Tengo hermosos recuerdos con mi familia allí, pues fue el último viaje que hice con mi abuelo. Serie favorita: Game Of Thrones. Un color: Azul turquesa. No podrías vivir sin… Los abrazos de mis abuelas.
Editorial.
Ella está determinada a escribir su propia historia a base de pasión y mucho esfuerzo. Y, muy probablemente, lo hará vistiendo una blusa negra y el “Patricia Light Wash”, unos jeans de talle alto de su firma Podera. Habló de ella el año pasado, pero en este la lanzó formalmente como una marca y un espacio que la Esther de 17 años hubiera agradecido tener. Se refiere a esa edad, porque fue en la adolescencia que pensó, por primera vez, en crear una marca de jeans cuando, al visitar una tienda en New York, le dijeron que no tenían uno para su tipo de cuerpo. Aunque la empresa surge por su iniciativa, el equipo de Podera es muy horizontal. Está conformado por un grupo de mujeres jóvenes, entre 20 y 25 años, unidas por la amistad pero, también, por el deseo de demostrar, a través de la industria de la moda, el talento y la calidad de los dominicanos. Cuando le pregunté sobre los nombres que había considerado antes de lanzarlo, me dijo que “Podera” fue el primero en el que pensó, porque está basado en un concepto muy claro: contribuir con el empoderamiento, la aceptación integral y con el orgullo de ser quien es y cómo es, de todas las mujeres, primero dominicanas y, luego, latinoamericanas que hay en el mundo. Con un playlist en Spotify, Blog, TikTok y Pinterest, este movimiento va tomando curso y todos los destinos apuntan a ese deseo personal de inspirar a los demás siempre de manera positiva. Esther es una joven dominicana con raíces libanesas, formada en Mercadeo y Relaciones Públicas, apasionada de la música, su familia y de materializar sus sueños, mirando hacía delante y sin distraerse de la meta. De todo esto y un poco más nos habla en este Glamorous Encounter.
Para la exmodelo de alta costura, lograr vestir bien va de la mano con mirarse bien en el espejo y ser honesta con una misma.
Ocupar por años la lista de “La mujer más elegante del mundo” representa solo una parte de lo que ha logrado la exmodelo y estilista sevillana Naty Abascal en el mundo de la moda. Y es que, desde hace poco más de medio siglo, la eterna musa de legendarios diseñadores se ha ganado un sitial privilegiado dentro de esta industria sobre la cual la misma consultora de lujo ha dicho que “no perdona y olvida muy rápidamente a las personas y a su trabajo y esfuerzos”.
Ya sea por su peculiar excentricidad, buen gusto o conocida audacia, lo cierto es que, a sus 78 años de edad, la española ha sabido mantener un favorecedor equilibrio entre su presencia como socialité y su posición como máximo ícono de elegancia, luego de ser la primera modelo española en internacionalizare.
Para la dama, madre de dos hijos, ocupó su primera portada en 1961, en la revista Semana, dedicada a las bellezas de la época, “donde hay una crisis, hay una oportunidad”, haciendo referencia al mundo después del COVID-19. En este sentido, entiende que, con todo esto, el asunto del glamour, más que perderse, se ha puesto en reposo.
MODA EN LA SANGRE
Muy probablemente, su gusto por la alta costura y temas afines sea heredado. Su padre, Domingo Abascal, era un destacado y prestigioso abogado, mientras que su madre, Natividad Romero-Toro, fue la primera mujer que abrió una boutique en la capital sevillana.
Abascal, desde hace varias décadas, ha vivido la moda en primera fila, junto a nombres como Armani, Manolo Blahnik y Valentino, de quien es muy cercana. Asimismo, estrechó lazos estrechó lazos con el dominicano Oscar de la Renta, a quien consideró un hermano inseparable.
Como toda una sobreviviente de las tendencias y el arte mismo, vivió la explosión de las vanguardias estéticas durante los años 60 y 70, llegando a ser una de las modelos más cotizadas de la primera década referida, con cobros de hasta ESP $36,000 pesetas por día. En adición a esto, a principios de la segunda, fue seleccionada para hacer un pequeño papel de guerrillera en la película Bananas, de Woody Allen. Además, fue pintada por Salvador Dalí, con quien rodó un anuncio televisivo en 1974.
Para muchos, su vida ha sido “de película” y aunque Abascal no la considera de tal forma, motivos no hacen falta. Su suerte, como ella ha afirmado, quedó definida en aquella ocasión donde Elio Berhanver les propuso a ella y a su hermana gemela, Ana María, desfilar en Nueva York, en la “Exposición Universal de 1964”, aunque el público no sabía que eran dos. Richard Avedon las fotografió y, unos meses después, ves a Naty sola, para la portada de la misma revista Semana. A partir de ahí, comenzó a subir su cotización como modelo y se instaló en Nueva York.
DISTINCIONES CON ALTURA
La internacionalizada española es considerada un ícono de estilo. En 1986, fue premiada con el Óscar a la “Elegancia” y, en 1993, la Asociación de Críticos Norteamericanos la seleccionó como la “Mujer Mejor Vestida del Mundo”.
Desde el punto de vista de Abascal, hay cambios importantes en la profesión desde que ella inició. Afirma que ser modelo, para la década de los 60, requería cierta dosis de valentía y coraje, lo que implica que las celebridades de antes no eran las mismas en que se han convertido, en la actualidad, las top.
UNA AGENDA QUE NO PARA
Todavía luce una figura cuidada y lleva una vida de esas que algunos categorizan de “ajetreada”. Sin embargo, desde su perspectiva, es lo que la rejuvenece. Su agenda está continuamente marcada por viajes y citas sociales, aparte de realizar reportajes para la revista ¡Hola! y prestar su imagen, ocasionalmente, para conocidas marcas de joyas.
Aunque, según sus palabras, hay diseñadores que están lejos de su estética cotidiana, entiende que, como siempre, la elegancia es una cuestión de actitud, que tiende a ser relacionada con el dinero, erróneamente. A su juicio, esta se encuentra en los gestos, las formas, en cómo tratamos a otras personas, a la naturaleza…, en cómo vivimos día a día con coherencia, entre otros elementos.
Luego de casi seis décadas en el mundo de la moda, Rizzoli ha editado un libro en honor a ella: Naty Abascal, The Eternal Muse Inspiring Fashion Designers (La eterna musa inspiradora de los diseñadores de moda). El volumen recoge toda la experiencia que ha adquirido durante estos años en la moda y una montaña de recuerdos, ya que incluye fragmentos de su vida con su archivo personal.
“Wafflie Wear” es su último proyecto, una firma de moda que nació en agosto del año pasado, ha convencido a mujeres como Marta Hazas y se ha convertido en un éxito en ventas. La idea le nació a la propia Naty porque, desde hace mucho tiempo, es aficionada de los pijamas diferentes y originales, en adición a sus viajes a la India, donde encontró los estampados en los que se basarían los diseños de la firma.
Al final, lo único que nos queda son las fotografías para recordar momentos extraordinarios y poder vivir a través de ellas. Y qué mejor forma de poder contarle al mundo la extraordinaria vida que has vivido, la que muchos quisieran poder haber experimentado aunque fuese solo una vez, con un scrapbook lleno de polaroids que, hoy en día, valen más que mil palabras, como lo hizo el tan privado Giancarlo Giammetti en su libro Private.
Muchos recuerdan solo su rostro y otros ya lo conocen más a fondo. Pero, para todos en la moda y los negocios, Giancarlo Giammetti es un italiano de nacimiento pero con una nacionalidad mundial, debido a su trayectoria en lo que podemos llamar “La Dolce Vita”, un joven que, a lo mejor, nunca se imaginó que le tocaría vivir la vida que, hasta hoy en día, ha tenido: llena de privilegios, por su excelente labor y enfoque en los negocios. Nació en Roma en los años 40, y es allí mismo donde le toca vivir su juventud, en los glamorosos y más libres años 60, en una de las ciudades que servía de protagonismo para la mayoría de películas de la época.
El empresario inició sus estudios de arquitectura, sin embargo, siempre estuvo rodeado de un aura de sofisticación que, hoy en día, lo identifica, donde se paseaba por cafés y podía ver estrellas como Sophia Loren, hasta la mismísima Elizabeth Taylor quien luego se convertiría en íntima amiga. Y fue ahí, justo de esa misma manera en la que siempre apreciaba la exquisita vida y costumbres europeas, donde su vida cambió para siempre.
Es en un café donde Giammetti conoce a quien se convertiría en más que un compañero de vida, un aliado para el resto de sus años, tanto en las buenas como en las malas. Su nombre era Valentino y ambos coinciden en el llamado “Café de París” de la ciudad de Roma. Se reunieron a principios de las vacaciones de verano, donde luego reconectaron en la ciudad de Capri. Allí, el diseñador Valentino terminó de convencer a Giancarlo de que debían unificar sus fuerzas para construir el imperio que hoy se conoce como “Valentino”.
El mismo Giammetti ha indicado que al, principio, nada fue color de rosa. La marca Valentino, en aquel momento, no estaba en su mejor disposición económica y tuvieron que declararse en la quiebra, para luego iniciar una nueva etapa donde ambos formaron parte equitativa de la empresa, lo único que, en este caso, Giancarlo se encargaría completamente de los negocios ya que, como el mismo Valentino ha indicado, nunca fue bueno para ello.
A pesar de que coincidieron en algún momento como pareja, Giancarlo y Valentino decidieron poner sus diferencias de afección hacia un lado y apostar por su relación que, más que negocios, era de familiaridad, confianza y respeto el uno hacia el otro. El mismo Giammetti ha explicado, en ocasiones anteriores, que no fue una tarea fácil de lograr pero lo han mantenido por 3 décadas seguidas.
Sin ninguna experiencia alguna en el mundo de la moda, y este que apenas estaba empezando a crecer, Giancarlo se vio en la necesidad de empezar a innovar y apostar por lo que sus instintos le indicaban. Para el empresario “los años 70 fueron de mucha diversión, pura creatividad y dar a conocer lo que era Valentino, los 80 fueron la época de hacer dinero con el llamado licensing creando, de esta forma, la locura por la logomanía. Ya los 90 fueron el momento perfecto para convertir el nombre ‘Valentino’ en una marca de reconocimiento global, como lujo. Donde nace la conglomeración de la marca”.
Su amor hacia su trabajo fue parte del motor para el crecimiento de “Valentino”, la marca. Se consideran pioneros en muchos aspectos de la moda, desde cambios en la forma en cómo se proyectaba la ropa a través de la publicidad, hasta los mismo desfiles de modas. El dúo de Valentino y Giancarlo fue el precursor de muchas tendencias innovadoras en aquel momento que se han mantenido hasta hoy en día.
Para quienes le conocen de cerca, la amistad y el amor familiar son de las cosas que más le importan. Por ello, muchos de sus clientes se han convertido en sus amigos cercanos y es de esta misma forma que incluye en su libro toda una sección de las grandes relaciones que ha podido crear y mantener a lo largo de sus años, característica que también se mantuvo en enfocar en la empresa.
Sin embargo, todo llega a un final. Con una vida llena de privilegios e inimaginable, hasta para él mismo, llegó el momento en que Giancarlo y Valentino decidieron dar un paso hacia atrás y vender su más preciado tesoro. Giancarlo Giammetti explicó que ya era tiempo de retirarse del mundo de la moda y los negocios. Ambos habían hecho un trabajo excepcional en el que estarían dejando un legado al mundo y generaciones por venir. Además, como el mismo Valentino también había dicho, era tiempo de marchar aun cuando la habitación estuviese llena.
Este personaje tan privado y al que todos catalogaban como “La Oveja detrás de Valentino”, sobrenombre que él mismo ha reconocido, indicó que fue un final maravilloso, justo como debía de tener el cuento de hadas por el que tanto lucharon y se esforzaron él, como el diseñador Valentino. Su celebración final para concluir, más que una etapa de sus vidas, se llevó por todo lo alto, justo como lo saben hacer, fue el cierre con broche de oro que mostró todo lo que ambos significaron para la moda, cultura y los negocios.
“Geraldine García es una persona apasionada, perfeccionista y determinada. Creo que las características que he desarrollado, a lo largo de los años, son la paciencia y la empatía. Me han ayudado a entender y navegar por la vida con mayor paz interna”, así inicia una conversación tan reflexiva como su más reciente colección «Floralia» donde descarga, a través de piezas modernas y fluidas, a base de tejidos como lycra reciclada, tencel biodegradable y seda natural, todo lo aprendido durante la pandemia. Ella es salvadoreña y soñó con ser diseñadora de modas toda la vida. Después de formarse en el IED Barcelona, regresó a su natal El Salvador, en el 2011, para fundar su firma, con la que comparte nombre. «La decisión de lanzar mi propia firma nace, realmente, de forma orgánica. Sabía que iba a ser un gran reto porque en mi país no existía la industria, pero estaba determinada a superar los obstáculos y emocionada para hacer lo que había nacido para hacer», nos dice muy enérgica. 10 años después de haber lanzado la e-commerce que le permite llegar a cada parte del mundo, además de la tienda en El Salvador y presencia en distintas boutiques de Miami, y con 15 colecciones que representan su trayectoria, Geraldine se encuentra firme a aquel propósito de diseñar prendas y productos tan únicos, adaptables, elegantes y resistentes como las mujeres que los usan y las que las producen, pues todo es hecho a mano en El Salvador. Y es en torno a este homenaje, y al que le hace al medio ambiente, que gira esta entrevista.
Glamorous Encounter
Geraldine García
¿La moda es una pasión heredada o eres pionera en la familia? Soypionera en la familia. En El Salvador, en general, no existía como tal ser diseñadora de modas. Sin embargo, cuando le dije a mi mamá que quería estudiar Diseño de Modas, ella me apoyó incondicionalmente, pero muchos en mi familia no lo entendían y me hacían preguntas como: «¿Cómo vas a vivir de la moda?».
El «hecho a mano» es un sello que llevas con mucho orgullo. ¿Qué es eso que lo hace tan importante para ti? Porque significa que se hace con amor y detalle. Cada pieza es única y dejas parte de ti dentro de ella.
Y tu vestido de novia no fue la excepción. Leí que, además de diseño y confección, también hiciste tú misma la tela. Compártenos, por favor, tu experiencia.
Sí, mi vestido de novia fue realizado totalmente desde cero, desde la tela. Fue una experiencia bastante enriquecedora. Parte de mí, quería que mi vestido fuera especial y llevara parte de mí en él. Me puse a hacer búsquedas y a encontrar la técnica perfecta para mi vestido.
El hacer la tela no fue algo que yo ya sabía desde antes, más bien era un reto. El mundo de lo hecho a mano es muy complejo y realmente existen técnicas milenarias que solo se pueden realizar a un nivel personalizado y de alta costura.
Tildas la moda rápida o fast fashion de «muy desagradable» ¿De dónde nace este pensamiento y cuál sientes que sería el primer paso para lograr que se transforme la mentalidad en toda la industria?
La producción y desecho masivo de ropa que resulta del fast fashion simplemente no es sostenible para el medio ambiente. También, no hay ninguna razón por la que una prenda
deba pasar de moda de un año a otro, aparte del avaro de la industria. El primer paso es comprar menos cosas y de mayor
calidad y no tratar la ropa como si fuera desechable. Por mi parte, trato que mi ropa sea atemporal, que no se pase de moda.
La elegancia, innovación y las pinceladas de un romance atemporal que nunca pasa de moda son las constantes en tu trabajo, pero, en cuanto a concepto, ¿existe también un hilo conductor entre una colección y otra?
Sí. Una constante de mi trabajo y un hilo conductor es la admiración a la naturaleza. Para mí, la naturaleza encarna lo delicado y hermoso que existe en nuestro planeta. La naturaleza no es forzada, es más bien elegante, hermosa y delicada.
«Floralia» viene como una especie de reflexión sobre todo lo vivido durante la pandemia, ¿es la primera vez que encuentras en la moda y que visualizas en tu firma una especie de catarsis?
Sí, realmente fue un período de introspección profunda. Los meses de enfoque total en el diseño me permitieron descubrir y desarrollar mi lenguaje estético. No había tenido tanto tiempo seguido de hacer nada más que diseñar desde el inicio.
En esta colección también cuentas con la colaboración de Susana Vega. ¿En qué consiste el proyecto y con quién más sueñas con hacer algo así?
La colaboración con Susana Vega surge a raíz de Floralia. Queríamos complementar nuestros looks con accesorios que llevaran la misma esencia de la colección. Creo que logramos eso y mucho más. Alguien a quien admiro mucho, y sería un sueño hecho realidad colaborar, es Josep Font.
¿Cómo es Geraldine, la diseñadora, distinta hoy a la de 10 años atrás?
Diría que tengo los pies sobre la tierra. Trabajo de una forma más sistematizada y soy más selectiva con mi proceso creativo.
¿Qué sigue?
Actualmente, lanzamos una colección por año, así que muchas cosas emocionantes. En mis redes les adelanto unas cuantas pistas.
“La plenitud es alcanzar el equilibrio emocional, físico y espiritual de la vida”
Para percibir su rol de mamá no son necesarias las palabras. Basta conocer a las dos mujeres en que se han convertido sus hijas y el amor con el que la honran.
texto Leslie Polanco fotos Julio César Peña
El camino de la maternidad nos lleva por muchas etapas. Unas de aprendizaje, algunas de incertidumbre y búsqueda de respuestas, otras de mucha felicidad. Pero llega un momento de plenitud total, cuando nos damos cuenta de que hemos llevado a nuestros hijos por el buen camino, cuando lo aprendido se convierte en sabiduría y entonces se empieza a disfrutar y valorar cada instante. Rita Capellán es una mujer con una enorme vibra positiva. En cuanto a su rol de mamá no son necesarias las palabras, ya que basta conocer a las dos mujeres en que se han convertido sus hijas y el amor con el que la honran. Nos recibieron para estas hermosas fotos y una agradable conversación con la presencia, por supuesto, de una de las grandes bendiciones que trae ser madre: convertirse en abuela. Ángel Julián y Álvaro le traen la novedad de ayudar en la crianza de varones, una nueva etapa que disfruta con el alma y la experiencia de dar amor incondicional. Conozcamos un poco más a esta mamá y abuela divina que nos dice, y podemos constatar con nuestros propios ojos, que se encuentra en un momento de plenitud, sin dejar de ser el alma libre que describe con sus palabras.
RS: ¿Cómo describirías este momento de tu vida?
Rita Capellán: En este momento de mi vida, me siento plena. Luego de muchos años de aprendizaje, enseñanzas, tropiezos y logros, puedo decir que he encontrado el balance perfecto. Me encuentro disfrutando de la vida a su máximo nivel, viendo a mis hijas siendo felices, a mi familia unida, a mis nietos creciendo, ocupándome de mi salud y viviendo cada momento.
RS: Para ti, ¿Qué es la plenitud?
Rita Capellán:La plenitud es alcanzar el equilibrio emocional, físico y espiritual de la vida. Es cuando nuestro ser interior está alineado y nos encontramos sumergidos en un estado de paz, armonía y con la satisfacción de nuestros objetivos de vida cumplidos.
“Es importante siempre tomarse un momento para uno mismo, para reforzar nuestra paz interior y estabilidad emocional. es Indispensable encontrar lo que te hace feliz.”
RS: ¿Qué sientes al ver tus hijas ya adultas, convertidas en mujeres de bien?
Rita Capellán: Me siento afortunada. Dios me ha dado el privilegio de ser madre de dos maravillosas hijas. Estoy muy orgullosa y feliz de verlas completando etapas muy interesantes en cada una de sus vidas, pero, sobre todo, formadas en valores y como mujeres de bien. Me siento complacida de haberlas apoyado siempre en sus sueños y lo continuaré haciendo para que forjen sus alas y vuelen alto, conscientes y seguras de que, en mí, no solo tienen un hogar, sino un nido de amor. La Providencia Divina me ha acompañado en este rol y ya estamos viendo los frutos, la cosecha de lo que hemos sembrado.
RS: ¿Cómo describirías a Juliana?
Rita Capellán: La describo como líder y perseguidora de lo justo. Es una excelente madre, esposa y profesional. A pesar de tener dos hijos pequeños, Juliana logra distribuirse para dedicarle tiempo a su familia y cumplir con sus compromisos laborales. Es abogada, criminóloga y docente universitaria. A veces le digo que suelte un poco, ya que es muy metódica y responsable. Sin embargo, sus logros a tan temprana edad son el resultado de mucho trabajo, constancia y preparación. Está involucrada en muchos proyectos y siempre tiene tiempo para más.
RS: ¿Y a Camila?
Rita Capellán: Camila es el alma noble y creativa de la familia. Siempre está ingeniando una idea nueva y le pone mucho amor a cada cosa que hace. Es muy inteligente y, sobre todo, tiene los pies sobre la tierra y unos valores bien marcados. Tiene muy clara sus metas y lo que quiere lograr en la vida. Ahora emprende un nuevo camino y se dispone a hacer una maestría en negocios y mercadeo en Madrid. Estoy muy orgullosa de ella.
RS: Y si tuvieras que definirte como madre, ¿Qué dirías?
Rita Capellán:Me defino como una madre abnegada. He dejado en segundo plano mis intereses personales para poder siempre estar presente en la vida de mis hijas. Me considero una madre flexible que siempre ha apoyado a sus hijas en cada uno de sus pasos por la vida. Sin embargo, entiendo que soy exigente con hacer lo correcto, la honestidad y los valores.
Ser madre es para toda la vida. Es un rol que nunca se acaba, solo se van completando etapas y cada una muy hermosa para ir recordándolas. Cada vez, la vida nos sonríe y se hace más completa, llena de alegrías y momentos inolvidables. Lo importante es que nuestros hijos aprendan a manejarse con equilibrio y a descubrir su vocación de servicio para que sean cada vez mejores personas.
“Para nuestra madre solo tenemos palabras de agradecimiento y admiración. Es el pilar fundamental de nuestra familia y ha sido mi mayor soporte en mi rol de madre, de Ángel Julián y Álvaro. ”
Juliana, Ángel Julián y Álvaro
“Madre, como dice la cartita que te escribí hace años y aún guardas sobre el espejo de tu tocador, ‘gracias por todo lo que has sabido darme y siempre desear lo mejor para mí’. Desde temprana edad, comprendí que tenerte como madre fue un regalo de Dios dos veces”, Camila.
RS: Hace 2 años, te convertiste en abuela. ¿En qué se diferencian el amor de madre y el de abuela?
Rita Capellán: Al convertirme en abuela de Ángel Julián y Álvaro, he retomado el rol de madre, pero con más madurez, tiempo y experiencia. El amor hacia mis nietos es una extensión de lo que siento por mis hijas, el cual me ha hecho volver atrás y poner en práctica de nuevo todo lo aprendido. Esos dos angelitos han llegado para alegrar mis días y aún más por tratarse de dos varones, los cuales no había tenido la oportunidad de tener. Es una etapa maravillosa y la estoy disfrutando al máximo.
RS: Vienes de una familia grande y muy unida. ¿En qué nos fortalece como individuos contar con el apoyo y la presencia de la familia?
Rita Capellán: Tener una familia numerosa es una bendición. La certeza de contar con el apoyo solidario de cada uno de los miembros de nuestra familia me fortalece como persona y me brinda seguridad. En nuestra familia, nos apoyamos uno al otro incondicionalmente. Ante cualquier adversidad, nos unimos como equipo y salimos adelante juntos.
Mi familia ha sido mi sostén, mi inspiración y mi gran ejemplo a seguir. Soy de las que piensan que solo existen sociedades fecundas cuando hay familias unidas, trabajadoras, buenas y conscientes de que se educa con el ejemplo. Este el mayor y mejor legado dejado por nuestros inigualables padres, Fernando Capellán y Dilcia Peralta de Capellán, quienes partieron hacia el cielo hace poco tiempo. Tengo unos hermanos excepcionales: Fernando Aníbal, quien es la cabeza y líder de nuestra familia; Dilcia María, mi dulce compañera; y Mercedes Carmen, mi mayor apoyo, llena de sabiduría y temple. Definitivamente, contar con su apoyo es mi fortaleza para seguir adelante en la vida.
RS: ¿Cuáles sientes que son los retos que tienen las madres hoy? ¿Serán los mismos de antes o han cambiado algunas cosas?
Rita Capellán:Entiendo que los retos que tienen las madres de hoy en día siguen siendo los mismos de antes los cuales consisten en educar en valores y formar personas dignas y profesionales que aporten a la sociedad como ciudadanos íntegros y honestos. Los tiempos van cambiando para bien. Tal vez hoy en día las circunstancias que rodean estos retos sí han variado, sin embargo, la esencia de lo que debemos inculcarles a nuestros hijos sigue siendo la misma.
Hoy en día, nuestros hijos tienen muchas oportunidades, solo les toca aprovecharlas y nosotras, como madres de familia, seguir orientándolos para que sean capaces de formar familias sanas como mejor aporte a la sociedad y así seguir honrando, de generación en generación, a nuestros troncos familiares.Soy fiel creyente de que, si formamos familias inspiradas en valores, dedicadas al trabajo que ennoblece al hombre, ya luego de ahí llegan todas las demás bendiciones.
RS: ¿Qué valores recibiste de tu madre, que inculcaste en tus hijas y te gustaría que tus nietos también llevaran consigo?
Rita Capellán:El valor más importante que nos inculcó mi madre Dilcia Peralta de Capellán fue, sin lugar a dudas, el trabajo honesto y la educación de hogar. Mi madre fue una profesional talentosa, brillante y trabajadora que logró graduarse de Doctora en Farmacia en una época donde las mujeres aún tenían escasas oportunidades profesionales. Entiendo que estos mismos valores he logrado reproducirlos en Juliana y Camila, quienes se han convertido en profesionales en las áreas que las apasionan y lo han realizado en base a mucho esfuerzo, y de manera íntegra y honrada. Ahora Juliana junto a su esposo Ángel, quien también viene de una familia llena de valores y muy trabajadora, tienen el compromiso de inculcar estos valores a Ángel Julián y Álvaro para que lleguen a ser hombres de bien y que aporten a la sociedad. Yo, por mi parte, también educaré a mis nietos de manera divertida y amorosa. Sin embargo, el trabajo duro ahora les toca a ellos (risas).
RS: ¿Qué hace Rita en un día normal?
Rita Capellán: Me levanto temprano, muchas veces con el beso de mi nieto Ángel Julián quien, antes de ir a la escuelita, pasa a saludarme. Nunca me falta una oración antes de comenzar el día, primero, para agradecerle a Dios por mi familia y, luego, para pedirle a Él y a la Virgen su protección. Mi día a día es una sorpresa a diaria. Planifico mi día cuando me dispongo a tomarme el café de la mañana. Mi agenda es muy diversa y espontánea. Puedo un día pasármela realizando diligencias de trabajo, mientras que otro puedo irme al mar y disfrutarlo junto a mis hermanas.
RS: ¿De qué manera puede una mujer lograr cumplir con todos sus roles sin olvidarse de ella misma?
Rita Capellán: Siendo humana, auténtica. Sin parecer o querer ser más nada, ni nadie, que uno mismo. El tiempo siempre alcanza para todo, pero hay que darle prioridad a las cosas por su valor; primero la familia, la salud y el trabajo. Es importante siempre tomarse un momento para uno mismo, para reforzar nuestra paz interior y estabilidad emocional. Es indispensable encontrar lo que te hace feliz. Hay que buscar el equilibrio y, sin dudas, la organización es la base del éxito para cumplir con nuestras agendas cotidianas.
RS: ¿Cuál es el mejor consejo que has recibido, relacionado con la mujer y la familia?
Rita Capellán: El mejor consejo lo recibí de mi madre y es que siempre hay que tomar las decisiones sin egoísmo, pero firme en nuestros principios éticos y morales. Esto se traduce a que nosotras, como mujeres dadoras de vida, debemos también ser entes de paz armonía, sabiduría y amor en la familia.
RS: ¿Qué sueños aun te quedan por cumplir? Rita Capellán: Conocer lo que me resta del mundo. Descubrir otras culturas, otros países y seguir aprendiendo de la vida.
Hasta que al fin llegó el momento de compartir y revivir cada detalle de uno de los viajes más emocionantes de Nicole Marie Betances, Jusef Sánchez y Giovanna Vásquez (Giova Giova). Bride-to-be, diseñador de modas y estilista de novias (y personas muy queridas), respectivamente, visitaron las calles y más icónicas vitrinas de New York City buscando inspiración, texturas y magia para lo que será un vestido sin precedentes, de mucho significado y apuesta por lo local. La experiencia de probarse vestidos en Vera Wang, Oscar de la Renta y Carolina Herrera, los early lunches en Bergdorf Goodman, la selección de tela y todo lo que implica participar del exclusivo listado de personas especiales por las que Jusef ha incursionado en el #bridal y la esencia de ser novia, forman parte de una narrativa que retrata la ilusión y la magia de los nuevos comienzos. Teniendo además a la moda como conector perfecto y apropiándonos de cada sentimiento presente en esos días, y la emoción de poder vivirlo juntos, P.S. It’s Fancy se convierte en las páginas en blanco de una aventura contada en primera persona: la novia, Nicole Marie.
P.S. IT’S FANCY.
Take Over Nicole Marie Betances (& The Dress Experiencie en NYC)
Adjunto se encuentra un diario de las emociones vividas junto al diseñador Jusef Sánchez y la estilista Giovanna Vásquez en la búsqueda de la tela e inspiración perfecta en New York City.
GIOVA
Mi relación con Giova goes waaaaaay back, al 2017, cuando le pedí que me diera la oportunidad de hacer una pasantía con ella. Fue de las experiencias más divertidas y enriquecedoras que he tenido, disfruté demasiado mi tiempo trabajando en “Styling & Co”. Pero, sobre todo, aprecié demasiado salir con una relación tan especial con Giova. Hoy, ya para uno de los momentos más especiales de mi vida, me llena de emoción poder contar con #TheBridalStylist y amiga.
La experiencia para nuestro viaje a NYC arrancó con Giova organizando todas mis citas. Ella es la experta en conectarte directamente con las mejores casas de moda para novias. Me hizo cita en todos los lugares de ensueño, desde Bergdorf a Vera Wang, la verdad me sentía bien Carrie Bradshaw en todo el proceso. Probarme vestidos de novia fue toda una experiencia y un ejercicio que le recomiendo a toda novia. Aparte de que es un momento sumamente especial entré tu mamá, tus tías, hermanas y/o primas, también es un momento para encontrarte. No se imaginan todos los estilos que hay para probar.
Nuestra ruta arrancó temprano, el lunes, con un early lunch en BG (el restaurante dentro de Bergdorf Goodman), para luego pasar a su área de bridal y enseguida arrancar a probarme todo. No se imaginan todas las emociones que corrían por mí, era mi primera vez probándome vestidos y todavía sigo sin creerme que me estaré casando. Joan fue la encargada de recibirnos y acompañarnos en todo este proceso, me encariñé enseguida con ella. Nos dejó disfrutar, probar y tomar todas las fotos que quisiéramos. Luego de ahí, cada visita fue especial y única. Los vestidos de novia son igual a los de las princesas de Disney: un sueño. Si pudiera, siguiera en NYC todavía probándomelos. Carolina Herrera y Oscar de la Renta fueron de los highlights de todo el viaje. Me emocionaba poder visitar estas casas que, por años, llevan un espacio muy especial en mí. Giova me acompañó en todo momento, desde la llegada temprano a todo lugar, hasta subir todos los zippers de los vestidos. Es tan importante poder dejar ir las responsabilidades cuando tienes a alguien a tu lado en quien confías.
Para terminar la larga jornada de más de 20 vestidos probados y requeterretratados, terminamos en el famoso Carbone para celebrar y llorar de la emoción por lo que quedaba del viaje. Mi mamá y mis tías fueron el highlight de todo este proceso. Giova y yo teníamos, sin duda, al mejor “bridal squad”. Les puedo decir con certeza que fue todo lo que soñé y mucho más.
JUSEF
La decisión de hacerme mi vestido de novias con Jusef fue una de las decisiones más fáciles de todo este proceso. Ser novia debe de ser uno de los momentos más especiales de toda tu vida y rodearte de las energías correctas es una de las tareas primordiales.
Lo primero fue reunirnos y, obvio, hablar un poco de todo. Siempre fui muy clara en el sentimiento de lo que buscaba. Pero sí me encontraba súper abierta al momento de probármelo todo y encontrar la tela, la tela lo era todo.
Jusef llegó el jueves a New York, justo después de toda la jornada con Giova de probarme todos los vestidos que encontrábamos, ¡una tarea que ambos entendían era sumamente necesaria para encontrarme y ver realmente cual sería el estilo con el cual me sintiera más yo!
Ya al finalizar el ensayo, solo nos tocaba dar vueltas por todas las tiendas de telas en NYC. Para los que no saben, hay toda una calle de tiendas de telas, pudiéramos durar horas y días dando vueltas. Fuimos a las más reconocidas, como B&J Fabrics y Mood, pero de la primera ya yo sabía. No hubo mucho que discutir, Jusef y yo tuvimos un click al instante de conocernos, al igual que cuando vimos la tela.
Si pudiera sentarme con todas las novias y decirles algo, es que se disfruten cada momento de este proceso. Que se rodeen de personas especiales que hagan de él algo único. ¡Qué viaje de ensueño, qué días tan especiales y qué emoción por ver lo que viene de aquí en adelante!
Esta es la historia de una de las dinastías más importantes de la moda italiana, junto a los Fendi, Missoni, Etro y Ferragamo. Su patriarca y su heredero murieron en un catastrófico accidente, en diferentes momentos, en la misma carretera. Desde entonces inició una «maldición familiar» que les marcó hasta la nueva generación que lucha por rescatar la elegancia innata y esencia que siempre caracterizó a todos los que llevaban el apellido.
Cualquier guionista encontraría en el drama de esta familia un argumento perfecto para una historia donde hay de todo: ambición, talento, dinero, belleza, pasión, éxito y demasiadas muertes como para que todo fuera redondo. Fue el padre de los dos homenajeados, Nicola, quien hizo el imperio, allá por los años 70, al reinventar la fábrica que crearon sus tíos y situarla en las capitales más importantes del mundo, desde Europa hasta Estados Unidos, con especial influencia en el Hollywood de los 80. El sueño se quebró cuando en 1999, tras salir de una presentación impresionante en Milan, Trussardi fallecía en accidente de tráfico al regresar en su Mercedes a su casa de Bergamo.
Su viuda y sus cuatro hermosos hijos se quedaban desolados y rotos con esa ausencia. Pero no fue lo peor. Apenas tres años después su hijo Francesco, que junto a su hermana Beatriz se había puesto al frente del negocio, moría en carretera a bordo de su Ferrari. De ese golpe fue mas complicado recuperarse pero el resultado es que hoy tanto la viuda como los tres hijos son los que siguen con la expansión de esta firma que mantiene su esencia y su prestigio.
Breve historia de la firma
Nicola Trussardi
El Grupo Trussardi se funda en Bérgamo en 1911 como taller para la producción y distribución de guantes de lujo. La sociedad fundada por Dante se convierte en una de las empresas más exitosas en el mercado internacional de los accesorios, hasta el punto de ser nombrada proveedor oficial de la Familia Real Británica.
En los años 60, Nicola Trussardi lleva la tradición de la peletería a otro nivel, combinando materiales de calidad con diseño de vanguardia e investigación en el tratamiento de la piel, empezando con la producción de bolsos, maletas y accesorios para el hogar y sentando las verdaderas primeras bases de la que pronto se convertirá en la marca del estilo de vida italiano por excelencia.
La primera firma en adoptar un símbolo
En 1973 Trussardi es la primera firma de moda en adoptar un símbolo que identifica todos sus productos: el Galgo, icono de agilidad y dinamismo; en 1976 se inaugura la primera boutique Trussardi en Milán, en Via Sant’Andrea.
La revolución continua en los años 80. Trussardi lanza la colección “prêt-à-porter” y colabora con algunas de las más prestigiosos marcas italianas como Alitalia, Garelli, Agusta y Alfa Romeo, contribuyendo a su consagración como empresas sinónimo del más auténtico estilo italiano.
La primera mitad de la década, en particular, marca un nuevo capítulo en la historia de la marca y la moda en general. En 1984 Trussardi traslada el desfile de su colección de mujer otoño-invierno a la Piazza del Duomo de Milán, convirtiéndose en la primera marca del mundo en llevar la moda fuera de los espacios más “exclusivos” para abrirse y dirigirse directamente al público.
El Galgo.
En 1996, también en el centro de Milán, en uno de los símbolos por excelencia de la ciudad, se inaugura Trussardi alla Scala, primer edificio emblema del mundo de la moda que acoge un showroom, una boutique, un espacio dedicado al Café y un restaurante que en 2009 se amplía con una terraza de cristal diseñada por el estudio Carlo Ratti Associati, situada bajo el primer jardín vertical de Italia de Patrick Blanc.
El origen de la maldición
Bergamo, ciudad italiana hacia el noreste de Milán donde inició el legado en la moda de los Trussardi.
Esta narrativa es opuesta, muestra cómo llegar de la cúspide al más terrible de los subterráneos. Mientras Italia entera despedía a su «último rey», Giovanni Agnelli, patriarca de la Fiat, la noticia de la muerte del hijo de Nicola Trussardi en las mismas circunstancias dramáticas que su padre asestó un golpe doloroso a millones de admiradores de una dinastía de estilistas famosa en el mundo desde que, en 1910, Dante Trussardi (abuelo de Nicola, el diseñador) confeccionaba en Bergamo los guantes de piel más elegantes de la historia del curtido.
Francesco Trussardi, de 29 años, conducía un Ferrari 360 a alta velocidad camino de su casa a las cuatro de la madrugada cuando, por algún motivo, impactó contra un grueso poste eléctrico. Era lo mismo que le había sucedido a su padre, Nicola Trussardi, en la madrugada del 14 de abril de 1999 cuando regresaba a su casa de Bergamo al volante de un Mercedes coupé 210 CLK. El violentísimo choque contra un poste separador de tráfico convirtió el automóvil en un amasijo irreconocible, y los bomberos tuvieron que trabajar con sopletes durante hora y media para poder extraer el cuerpo del diseñador.
Francesco y Nicola Trussardi
Desde la muerte de Nicolás, su hijo Francesco había quedado a la cabeza de la firma que ahora se pensaba que había quedado totalmente huérfana. Aquella trágica noche del accidente, Nicola Trussardi volvía satisfecho a casa después de inaugurar su vistoso taller-exposición, con bar y biblioteca, en la Piazza de la Scala de Milán. Su hijo Francesco fue, desde entonces, el punto de apoyo de la familia y el sucesor al frente del negocio que tiene como emblema un perro, símbolo de agilidad, elegancia y buen gusto. Por desgracia, padre e hijo, también compartían pasión por la velocidad.
Todo por la velocidad
Nicola Trussardi, quien murió en 1999 con 56 años, fue en lo personal un abstemio y experto conductor. El Mercedes, con el interior diseñado por él mismo, se estrelló en una carretera de circunvalación de Milán cuando regresaba a casa, después de una maratónica jornada de trabajo.
Informes posteriores determinaron que el empresario pudo quedarse dormido al volante. Pero solo son meras hipótesis. Criticado por su íntima amistad con el difunto líder socialista Bettino Craxi, a Trussardi, licenciado en Economía, no le quedó más remedio que tomar las riendas de la compañía tras el fallecimiento de su hermano mayor. La muerte empezó a ensañarse con esta saga, que en 2013 facturó más de 153 millones de euros.
Los aportes de Dante, Nicola y Franceso: Abuelo, padre e hijo
Nicola Trussardi inventó nuevas técnicas de curtido y creó diversas líneas de perfumes, pret-a-porter, alta costura, jeans y prendas deportivas que tenían en común el estilo personal de su creador, un cultísimo amante del arte en el país de los genios renacentistas, que representaba en versión moderna, dotada también de dinamismo empresarial. Fue quien puso en órbita el humilde negocio de guantes de piel fundado en 1911 por su abuelo Dante. Nada glamuroso para lo que hoy representa este legendario apellido.
Con la ayuda de su esposa, Maria Luisa Gavazzeni, Nicolas logró algo impensable: transformar una firma provinciana de la llanura padana en objeto de deseo de las estrellas de Hollywood. Su trágica muerte a punto estuvo de truncar la historia de la firma del lebrel, logo de los Trussardi desde 1973. Francesco, su hijo y rico heredero, cargó sobre sus espaldas con el peso del imperio familiar. Abandonó las fiestas que tanto le apasionaban y se encerró en los despachos, donde llegó a pasar más de 12 horas diarias. La típica historia del niño bien que trata de redimirse y supera con sobresaliente semejante desafío.
Pero a Trussardi Junior, como se le conocía en los círculos empresariales milaneses, le pudo la pasión por la velocidad. Eran famosos sus encuentros con las estrellas de la Fórmula 1. Su destino parecía marcado. Perdió la vida recién cumplidos sus 29 años y llevaba cuatro al frente de la compañía junto a su hermana mayor, Beatrice. El Ferrari 360 que conducía a 200 kilómetros por hora terminó empotrado contra un poste eléctrico. Los Trussardi necesitaban reinventarse otra vez.
A la ‘mamma’ no le quedó más remedio que sacar fuerzas de flaqueza. La familia reorganizó la estructura empresarial. El diseñador Umit Benan se hizo cargo de la dirección creativa, pero el experimento resultó fallido, ya que sólo aguantó un par de temporadas. De hecho, algunos editores llegaron a tildar sus colecciones de «caóticas» y terminó pasando sin pena ni gloria.
Las caras actuales del relevo: los hermanos Gaia y Tomaso Trussardi
En un momento en que el lujo italiano pisaba el acelerador, el fin de siglo estuvo a punto de convertirse también en un fin de raza para los Trussardi. Mientras la familia superaba el duelo, los directores creativos externos se sucedían sin éxito y Tomaso y Gaia (hijos de Nicole y hermanos de Francesco) estudiaban empresariales y sociología. Hoy, pasada la treintena, han vuelto a casa: Gaia es la directora creativa y Tomaso el consejero delegado. Y sus nombramientos, como suele suceder en los grandes negocios, no gustaron a todos.
Lo que menos se imaginaban los Trussardi es que tenían el relevo dentro de casa: la pequeña Gaia y Tomaso. A la benjamina le pasó lo que a tantas herederas , que no entraba en sus planes trabajar en el negocio familiar, pero ahora está encantada.
Cuando se tomó la decisión de que Tomaso y Gaia tomaran las riendas, explican: “Aquel día el director general presentó su dimisión”, recuerda con una sonrisa irónica. ¿Le pilló por sorpresa? “En el fondo nos lo esperábamos, queríamos generar una ruptura respecto a lo anterior, y por eso hicimos lo que hicimos”, explica. Otro órdago. Los inicios nunca son fáciles, pero en su caso se convirtieron en un campo de minas, o una catarsis corporativa, según se mire. “En estos primeros tres años ha cambiado el 90% del consejo de administración, así que imagino que no les gustaba mi presencia”, bromeó Tomaso para una publicación Italiana.
Gaia
Gaia es el alma artística de la familia. Ella soñaba con ser directora de cine, actriz, fotógrafa e incluso cantante. «Siempre he sido muy creativa», detalla. De hecho, al terminar la universidad, pasó un año en Londres, donde se dedicó a componer y grabar canciones. Licenciada en Sociología, nunca estudió diseño, pero los lazos de sangre terminaron orientando su talento hacia el mundo de la moda. Arraigó «el sentimiento profundo» de formar parte de «mi familia y de la empresa que considero algo muy mío. En Italia es muy típica la identificación de la familia y el negocio», develó a la revista ‘Telva’.
No se puede decir que Gaia, a la que nunca le ha fascinado el lujo, desconociera los entresijos de la empresa. En vez de jugar con los demás niños en el parque, sus padres la llevaban a ella y a sus hermanos a la fábrica. «Viéndoles aprendí a cómo se debe trabajar», afirma.
No solo eso. Junto a su hermano Tomaso, ha participado desde pequeña en numerosas campañas publicitarias de la firma y hasta posado, como en 1997, para el genial Richard Avedon. También ha ido del brazo de su padre, «un pionero de espíritu futurista al que se le ocurrían mil ideas por minuto», a numerosas fiestas cuando su madre se quedaba «cansada» en casa. Tiene subrayada en rojo la cena de presentación de la revista ‘George’, que dirigía el difunto John John Kennedy, hijo del expresidente de Estados Unidos: «Allí estaban todas las estilistas y yo, una jovencita de 16 años y de pueblo, que no sabía muy bien cómo comportarme».
Pese a desfilar con soltura, Gaia admite que no se sentía «muy cómoda» haciendo de modelo. «Mi padre, una persona sencilla y entrañable, nos educó siempre para ser humildes y estar en un segundo plano», argumenta. Acostumbrada a moverse en Vespa por las calles milanesas, a Gaia casi siempre le surgen las ideas yendo en coche o en bicicleta. «Son dos momentos en los que mi cerebro es libre», confiesa.
Curiosamente, algunas colecciones han nacido en la misma carretera donde su padre y hermano perdieron la vida. Por la que tantas veces circula cuando se dirige al formidable palacio que el clan posee en Bérgamo a consultar los archivos de la casa. «Bastó un minuto para crear en mi cabeza una línea inspirada en los camiones americanos tras cruzarme en la carretera con dos vehículos, uno amarillo y otro ‘rosa shocking’». Así es como surgieron las camisetas con serigrafía con Lorry Drivers, estrellas glitter.
Tomaso
Tomaso nació en 1983, el mismo año en que Trussardi ponía patas arriba la plaza del Duomo de Milán para celebrar el primer desfile de de prêt à porter de la marca. “Mi padre solía llevarnos a la fábrica cada fin de semana, así que siempre pensé que acabaría trabajando allí”, recuerda. Durante aquellos primeros años noventa, los propios Trussardi empezaron a ejercer como imagen de la marca. No hay mejor recurso de mercadotecnia que unos buenos genes, y los Trussardi los tienen.
Para muestra, la fotogenia de Francesco, el primogénito, o del propio Tomaso que, junto a su hermana Gaia, posaba junto a los signos de la herencia de vida familiar: perro de raza, coche de lujo y finca. Fue en 1998, un año antes de que su mundo familiar se desmoronara.
Lo que sí parece claro, ahora que las aguas han vuelto a su cauce, es que el joven Tomaso ya tenía algo en mente: una dirección “más joven y más adaptada al siglo XXI”, explica. “No podíamos seguir manteniendo un modelo de negocio propio de los años ochenta y noventa, cuando una estrategia acertada podía funcionar por inercia durante cinco años”.
Tomaso tiene un sentido del espectáculo más mesurado, quizás porque le ha tocado vivir la celebridad muy de cerca. “Pero eso es por mi mujer”, se adelanta antes de que saquemos el tema. Ese tema. El de su mujer, Michelle Hunziker, presentadora estrella de la televisión italiana (ella, de 38 años, nació en Suiza, pero ha desarrollado buena parte de su vida en Italia) y exmujer del cantante Eros Ramazzotti, con el que tiene un hijo. Desde su boda, el año pasado, forma con Tomaso una pareja idílica y profusamente fotografiada por la prensa del corazón.
Han tenido dos hijos y, siguiendo sus consejos, el joven empresario se ha animado a cruzar la línea de fuego de la respetabilidad para participar en programas televisivos como la versión italiana de Project Runway, donde aporta su visión empresarial a los aspirantes. También ha dejado de agobiarse por la presencia de los paparazzi en un momento en que la marca familiar está adquiriendo, por fin, una identidad clara. “La visibilidad que generamos es buena para la marca y muchas personas en mi posición la querrían para ellos. Es así. Sería cínico si no lo reconociera”, explica con vehemencia. Y tiene razón.
Pocas empresas tienen tan clara cuál es su mejor imagen. ¿Por qué buscar fuera lo que ya se tiene en casa?, piensan en Trussardi. Y quizás en ello resida la clave de la longevidad de la firma: en creer firmemente que todo funciona mejor si lleva el apellido familiar.
Determinación es probablemente la palabra que mejor describe a la primogénita de Rosario Nadal y Kyril de Bulgaria. Con 12 años tuvo clarísimo que la música sería su futuro y trabajó duro para encontrar su lugar en la industria. Mafalda de Bulgaria, quien actualmente tiene 26 años,«nunca quiso ser una princesa a la antigua usanza pese a ser descendiente directa del rey Simeón e hija de Kyril, príncipe de Preslav, y Rosario Nadal, una de las mujeres más elegantes de toda España».
«Sus padres, Rosario Nadal y Kyril de Bulgaria, separados desde 2009, nunca llegaron a fijar su residencia habitual en España, pero ella ha veraneado toda su vida en Palma de Mallorca junto al resto de sus primos y de la Familia Real española», publicó la revista Vanity Fair. Nació en Londres el 27 de julio de 1994 y en la capital británica se crió junto a sus dos hermanos pequeños, Olimpia, de 25 años, y Tassilo, de 19.
Mafalda de niña, junto a sus padres y dos hermanos.
Además de cantante, es pianista y compositora y su primer disco en el mercado fue producido por la misma persona que descubrió a Amy Winehouse, Ian Barter. Al igual que Estefanía de Mónaco, Mafalda siempre supo que lo suyo era la música. Y además sumó talento, mucho. Y así lo demostró en el primer concierto ofreció en la Sala Siroco de Madrid hace unos cinco años.
Estudió en Berklee
Mafalda Sajonia Coburgo, a la que muchos han apodado como la princesa de la electrónica y el dark pop, estudió en el Berklee College of Music, universidad por cuyas aulas han pasado grandes nombres de la industria musical como John Mayer, Quincy Jones o Juan Luis Guerra, y donde se graduó después de tres años en Massachusetts con honores Cum Laude.
Tras terminar sus estudios, se instaló en Nueva York, una ciudad que visitaba a menudo los fines de semana. Allí vivió desde 2017, inspirándose en sus calles para crear, no solo música, sino también moda. Era habitual verla en cada Fashion Week, especialmente disfrutando en los eventos organizados por Valentino, uno de los grandes amigos de su madre quien además fue musa del creador italiano.
Se podría decir que Mafalda siguió esos pasos, pero desde una perspectiva distinta, moviendo magia con su música en esos encuentros de moda. En Septiembre de 2018 fue invitada por Michael Kors para cantar en la fiesta organizada por el diseñador en el Hotel Claridge’s de Londres frente a grandes de la moda y la aristocracia como Kate Moss, Sabine Getty, Cressida Bonas o Lady Amelia Windsor.
Una Popstar que canta en inglés
Ona Mafalda - Daisy Chain (Official Video)
Era apenas una adolescente cuando comenzó a componer sus primeras canciones pero para sorpresa de muchos sus primeros singles, no fueron en su lengua natal, sino en inglés.
Desde la primera vez que se presentó en una actuación pública durante el desfile de Massimo Dutti en 2017, no fue hasta noviembre del año pasado cuando Mafalda presentaba en sus redes sociales uno de sus últimos singles, «Decir adiós«, siendo la primera vez que cantaba en español.
Es así, la nieta del rey Simeón de Bulgaria, solo cantaba en inglés, quizás por su formación o por sus largas estancias en New York pero la pandemia cambió su perspectiva. Como expone el portal de actualidad Look: «Este cambio no es algo que haya decidido de la noche a la mañana, sino que comenzó a pensar en él durante su actuación en la sala madrileña Siroco donde, según ha contado, «la energía del público hizo que decidiera vincularme más con España y que mi próximo proyecto fuera en español».
«Si bien se siente muy cómoda hablando en inglés, pues ha «nacido, crecido y estudiado en países anglosajones», recuerda que el «español es mi idioma materno, el que hablamos en familia, y siempre ha estado muy presente. Hacer música en español ha sido un paso natural para mí». Al contrario que otras artistas, para ella cantar en español no es ni mucho menos un salto para atrás o una limitación, «al contrario, está siendo parte de mi desarrollo como artista y abriendo nuevos horizontes, permitiendo llegar a un nuevo público»» respondió a la publicación.
Siete días trancado Me estoy volviendo ligeramente loco: el gran ingreso de Maeno&Co, la producción de eventos, es la fuente número uno de propagación del virus. En un período de una semana, se me desplomó el modelo de negocios por un período (optimista) de tres meses. ¿Qué iba a hacer? Estaba pasando por un período de luto, de shock.
10 días trancado Al igual que todo el mundo, me he dedicado a pedir comida por delivery. De hecho, he visto restaurantes, que antes no ofrecían servicio a domicilio, montarse ahora en el tren. Qué interesante ver que están llevando la experiencia de comer en sus establecimientos a comer en casa. Espérense… Espérense… Esa noche, me despierto a las dos de la mañana, con una idea loca en la cabeza: tengo que llevar la experiencia de los eventos de Maeno&Co por delivery, igual que esos restaurantes. El cliente ideal para eso es La Bodega, una empresa innovadora que sé que le gusta la aventura de lanzarse a ser los primeros en hacer las cosas. Les escribo un e-mail de madrugada y, ya en la tarde, tengo la aprobación de todo el equipo.
21 días trancado “A casa llena” es una realidad. 36 invitados por Zoom, todo el mundo con el mismo plato y el mismo vino, gracias a un kit de evento que enviamos por delivery. Fue un exitazo, y efectivamente fue el primer evento virtual de su tipo en República Dominicana. Con un evento presencial, uno controla el encanto de un recorrido, el contar una historia en cada espacio, el enamorar con cada punto de entretenimiento. En un evento virtual, ¿Cómo se puede replicar ese encanto? Con “A casa llena”, yo entendí que lo importante era que todos, aún en la distancia, nos sintiéramos como parte de un conjunto. El encanto estuvo en la sintonía, en brindarle a personas que tenían tantos días separados del mundo la posibilidad de divertirse y sentirse especiales. Si algo yo he confirmado en estos días, es que un montaje no hace evento; Un evento lo hace la gente que asiste.
42 días trancado Gracias a ese primer invento, pudimos realizar un segundo: Gin Gin, de la ginebra Tanqueray. El plan era que el chef Erik Malmsten utilizara su nuevo kit coctelero para ofrecer un taller con una receta de gin & tonic muy suya y que Andrés Augusto Aybar tomara el inventario de El Estudio Store para mostrarnos cómo darle giros diferentes al carrito de bar casero. Otro gran éxito, porque los invitados disfrutaron muchísimo aprendiendo. De hecho, en nuestro reporte Maeno&Covid, habíamos recomendado que las iniciativas durante el confinamiento tuvieran un toque didáctico, porque la gente está aprovechando este tiempo para aprender y actualizarse. Aquí, definitivamente, lo aplicamos.
Es una forma utilizar nuestro talento para llevar un poco de alegría y una sensación de comunidad en momentos tan retadores como este, donde muchos pueden sentirse muy solos.
Es una forma de utilizar nuestro talento para llevar un poco de alegría y una sensación de comunidad en momentos tan retadores como este, donde muchos pueden sentirse muy solos.
50 días trancado ¿Estos eventos virtuales son tan rentables como los eventos presenciales que hacíamos en Maeno&Co? No, pero sí que hay un retorno grande en el posicionamiento de nuestra empresa como una agencia innovadora y, sobre todo, en la capacidad de utilizar nuestro talento para llevar un poco de alegría y una sensación de comunidad en momentos tan retadores como este, donde muchos pueden sentirse muy solos. Ese, realmente, ha sido nuestro gran aporte.
“Creemos que cada colección es más que la suma de sus vestidos; la ropa puede hablar por sí misma e inspirar. Nuestra colección Primavera Verano 2021 se trata del encuentro de culturas. Traemos el alma caribeña a Sudamérica, inspirados en la fusión de diferentes estilos que reflejamos en piezas vivas y elegantes. En esta ocasión, nuestra intención es conectar la herencia caribeña con la cultura más rica del campo uruguayo”, Florencia Bordino & Claudia González.
1. Isla & White nace de la inspiración de vivir en República Dominicana de una uruguaya y una ecuatoriana que se conocieron en la isla.
2. Nuestra producción es 100% made in DR.
3. Nos encanta jugar con el concepto de llevar el Caribe en cada colección a diferentes lugares por eso hacemos campañas en otros países como Uruguay y Chile.
4. Isla nació en un viaje de amigas a New York caminando por la quinta avenida cuando dijimos porque no le damos vida a esta idea.
5. Lo que más disfrutamos es de crear el concepto de cada colección. Nos encanta imaginar el storytelling de cada una y darle vida a esa historia en nuestros prints y diseños.
6. Trabajamos nuestros prints exclusivamente para la marca con distintos diseñadores gráficos y artistas.
7. Solo diseñamos ropa para mujer pero siempre nos piden que hagamos una versión para hombres.
8. Nuestra ultima colección la hicimos en pandemia a distancia y fue un gran desafío. Pero nos enseñó que podríamos hacerlo funcionar y de ahí nació SS21.
9. Nos encanta ver mujeres tan diferentes usar nuestras prendas y que logren darle su estilo. Nada más lindo que las prendas cobren vida en quien las usa.
EDITORIAL.
Detrás de la concepción de cada proyecto, hay un buyer persona (o varios). Se trata de esa persona imaginaria ideal para la que creas. Es una de las tantas poderosas herramientas del mercadeo para humanizar sus marcas y tener una visión clara de quien está sentado justo enfrente, o más bien en el centro, ansioso por escuchar cada detalle de su grandiosa historia. La persona de la diseñadora uruguaya Flor Bordino y la mercadóloga ecuatoriana, Claudia González, es Isla: elegante, fiel a su personalidad, actual, apreciadora del lujo, cazadora de arte, amante de la cultura y, sobre todo, de alma intensamente caribeña. Es estilosa y se destaca, por eso, cada diseño tiene un número limitado de piezas. Cada estampado está hecho exclusivamente para ella, al igual que las siluetas modernas que reflejan a la perfección sus movimientos. Al final del día, Isla (& White) es un melting pot de estilos de vida, ideas, influencia cosmopolita e inspiración particular de sus creadoras. Cada pieza está cuidadosamente hecha a mano en República Dominicana, quizás en honor a la isla donde coincidieron tantas veces, hasta que emprendieron juntas en la moda en marzo del 2017. Desde entonces, trabajan non-stop con el objetivo de hacer de lo sofisticado algo accesible y siempre lo logran. Su más reciente colección, SS21, es testigo de ello y su incansable intención de emprender vuelo a destinos muy distintos con cada creación, llevándonos en esta ocasión a los campos de Uruguay. El resto lo explican en estos 9 Facts.
«La heredera del ducado de Medinaceli es la mujer española con más distinciones de nobleza y pertenece a una de las casas con más tradición nobiliaria del país», así lo explica el diario español El País.
Y lo continua la publicación Mujer Hoy: «La de Medinaceli es una de las casas nobles más antiguas e importantes de Europa, descendiente del rey Alfonso X el Sabio. La actual Duquesa de Medinaceli –la número XX–, con grandeza de España, es una joven de 24 años, de ascendencia germano-española, que ostenta el título de princesa, con tratamiento de Alteza Serenísima, por su pertenencia a la casa Hohenlohe-Langeburg». Se trata de Victoria Hohenlohe, la duquesa con más distinciones nobles de España.
Procedencia de sus títulos nobiliarios
Lo cierto es que han pasado casi ocho años desde que Victoria Eugenia Fernández de Córdoba y Fernández de Henestrosa, familiarmente conocida como Mimi de Medinaceli, XVIII Duquesa de Medinaceli, con 42 títulos nobiliarios, 11 de ellos con Grandeza de España, falleciera a los 96 años en la sevillana Casa de Pilatos.
Y, según publicó el Boletín Oficial del Estado (BOE) en 2017, a su bisnieta Victoria, le fueron concedidos tres de sus títulos: el marquesado de Cilleruelo, el de San Miguel das Penas y el condado de San Martín de Hoyos, en ese mismo año.
Estos títulos se suman al condado de Ofalia (que llevó su abuela Ana de Medina y que su padre en vida le concedió a ella), y al ducado de Medinaceli, que Victoria reclamó cuando todavía lloraba la muerte de su papá.
Aunque sobre estas cuestiones siempre hay discrepancias, el rango actual de Victoria, como XX duquesa de Medinaceli y descendiente directa de los Reyes de Castilla, es más elevado que los de Alba y Medina Sidonia, según explica la ABC.
La primogénita de Marco de Hohenlohe
Victoria tenía solo 19 años cuando heredó el título de su padre, Marco de Hohenlohe, como primogénita. Él a su vez lo había recibido de su abuela materna, Mimi de Medinaceli, abuela también de los mediáticos Rafael y Luis , Medina.
El padre de Victoria era hijo de Ana Medina, hija de la duquesa, también fallecida. De hecho, Ignacio, duque de Segorbe, es el único de los hijos que vive. Está casado con María Gloria de Orleans y Braganza, prima hermana del Rey emérito, don Juan Carlos.
Victoria, junto a su padre Marco.
Los orígenes de Victoria
Nació en Málaga pero ha pasado la mayor parte de su vida fuera de España, en Munich, con su madre Sandra Schmidt-Polex, divorciada de su padre, Marco Hohenlohe-Langeburg, XIX Duque de Medinaceli. Su padre falleció repentinamente en 2016 por las secuelas de un grave accidente de moto que sufrió años atrás.
Ella, actualmente sigue sus estudios de Relaciones Internacionales en el Instituto de Empresa de Madrid, donde reside en un apartamento con varias amigas, mientras termina su formación. Cada poco tiempo acude a Sevilla, la ciudad de su familia paterna.
Tiene 24 años, recién los cumplió en Marzo. Quien la vea pasear por la ciudad con las bolsas étnicas en las que lleva sus libros, difícilmente podrá llegar a imaginar de quien se trata. Es prudente, cercana y algo tímida, no lleva bien ser centro de atención, aunque tiene un gran sentido de la responsabilidad. Aunque adora Sevilla, no es aficionada a la Semana Santa Sevillana. Pero uno de sus pasatiempos favoritos es acudir al hipódromo de Madrid. También le gusta el esquí.
Uno de sus mayores apoyos es su hermano Alexander, tres años menor que ella, y que ha heredado los títulos de Duque de Ciudad Real y Marqués de Navahermosa. El joven ha pasado un tiempo en Irlanda, pero su contacto con Victoria ha sido constante, según explica Mujer Hoy.
Sus pocas apariciones públicas
La primera vez que se mostró en público fue, de riguroso luto, en la misa funeral por su padre. Padre e hija estaban muy unidos y Victoria acudía todos los veranos a Sevilla a pasar unos días de vacaciones, hasta que la joven se instaló en España en 2014, cuando su padre se convirtió en el XIX Duque de Medinaceli. Pero, si por algo destaca Victoria es por su discreción.
Casi no acude a actos sociales. Ha asistido a alguna boda familiar, y a la de los Duques Huéscar, en el Palacio de Liria, hace dos años. Pero no suele utilizar joyas familiares. Su seña de identidad son los conjuntos de aire “boho”, con sombreros de estilo años veinte y complementos de bisutería, agrega el portal femenino.
Más de un biógrafo asegura que Grace «nació con suerte: bella, talentosa, con un alto carisma sexual que le llevó a conquistar a los hombres más codiciados de Hollywood y del mundo. Tenía el dinero y la crianza para tenerlo todo» y lo tuvo. Pero el guión de su vida, que parecía pasearse entre el cuento de la princesa de rizos dorados e increíblemente bella que proponía Erdman Penner, y alguno que otro aspecto sensual de «Jessica Rabit», «no tuvo el esperado final feliz» que proyectaban las más importantes páginas de su historia.
Grace Kelly se convirtió en una de las pocas personas en impactar al mundo con dos grandes legados. Uno en el cine, donde todavía recuerdan a «Gracie», la mujer de fantasía de las películas, sofisticada y traviesa, que brillaba y reía. Y un segundo en el principado y las calles de Mónaco, donde llevó el glamour, luz, gracia, dignidad y diversión, haciendo de este un lugar más hermoso y mágico, por un momento brillantemente inolvidable.
Un poco sobre su infancia
Grace Patricia Kelly nació el 12 de Noviembre de 1929, convirtiéndose en la tercera de cuatro hermanos: Margaret «Peggy» Katherine (1925–1991), John «Kell» Brendan Jr. (1927–1985), Grace Patricia (1929–1982) y Elizabeth «Lizanne» Anne (1933–2009). De niña era tímida, introvertida, un poco reservada, sensible y para nada la «favorita de papá», según la BBC.
Su padre
Jack Kelly, el padre de Grace
Su papá, Jack Kelly, era de ascendencia irlandesa y muy ambicioso. Su firma de construcción «Brickworm» construyó la mansión donde vivió junto a su esposa e hijos en una zona élite de Filadelfia. En 1920 le negaron la entrada al evento de remo más ilustre del mundo, la Regata Real de Henley, porque «trabajaba con sus manos».
Movido por esto entró a los juegos olímpicos y desde entonces fue considerado uno de los remeros estadounidenses más exitosos en la historia del deporte de remo. Triple ganador de la medalla de oro olímpica, el primero en hacerlo en el deporte del remo. Ganó 126 carreras seguidas en la modalidad individual y se le nombró «héroe norteamericano». También estuvo involucrado en política. Después de servir como presidente de la Ciudad Demócrata, se postuló sin éxito como candidato demócrata a la alcaldía de Filadelfia en 1935.
Su madre
Su madre, Margaret Katherine Majer, hija de inmigrantes alemanes, fue reina de belleza, maestra y ex-atleta. Al igual que su esposo, era muy competitiva y sumamente estricta. De adolescente optó por el modelaje como part time job. Fue a la universidad y obtuvo un B.A. en la Universidad de Temple en 1921.
Se hizo instructora en Educación Física para Mujeres en el Colegio para Mujeres de la Universidad de Pensilvania. Se convirtió en la primera entrenadora de equipos atléticos femeninos en la universidad, organizando y entrenando un equipo de baloncesto femenino y programando las primeras competencias interuniversitarias para mujeres.
También dirigió una exitosa campaña de recaudación de fondos para construir canchas de tenis para mujeres en lo que, durante algunos años, fue un terreno baldío en la esquina sureste de las calles Treinta y Cuatro y Walnut. Todos sus aportes y trayectoria la llevaron a ser reconocida como «fundadora del atletismo femenino en Pensilvania».
Por otro lado, después de que todos sus hijos estuvieran en la escuela, Margaret también participó activamente en varias organizaciones cívicas. En 1935, comenzó una larga asociación con el Woman’s Medical College of Pennsylvania, sirviendo en su auxiliar y junta de corporaciones antes de presidir el programa de desarrollo y luego recibir un doctorado honorario en letras de la escuela.
En reconocimiento a sus contribuciones, la Facultad de Medicina de la Mujer nombró una sección del hospital en su nombre. También se desempeñó como miembro de la Junta de Educación de Filadelfia de 1961 a 1964 y como líder de juntas y grupos de voluntarios asociados con la Asociación de Filadelfia para Niños Retrasados, el Hospital de Rehabilitación Moss y el Comité de la Casa de Filadelfia.
El amor de sus progenitores
Jack Kelly y Margaret Katherine Majer tenían 10 años de diferencia. Después de un largo noviazgo, se casaron. Algunos medios mencionan que su primer encuentro fue en la piscina del vecindario en donde ambos vivían, pero lo cierto es que lo que vivieron juntos como padres de la princesa consorte, es más público que el resto.
La familia de Majer era luterana y ella se convirtió al catolicismo antes del matrimonio. En general, fueron una pareja estable, con sus altas y bajas pero muy afines en la crianza de sus hijos y el enfoque de vida. Compartían la pasión por el deporte y los dotes de liderazgo.
Sin embargo, Jack no quedó fuera del listado de los hombres mujeriegos del momento. Tras el nacimiento de sus hijos, las relaciones extramatrimoniales incrementaron, hasta llegar a hacer a su esposa, e inclusive a la mismísima Grace, quien era la más sensible de sus hijos, muy infelices según la BBC. Aún así, permanecieron casados hasta el último de sus días.
Grace: La formación de niña a adolescente
«Era débil» pero hermosa y según la BBC, se enfrentó a muchas desilusiones por parte de su padre, quien presentaba notable favoritismo por su hermana mayor «Peggy». Cuando nació Grace, la familia Kelly ya gozaba de una cierta bonanza económica y la hazaña olímpica de su padre los hizo una familia muy conocida en Filadelfia. Recibió una educación católica en el Academy of the Assumption, en Ravenhill, donde completó sus estudios e hizo sus primeros papeles en el teatro, incluyendo el de la Virgen María en las obras de Navidad del colegio.
Comenzó a practicar ballet, lo que consideró su primera vocación. También inició su afición por la lectura, de manera especial de las obras teatrales de su tio George, quien había ganado un Premio Pulitzer en 1926 por su obra de teatro Craig’s Wife.
Con catorce años, se matriculó en la Old Academy Players que tenía un grupo de teatro donde ya había actuado su hermana Peggy para fundaciones benéficas.
Es en este momento, en 1943, cuando Grace decide que quiere triunfar en el escenario, como bailarina de ballet o como actriz. Y mucho de esto se relaciona con sus tios: George Kelly, dramaturgo de renombre en Estados Unidos y Walter Kelly, cantante de un music hall y actor, que disfrutaron de cierto éxito en escena.
Tras finalizar sus estudios secundarios en 1947, Grace cursó en la Stevens School. Después se matriculó en el Academy of Dramatic Arts de Nueva York dejando su Filadelfia natal para iniciar formalmente su carrera en la Gran Manzana.
La inolvidable actriz
Mientras estudiaba en Nueva York, Grace, al igual que su madre, fue modelo. Lo hizo para campañas publicitarias que iban desde cigarrillos hasta lencería. Incluso llegó a patrocinar la marca de cigarrillos Old Gold , que se anunciaba en grandes carteles en las calles céntricas de Manhattan.
Se inició en teatro. Tras terminar su primer año, su tio le invitó a interpretar un papel en su obra «The Torch Bearers» y al culminar el segundo, le llegó la oportunidad de actuar por primera vez en Broadway, con la compañía del célebre Raymond Massey, con una obra de August Strindberg titulada The Father.
La actriz Grace Kelly
Grace da un salto a la televisión y al cine
Las críticas sobre su actuación fueron tan favorables, que abrieron una puerta a importante a ofertas tanto para teatro como para televisión. En los dos años siguientes interpretó más de sesenta papeles dramáticos de todo tipo, en su mayoría para la pantalla chica.
El éxito en la televisión le proporcionó la oportunidad de dar el salto a la pantalla grande. Aunque su primer papel no fue tan relevante, le valió para ganarse la atención de varios directores, como Fred Zinnemann y John Ford, que le catapultaron con papeles inolvidables, junto a estrellas como Bing Crosby.
«Solo ante peligro» y «La Ventana» fueron solo algunas de las producciones más prometedoras, pero «Mogambo», donde compartió escena con Clark Gable y Ava Gardner; fue la que le llevó al Globo de Oro.
Tras el éxito obtenido con Mogambo, firmó con la MGM por siete años. No mucho después la Warner Brothers pidió la cesión de Grace en la MGM para participar en una película de Alfred Hitchcock «Crimen perfecto» y Grace conectó con su manera de dirigir, tanto que se convertiría en la primera actriz en actuar en tres películas consecutivas de del director.
Grace Kelly Wins Best Actress: 1955 Oscars
The Country Girl, en 1955 le llevó a ganar un Oscar, y posteriormente también un Globo de Oro, ambos como «Mejor Actriz de Cine». Entre «Atrapa a un ladrón«, con Cary Grant, y «El Cisne«, todavía se debate cuál pudo haber sido más importante, al final del día ambas filmaciones le llevaron a Mónaco, donde su vida cambiaría para siempre.
Una visión distinta del amor
Durante su carrera como actriz, su vida amorosa fue centro de grandes polémicas. Desde directores, grandes magnates hasta compañeros de reparto, quedaron impresionados con la belleza y estilo de Grace, y fueron vinculados con la actriz, estando todos casados. Lo interesante es que, a la vez, los perfiles eran muy similares: casi todos mucho mayor que Grace, como si estuviese buscando en ellos el apoyo de un papá que deseó tener o emulando los comportamientos inapropiados dentro de una relación que vio en casa cuando era pequeña.
Un simple viaje a Mónaco
Lo cierto es que, cuando rodaba la película El cisne, durante su estancia en Mónaco, fue presentada al príncipe Raniero III de Mónaco. Él la invitó a visitar los jardines de palacio y poco tiempo después iniciaron una relación amorosa. Al regreso de Grace a Estados Unidos, la prensa no cesaba con preguntas sobre el príncipe pero ella, al inicio, prefirió la discreción.
Al terminar esta película, la MGM le presentó un nuevo proyecto, se trataba del filme Alta sociedad (1956), que era una adaptación musical de The Philadelphia Story, una comedia teatral de Philip Barry. Aceptó sin jamás imaginarse que sería su último.
Durante el rodaje se produjo un hecho que cambió por completo su vida, el príncipe Raniero III de Mónaco viajó en avión hasta la casona de los Kelly en Filadelfia para pedir la mano de Grace Kelly y acordar los términos del compromiso.
Según Vanity Fair: «Grace conoció a Rainiero en Mónaco en 1955. Él viajo a EEUU poco después, conoció a su familia y a los tres días le pidió que se casara con él. ¿Amor a primera vista? No queremos negar la posibilidad pero también era de sobra conocido que él necesitaba casarse y tener hijos puesto que de lo contrario Mónaco hubiera pasado a depender de Francia. Aún así, la noticia de su compromiso con Grace Kelly se vivió como si de un cuento de hadas moderno se tratara».
Actress Grace Kelly in casual pose w. armful of roses standing on sidewalk (surrounded by fans and photographers) during shopping trip. (Photo by Lisa Larsen/The LIFE Picture Collection/Getty Images)
Lo cierto es que, tras hacerse pública la noticia, Grace terminó de grabar su última película que estaba ya en proceso de filmación. MGM aceptó que se rompiera contrato, pero bajo la condición de tener la exclusiva de la boda, además de patrocinadores principales.
La boda más vista de la historia
El 19 de abril de 1956, una radiante Grace Kelly entraba en la catedral de Nuestra Señora Inmaculada entre nubes de seda, tafetán y miles de perlas cosidas a mano. La hasta entonces estrella de Hollywood era la protagonista de la boda del año y lucía un vestido de novia con cuerpo de encaje y falda ondulante.
Lo había ideado la encargada de vestuario de los estudios de la Metro-Goldwyn-Mayer, Helen Rose, y escondía el trabajo de varias semanas de 36 costureras. Su prometido, el príncipe Rainiero de Mónaco, esperaba en el altar con la pechera henchida con condecoraciones.
Era el final de película que merecía una historia de amor que había conquistado al mundo.
En el momento de la boda, Grace Kelly tenía 26 años y Raniero 32. Poseía además 24 títulos nobiliarios, pero no una excesiva fortuna. La boda, que llegó a reunir a 30 millones de espectadores en todo del mundo, sirvió de escaparate para las medidas económicas y ventajas fiscales que impulsaría el joven príncipe y que aumentarían el turismo de lujo atrayendo a las grandes fortunas al principado, según Vogue.
Detalles de la recepción
La publicación de moda también agrega que a la ceremonia acudieron más de 600 invitados y unos 30 millones pudieron ver la ceremonia por la TV. Como curiosidad, fue ella la que esperó en la catedral de San Nicolás a la llegada del novio. Y también tuvo que ayudarle terminando por colocarse la alianza ella misma, ya que el príncipe, nervioso, no acertaba.
Así mismo, comentaron sobre la imponente tarta nupcial: «tenía seis pisos y estaba trufada de símbolos y guiños a la historia del pequeño principado. En el banquete, se degustaron platos de salmón, caviar, pollo, huevos en gelatina y langostas».
También sobre las Las damas de honor que acompañaron a Grace Kelly: «Iban de amarillo pálido con unos vestidos que imitaban la abotonadura del propio traje de novia de la princesa. La actriz se había embarcado con ellas, su familia y su caniche Oliver solo 15 días antes de la ceremonia en el transatlántico SS Constitution. Llevaba más de 80 piezas de equipaje. A su llegada a la Riviera francesa, más de 20.000 personas la esperaban para saludarla».
Vanity Fair, agregó: «Los monegascos se volcaron en la ceremonia y en los fastos, que duraron varios días. Las casas reales de Europa dieron la espalda a los Grimaldi. Solo acudió el rey Faruk de Egipto. Y Onassis, por supuesto. Y medio Hollywood, entre otras Ava Gadner, compañera de Kelly en Mogambo. Y 1.500 fotógrafos y periodistas, que intentaron hacerse un hueco entre los 23.000 habitantes que entonces tenía la Roca. Montaron tal lío que Rainiero no dijo aquello de “Si me queréis irse”, como la Faraona en la boda marbellí de su hija, pero pidió ayuda a la gendarmería francesa para poner orden».
La princesa de Mónaco
Grace trabajó duro para posicionar al Principado en el mapa mundial, convirtiéndolo en uno de los lugares más glamurosos del mundo.
Esposa, madre, anfitriona, compañera, apoyo y confidente. La americana fue además uno de los iconos de la moda, belleza y elegancia de todos los tiempos.
La organización mundial sin ánimo de lucro, Instituto Cervantes, celebró la mañana de este miércoles un acto para conmemorar los 30 años de su fundación. La ceremonia estuvo encabezada por la princesa Leonor, heredera del trono español, por mandato de su padre, Felipe VI.
Dentro de los actos llevados a cabo en el evento, Leonor depositó en la Caja de las Letras, el ejemplar de la Constitución que leyó el 31 de octubre de 2018 y el ejemplar del ‘Quijote’, el cual compartió junto a su hermana la infanta Sofía, el 23 de abril de 2020.
Todos están hablando de la hija de Felipe y Letizia, tanto por la gracia que mostró, como por su impecable imagen. La influencia de su madre, en cuestión de estilo se hizo notar. Leonor lució un hermoso vestido con estampado de leopardo y vuelos en las en las mangas y la parte de la falda. La princesa lo combinó de manera muy atinada con unos zapatos de tacón bajo fabricados con ante negro, adecuados para su edad.
Además realizó un recorrido por las instalaciones del Instituto, para conocer los proyectos de digitalización del mismo y visitó una exposición con una muestra de obras destacadas de la literatura en las distintas lenguas co oficiales en España. Aprovechó el momento para pronunciarse con relación a las tecnologías las cuales ya ha utilizado. Al finalizar se realizó una foto grupal junto a los miembros del equipo directivo.
Fotografía oficial del evento junto a los miembros del equipo directivo y Carmen Calvo.
Una de las grandes características que tiene Madrid es lo poco convencional que puede llegar a ser. A pesar de la larga historia y la inmensa carga de antigüedad que tienen cada una de sus calles e infraestructura, esta sabe balancear a la perfección su esencia con la modernidad. Cada esquina de la ciudad llena de cultura, arte y belleza hace que poco a poco te envuelvas en un estilo de vida único y sin igual.
Una ciudad llena de cosas por experimentar, donde los días te parecen no alcanzar para conocer todo lo que te puede ofrecer, es ahí donde lugares como El Imparcial, por la esencia de su concepto, hacen que llame tanto la atención el estilo de vida de los madrileños. Un espacio donde además de la gran trayectoria, a la cual se le debe el nombre actualmente, ha sabido incorporar la modernidad, ajustarse a los tiempos y sobretodo a los paladares para los distintos gustos.
De donde solían salir las ediciones de lo que se conoce como el periódico El Imparcial, hoy en día es un espacio que mezcla la hostelería con lo cultural en un barrio muy icónico de Madrid, llamado El Rastro. Es allí donde se pretende unificar las diferentes expresiones creativas de una ciudad tan célebre.
El Imparcial es un lugar donde el ocio convive con una propuesta gastronómica ágil y contemporánea. Donde aun con los años busca mantener parte de lo que fue la historia de su infraestructura. El espacio donde además sirve de escenario para una serie de actividades relacionadas con todo lo cultural, relaciones entre diferentes disciplinas creativas y demás.
Foto: Maria J Sued
Desde que llegas, se puede apreciar la variedad de artículos a la venta dentro del espacio designado para su tienda, entre ellos: prensa internacional, menaje, decoración, ediciones de fotografía, libros de artista entre otros. Luego en un segundo nivel tienen una de las mayores atracciones del público y es el área de su restaurante, que tiene una una carta variada en alimentos y diferentes bebidas. Por último pero no menos importante es el salón dedicado al espacio, área la cual de acuerdo a las ocasiones se enfoca a la propagación de actividades culturales y de disfrute para los espectadores.
«La nieta del genio, Diana Widmaier Picasso, es una historiadora especializada en arte moderno. Ha trabajado con su archivo y comisariado espectáculos que lo muestran en nuevas formas, alumbrando medios que el público no necesariamente asocia con él, como la escultura», PORT.
Ella es una de los cinco herederos del pintor que siguen vivos. Nació en Marsella, Francia, el 12 de marzo de 1974. Es Licenciada en Derecho en la Universidad de Paris-Assas y máster en Historia del Arte por la Universidad de La Sorbona. Su tesis trataba sobre el mercado del arte en Francia en el siglo XVII y decidió especializarse en dibujos de antiguos maestros.
Lleva años relacionada con el mundo del arte, primero trabajando en la organización de exposiciones en museos como el Metropolitan de Nueva York y el Institut Néerlandais de París. Después, como experta en los maestros de la pintura antigua en Sotheby’s en Londres y en París. Vive entre París y Nueva York, hoy por hoy es una gran experta en arte. De hecho, participó en una curiosa iniciativa para promover una exposición de su abuelo, el reconocido pintor malagueño en Suiza.
Organizaciones, museos y empresa de investigación
También es una activa en organizaciones artísticas como: Trustee MoMA PS1, Nueva York (desde 2009), Trustee Kunst-Werke, Berlín (desde 2007), International Council of MoMA, New York (desde 2000), Tate International Council, London (desde 2005), Comité Visitante del Museo Metropolitano de Arte para los Departamentos de los siglos XIX, XX y XXI (desde 2008) y Miembro del Comité de Artes Escénicas del Whitney Museum, Nueva York desde 2013.
También es CEO de una empresa de investigación llamada DWP Editions que creó en 2003, donde comenzó a recopilar información sobre las obras de su abuelo. Trabajó en un catálogo razonado de las esculturas de Picasso con un equipo de investigadores. Este catálogo cuenta con más de 2000 obras tridimensionales que incluyen materiales como yeso, bronce, madera, terracota, cartón y papel. Diana Widmaier Picasso también está a cargo de la colección de arte y los materiales de archivo pertenecientes a Maya Ruiz-Picasso, su madre.
Diseñadora: Amante de las joyas
Diana Widmaier Picasso también es amante de la joyería. Es cofundadora y directora artística de una empresa de joyería de 24 quilates llamada Menē, que lanzó en 2017. Plantea una política comercial basada en la transparencia, así como crear joyas de inversión. Todos sus diseños, ya sean de oro o platino (los dos únicos metales preciosos con los que diseñan sus joyas) tiene un coste que se corresponde a su peso en gramos y el valor diario en el mercado de la materia prima con la que se ha confeccionado la joya.
La política de precios de Menē está inspirada en cómo los consumidores compran joyas en Asia, «En India y China los consumidores siempre preguntan el peso, el valor del oro y su pureza», afirmó Roy Sebag, su socio.
Inspiración, estética y diseño
Como historiadora del arte, Diana Widmaier Picasso se ha dado a la tarea de destacar la fuerza y el poder que tiene el oro. Tan pronto lanzaron la firma, asistió al Museo Nacional de Arqueología francés, en Saint-Germain-En-Laye, a las afueras de París, para observar las primeras herramientas y piezas que fueron creadas por los seres humanos, cuando ya se usaba el oro.
Pero en general, para el diseño, Diana plantea que la estética se inspira en la arquitectura, en el uso del oro macizo y el platino, la simplicidad, las formas en estado puro, con total ausencia de gemas o adornos recargados. La directora artística de esta nueva firma de joyas afirma que sus piezas tienen un diseño atemporal, con inspiración griega, egipcia y romana.
Diana ha diseñado joyas para Olympia de Grecia y Mick Jagger y no es la primera Picasso en diseñar joyas. Paloma Picasso -tía de Diana e hija menor del célebre artista, es diseñadora de Tiffany & Co, aunque su estilo es totalmente diferente al de su sobrina, en el que mezcla sofisticación e influencias exóticas, con formas complejas y suntuosas y mucho colorido.
Historia de amor de sus abuelos
Cuando la bailarina ucraniana Olga Khokhlova descubrió que su marido, Pablo Picasso, iba a tener una hija con una jovencita llamada Marie Thérèse Walter, cogió sus cosas y huyó al sur de Francia.
El pintor malagueño nunca consiguió el divorcio de la musa de Diaghilev y tampoco pudo formalizar su affaire con Walter. Maya, el fruto de esa relación extramatrimonial, se crió en el pueblo de Le Tremblay-sur-Mauldre, a 25 kilómetros de Versalles. El artista aprovechaba los fines de semana para visitarla y retratarla. Maya à la poupée, obra cubista de 1938 que actualmente cuelga en el Museo Picasso de París, es un recordatorio de la peculiar infancia de la niña, quien es la madre de Diana.
Presidente Ejecutiva de Grupo SID y coordinadora por el sector privado de la comisión multisectorial marca país
Texto: Ligia Bonetti
Hoy, nuestro país se ha consolidado como un destino ideal para la inversión extranjera y un socio internacional capaz de competir con cualquier otro en el mundo. Por tal motivo, nuestra imagen es cada día más importante para el desarrollo y posicionamiento de la República Dominicana como un país atractivo y competitivo.
En ese sentido, se hace necesaria una Marca País, que una el concepto identitario que nos represente, a través de nuestra historia, riqueza cultural y potencia económica. Esta marca, fundamentada en 5 pilares (Ciudadanía, Cultura, Exportación, Inversión y Turismo) proyectará el valor del pueblo dominicano, reflejado en una estrategia integral que nos caracterice y que nos enorgullezca.
Por tal motivo, la Comisión Multisectorial, creada mediante el decreto 466-20, por el presidente Luis Abinader, ha sido facultada como el máximo órgano del estado dominicano, para la coordinación, elaboración y ejecución de este gran proyecto de nación
Desde su conformación, la Comisión trabaja de forma cohesionada y coordinada, a través de una gran alianza Público-Privada, para así crear una marca que simbolice lo que somos, un país sin igual. Definitivamente esta colaboración sin precedentes hará historia, porque se fundamenta en la voluntad, la participación y el liderazgo de los diferentes sectores que la integran.
Dentro de los Alcances y la Atribuciones de La Comisión Multisectorial están:
•Generación de Inteligencia para la Toma Oportuna de Decisiones.
•Desarrollo de Material Audiovisual y Campanas de Marketing.
•Construcción de Alianzas Estratégicas con Actores Claves y Asesorías Expertas.
•Coordinación intersectorial de Instituciones Públicas, Locales y Entes Privados
•Diseños y Operación del Plan Estratégico Global.
•Gestión de Prensa Extranjera y Manejo Reputacional
•Coordinación de Licenciamiento de Productos Marca País.
Es importante destacar que los que formamos parte de esta comisión, estamos firmemente comprometidos con motorizar el orgullo de ser dominicanos, enalteciendo en cada rincón del mundo esta gran Republica.
Somos los guardianes que protegeremos a nuestro país, a la vez que seremos promotores y propulsores del desarrollo y la prosperidad para todos, cuidando cada detalle en cada momento. Trabajaremos de la mano del sector público, para cumplir con las más altas expectativas y estar a la altura de los retos que nuestra nación y el entorno internacional demandan de nosotros.
Esta relación intersectorial está basada en la confianza, el respeto y el trabajo mutuo para generar los mejores resultados desde el principio. Estamos conscientes de que, para lograr esto debemos ser eficientes en la inversión y más que nada, reconocer que, por encima de nuestros intereses, estará siempre la República Dominicana.
Es importante destacar que nuestra Marca País debe prepararse para responder a esa promesa que comuniquemos cuando promocionemos nuestra cultura, nuestros productos, nuestro turismo o capturemos nuevas inversiones, pero también para responder ágil y eficazmente ante las adversidades que puedan llegar.
La visión de la Comisión Multisectorial es lograr diferenciarnos con mejores prácticas, con calidad, con seguridad y un liderazgo responsable, incluyente y transparente, de formal tal que posicionemos a la República Dominicana como un país referente en el mundo.
Les recuerdo que, la Marca País de la Republica Dominicana somos todos, por lo que contamos con cada uno de los que, con orgullo nos llamamos dominicanos, para integrarnos y hacer nuestro, el éxito de nuestra marca país. Ligia Bonetti
Esta es una conversación sobre el merengue como símbolo nacional desde los ojos de la antropología y la sociología, un trabajo exclusivo de Carlos Andújar, asesor cultural de Centro León, acompañado por imágenes, más bien pinturas de grandes artístas, que salpicaron de color y luz nuestro más valioso patrimonio cultural.
El merengue ha ganado un sitial incuestionable, tanto en el gusto popular como en su irradiación como principal género musical y danzario de nuestro país. A pesar de que su conversión en símbolo de la música nacional formó parte de una instrumentación ideológica por parte de la dictadura de Trujillo, de lo que ésta entendía en esos momentos como la dominicanidad. Tal vez, los atabales tengan una presencia más nacional, pero su matiz africano no era de interés para el régimen trujillista.
Proyectado a través del tiempo como un eje transversal de la música popular dominicana, el merengue ha sabido moldearse a las circunstancias sociales e históricas. Esa capacidad de readecuación, de reinterpretación, de adaptabilidad, explica más que ninguna otra razón la perdurabilidad de este ritmo que ha sabido convocar al mundo entero, vender en todos los mercados, llenar todos los escenarios, tanto nacionales como internacionales, y moldearse a todos los públicos, jóvenes, viejos, niños, mujeres, hombres, y gustar en todos los sectores sociales.
Este ritmo vive un reto permanente entre la congelación como vegetal cultural o el desafío de readecuarse y producir los cambios pertinentes que le han permitido permanecer en el gusto popular por tanto tiempo. Esto no se produce sólo y como resultado de una masiva publicidad y masificación comercial de los medios de comunicación; también el merengue ha tenido que demostrar la calidad, el impacto y las condiciones de adaptabilidad que cada época y cada público le exige en un momento determinado.
El merengue, a mi modo de ver, es frecuentemente castigado a partir de una concepción que mide el hecho cultural como algo estático, y en ese sentido, es malo todo lo nuevo que en él se introduzca, olvidando que es precisamente esa capacidad de adaptación que le ha permitido llegar hasta el día de hoy, sin percances mayores que la competencia que sostiene con la bachata en el gusto popular.
Ese permanente dinamismo y reto tal vez explique su proyección histórica. Los hechos culturales que se aferran al pasado de forma radical, que no son capaces de introducir modificaciones a sus estructuras fundamentales, desaparecen; esa es la ley de la cultura y el merengue no escapa a ello.
La tradición no es un sentido muerto o estacionario del hecho cultural, es precisamente tradicional lo que se viene haciendo desde hace mucho tiempo con las variantes que en cada circunstancia introducen los grupos humanos para hacerle viable y potable; de lo contrario, lo tradicional se pierde y lo sustituye otro hecho cultural, porque en todo esto, la cultura no la producen los pueblos como mera contemplación, sino que se construye como un recurso de vida, capaz de adaptar al ser humano a sus desafíos cotidianos.
Si aún no la conoces a ella, es seguro que sí conoces su trabajo, especialmente si eres aficionado de las películas de época. Sandy Powell es la diseñadora de vestuario británica más reconocida de Hollywood, ha sido nominada a los premios Óscar en doce ocasiones y resultando ganadora en tres, por las películas: «Shakespeare in Love», «El aviador» y «La joven Victoria». Así mismo en trece ocasiones para los BAFTA, en el que ganó tres de ellas por las películas: «Velvet Goldmine», «La joven Victoria» y «La favorita».
El nacimiento de una estrella
Sandy nació en Londres, en 1960. Dejó el Saint Martin’s School of Art de Londres antes de completar sus estudios, debido a las ofertas de trabajo, entre ellos, de parte del director Derek Jarman. A pesar de que sus inicios fueron en el teatro, el destino y su talento la llevaron hasta el cine. Desde aquel verano de 1986, trabaja para la industria cinematográfica, donde sus puntadas fueron tan fuertes, que las convirtió en oro. Quizás por esto, o por la magia que impregna en sus diseños, la industria la reconoce como «La aguja dorada de Hollywood».
A lo largo de su carrera, ha creado diseños de época inolvidables, llevando magia, extravagancia y glamour a prendas y atuendos completos que fueron lucidos por una larga lista de actores y celebridades, dentro de la que figuran: Rachel Weisz, Brad Pittt, Leonardo DiCaprio, Helena Boham Carter, Julianne Moore y Cate Blanchett.
«La ropa también refleja un momento económico. Los cambios de la moda han dependido de lo que ocurre en lo social y lo económico. Durante la segunda guerra mundial, por ejemplo, el mundo de la moda cambió, la ropa era más corta, porque no había dinero para comprar telas. Cuando la guerra acabó, todo se vuelve extravagante, había que demostrar así que se había regresado a la normalidad. La moda refleja ese momento político que vive la sociedad, eso es importante tenerlo en cuenta cuando haces una película, aunque puedes usar tus preferencias personales para reflejarlo. Por ejemplo, en muchas películas de época he puesto pantalones a los personajes femeninos. Era una manera de acercarlos a la forma de vestir de personajes icónicos feministas. Esa ha sido mi manera de ser política en mi trabajo».
Un estilo único
Sus diseños combinan lo artístico con lo político, por ejemplo en «La favorita«, se logró un retrato de época donde esas mujeres tomando el poder van vestidas de manera diferente a como lo harían en otras cintas de época; o en «El irlandés«, donde las diferencias de clase entre los mafiosos y sindicalistas se marcan con el vestuario de Powell.
También es conocida por su sentido del estilo ecléctico y aventurero. Se ganó su reputación con el gran éxito «Velvet Goldmine», el drama musical de 1998 de Todd Haynes, donde logró canalizar a David Bowie a través de su adoración al ídolo preadolescente e ícono del glamour, Marc Bolan. Pero desde antes, ya mostraba destellos de su firma iconoclasta trabajando con los grandes directores de la industria, como Todd Haynes y Martin Scorsese.
Fue justamente esto, el haber trabajado con autores visionarios lo que ha definido su carrera. Después de «Velvet Goldmine», continuó su asociación con Haynes en tres películas más ambiciosas: «Lejos del cielo», el melodrama inspirado en Douglas Sirk sobre la represión de finales de los 50, con los guardarropas que sirven como un colorido ocultamiento de la emoción; “Carol”, la historia de amor lésbica de principios de los 50 de la novela de Patricia Highsmith, resaltada por guardarropas con colores apagados pero siluetas de hombros fuertes; y «Wonderstruck», una historia parcialmente en blanco y negro de dos niños sordos en New York con 50 años de diferencia, con guardarropas monocromáticos con tonos chocantes.
Mentora
Christopher Peterson y Sandy Powell.
Christopher Peterson, quien comenzó con Powell como su asistente de vestuario hace 15 años, y quien co-diseñó «The Irishman» con ella, reveló un poco sobre cómo es el proceso de pre-producción de vestuario al lado de Powell: «Es esta mezcla de su naturaleza punk y este enfoque instintivo que tiene lo que lo define todo. Investigamos qué es la silueta de época y ella la mira, y sigue mirándola, hasta que decide, y luego se lanza, y a veces es la silueta de época, exacta y absolutamente un libro de texto, y otras veces la voltea de cabeza, pero siempre al servicio de la historia ”.
También ha hablado cómo su mentora ha inspirado a muchos en la industria a ser fieles a su esencia sin importar las circunstancias del proyecto: «Para alguien que es conocida por su uso del color, retroceder repentinamente y limitarse al negro, el blanco y el gris, también fue una elección increíble que nació de lo que tenía que decir de manera creativa con el trabajo, pero también con el presupuesto. Eso es otra cosa que distingue a Sandy. Desde ‘Cómo hablar con las chicas en las fiestas’, ‘La favorita’, ‘Carol’, ya sea que esté en una película de $ 180 millones o una película de $ 5, la visión nunca se ve comprometida de una manera que la audiencia pueda percibir – ella todavía ofrece algo que tiene tanta claridad visual y sirve a la historia «.
A finales del año pasado, visitó España y fue invitada al último programa emitido de ‘Maestros de la costura‘ donde vivió un momento muy especial junto a su amigo el afamado diseñador de moda español, Lorenzo Caprile, quien la ha colocado bajo los reflectores nueva vez desde entonces. Es así, todos hablamos sobre Sandy, al igual que lo hace su trabajo.
Sandy Powell Talks Costume Design In The Favourite | Film4 Behind The Scenes
«Cayetana, quien nació en cuna de oro y se convirtió en una mujer hermosa. Tuvo 19 nombres, grandes amores, seis hijos y tantos títulos nobiliarios que se decía que si ella y la reina Isabel II se hubieran encontrado alguna vez paradas ante el umbral de la misma puerta, Cayetana debía pasar primero», Vanidades.
Fotos: Fuente externa
Ella fue, sin lugar a dudas, una de las aristócratas más famosas, rebeldes, apasionadas y misteriosas de toda la sociedad española. Y aunque en sus últimos años, su rostro fue tema de conversación, en su juventud, también fue considerada una de las mujeres más hermosas de su país.
Los días de una niña
Su historia es interesante, envuelta en fragancias tan dulces y como amargas, desde su nacimiento el 28 de Marzo de 1926. La nieta del rey Jacobo II de Inglaterra, fue la primera y única hija de Doña María del Rosario de Silva y Gurtubay y Jacobo Fitz-James Stuart y Falcó. Fue bautizada en el Palacio Real y sus padrinos fueron el rey Alfonso XIII y su esposa, la reina Victoria Eugenia. Aunque su niñez estuvo rodeada de lujos, el más valioso de todos ellos, lo perdió cuando estaba muy pequeña: su madre.
Doña María del Rosario de Silva y Gurtubay enfermó de tuberculosis y por miedo al contagio Cayetana apenas pudo disfrutar tiempo con ella. Tras su muerte, con apenas 33 años, Cayetana quedó al cuidado de su padre, de su abuela materna y de un largo listado de niñeras e institutrices, además de diversas mujeres que la educaron del modo más sofisticado y al estilo inglés.
Cuando los reyes partieron al exilio con la segunda república, la Duquesa de Alba y su familia se mudaron a Paris. Años más tarde, cuando estalló la Guerra Civil Española, los Alba se exiliaron en Londres, lugar donde Jacobo, su papá, fue nombrado embajador de la dictadura de Franco. Las largas ausencias de su padre, las compensaba con Tommy, su poni.
Pasiones
Se consideraba una mujer apasionada, como pocas de su entorno; y responsabilizaba de todo esto a su sangre gitana. El actuar y ser una mujer libre era su emblema y estaba dispuesta a todo por honrarlo. Bailar flamenco era su debilidad, además del tenis, la equitación y el esquí, que practicaba de pasatiempo.
La apreciación de la cultura y el arte en general ocuparon gran espacio de su vida, disfrutaba estar rodeada de colores e ideas, así que comenzó a coleccionarlas. Logró atesorar desde pinturas impresionistas (su corriente favorita), piezas de Renoir, Corot, Marc Chagall y Picasso; esculturas del siglo I, artes decorativas, tapices, escritos del descubrimiento de América hasta testamentos de reyes de españoles. Además de contribuir a grandes proyectos culturales de España.
El primer amor
En cuanto a los amores, lo encontró tres veces y de todas, quizás la primera fue la voluntaria. Conoció a Luis Martínez de Irujo y Artázcoz, el hijo de los duques de Sotomayor y marqueses de Casa Irujo, y se enamoraron perdidamente. Tras la aprobación de su padre, contrajo matrimonio, a los 21 años. La celebración tuvo lugar en Sevilla y ella llevó una corona de perlas y diamantes que fue un regalo de Napoleón II a la reina Eugenia de Montijo. Todos los medios se hicieron eco de los 20 millones de pesetas que invirtieron en la ceremonia y la prensa la nombró “la boda más cara del mundo”, superando incluso la de la reina Isabell II.
El duque del Alba junto a su hija Cayetana Fitz-James Stuart de 21 años y su esposo Don Luis Martinez de Irujo de 27 años, saliendo de la ceremonia en la Catedral de Sevilla el 12 de Octubre de 1947.
Sin importar las inversiones, la relación fue muy sólida, y juntos tuvieron 6 hijos: el primero fue Carlos Fitz-James Stuart y Martínez de Irujo en 1948, primer heredero de los ducados de Alba, después Alfonso (1950), Jacobo (1954) y Fernando (1959) y por últimos nacieron Cayetano (1963) y Eugenia (1968).De la relación con sus hijos se imaginaban muchas cosas, pero ellos, en distintas ocasiones revelaron intimidades sobre su relación con su madre, como por ejemplo que le resultaba difícil decirles que les quería y que pasaban más tiempo con las niñeras que con ella, como si se tratase de una recreación de lo vivido por la misma Cayetana tras la pérdida de su madre.
A pesar de las especulaciones, la familia en general supo vivir feliz y sus hijos aprendieron de sus padres a ver la vida desde una perspectiva distinta. En cuanto a la pareja , tras 25 años de matrimonio, Luis, el esposo de Cayetana fue diagnosticado con leucemia y la enfermedad pudo más. Despedir a su marido se convirtió en el momento más gris de todos los capítulos de su vida.
Pensó no casarse jamás hasta que 6 años más tarde, el 16 de marzo de 1978, se vio dando el «sí quiero» a Jesús Aguirre, un ex sacerdote, hombre culto, decimoctavo Duque de Alba y once años menor que ella, con el que no tuvo descendencia. Se conocieron en Marbella, en la casa de los Duques de Arión, y meses más tarde, tras el reencuentro de ambos, en el despacho que Aguirre tenía en el ministerio de Cultura como director general de Música, inició formalmente su relación. Antes de celebrarse la boda, firmaron ante notario la separación de bienes. Encontraron la felicidad múltiples veces, en sus 23 años de matrimonio, pero en 2001, Aguirre falleció a causa de un cáncer de laringe.
«El primer día que nos vimos nos caímos muy mal. Ella dijo de mí que era como un papel secante, y yo pensé de ella que era muy guapa, pero insoportable. Sin embargo, al poco tiempo, nos volvimos a ver en su casa. Cayetana quería continuar con la ‘guerra’, pero yo la ‘ataqué’ de un modo inesperado representando la escena del sofá de Don Juan Tenorio», confesó Aguirre en un momento.
Una tercera oportunidad para ser feliz
En en transcurso de su octava década, en 2008, la Duquesa de Alba volvió a encontrar el amor y recuperó la ilusión de vivir, y de vivir mucho. Esta vez fue al lado deun funcionario del Estado, Alfonso Díez. Tras superar con éxito tres operaciones, una por problema de espalda, otra en febrero de 2009 de unos cálculos en la vesícula y, por último, otra en marzo del mismo año en la que se le instaló una válvula para solucionar los problemas de hidrocefalia e isquemia cerebral que padecía, la Duquesa estaba lista para experimentar una segunda juventud en la que no solo compartió su tiempo junto a Alfonso sino en la que también se dedicó a disfrutar de sus tres grandes pasiones: el flamenco, los toros y la pintura de arlequines. Se casaron en 2011 y él le acompañó hasta el último de sus días.
La mujer de 19 nombres y el cabello libre
Su constante en la vida fue la libertad, de ser, de expresarse, de vivir sin ningún protocolo. Cuentan que se vestía de sevillana y paseaba por las calles de esa ciudad que tanto amó (aunque era madrileña), y que en un viaje a Egipto, en el que el arqueólogo Howard Carter, quien descubrió la tumba de Tutankamón la guió, salió a las calles vestida de mendiga. Se dice que para vivir la experiencia y sentir algo de lo que podían sentir los demás, desarrollando una enorme sensibilidad.
De personalidad chispeante y carácter fuerte supo narrar su vida mejor que nadie, en dos libros biográficos: Yo, Cayetana (2011) y Lo que la vida me ha enseñado (2013), unas memorias que redactó con total franqueza. Incluyendo los 19 nombres y por qué el «Cayetana» como su favorito, además de su parecer sobre los tantos títulos.
Su nombre completo fue: María del Rosario Cayetana Paloma Alfonsa Victoria Eugenia Fernanda Teresa Francisca de Paula Lourdes Antonia Josefa Fausta Rita Castor Dorotea Santa Esperanza Fitz-James Stuart y de Silva Falcó y Gurtubay, pero ella eligió solo Cayetana, del latín caietanus, que significa “fuerte como una roca”. Fue cinco veces duquesa, 20 condesa, viscondeza, 18 veces marquesa, condestablesa, condesa-duquesa y fue considerada en 14 distintas ocasiones “grande de España”, la mayor distinción del reino y ganó un récord Guinness por poseerlos.
A lo largo de su vida, el cabello libre, rizo, fue su distintivo. Era parte de lo que algunos tildaron «rebeldía», pero ella prefería «seguridad» en si misma y en sus creencias.
Últimos días
«En 2014 la Duquesa fue ingresada en la UCI tras complicarse una neumonía, derivada de una gastroenteritis que sufría desde hace días. Sus hijos decidieron sacarla del hospital para que pasara los últimos días con su familia. El 20 de noviembre Cayetana de Alba falleció en Sevilla, en el Palacio de las Dueñas, el lugar que más amó.
En su despedida estuvieron presente 70.000 personas que quisieron dar el último adiós a la duquesa. Tras su fallecimiento los restos fueron incinerados y sus cenizas reposaron en la Hermandad de Gitanos, por su expreso deseo. Después de cumplir el año de luto, la mitad de sus cenizas fueron llevadas al panteón familiar que la Casa de Alba posee en el Monasterio de la Inmaculada Concepción en Madrid».
Los vestidos y trajes de los presentadores y artistas
En su entrega número 78, la premiación Golden Globe Awards celebró lo mejor de la televisión y el cine del año 2020 y principios del 2021. La responsabilidad de elegir los ganadores estuvo bajo la Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood.
El evento estuvo producido por Dick Clark Producción y la HFPA. Fue transmitido en vivo por NBC en los Estados Unidos. En esta ocasión y por primera vez se realizó en dos locaciones simultáneamente, en la Rainbow Room en la ciudad de Nueva York y en The Beverly Hilton en Beverly Hills, California.
Cumplieron la función de presentadores:
Catherine Zeta-Jones, Susan Kelechi Watson, Kyra Sedgwick, Michael Douglas, Sterling k. Brown, Kevin Bacon, Annie Mumolo, Renee Zellwegwe, Kristen Wiig, Joaquin Phoenix, Cynthia Erivo, Awkwafina, Anthony Anderson, Kenan Thompson, Margot Robbie, Kate Hudson, Tiffany Haddish, Christian Slater, Rosie Perez, Christopher Meloni, Bryce Dallas Howard, Jamie Lee Curtis, Salma Hayek, Laura Dern, Angela Bassett, Sarah Paulson, Sarah Oh, Justin Theroux, Ben Stiller, Amanda Seyfried, Gal Gadot, Colin Farrell y Ava DuVernay.
Las anfitrionas fueron Tina Fey y Amy Poehler.
Tina Fey
La comediante y actriz Tina Fey, usando un Versace de la colección Resort 2021
Amy Poehler, utilizó un Moschino y el estilismo de Karla Welch
Josh O’Connor, actor e intérprete del Príncipe Carlos en la serie The Crown Usa un traje Loewe y reloj de Bulgari Estilismo Harry Lambert
Erin Lim, lució un Maria Lucia Hohan y estilismo de Roberto Cardenaz
Eiza González
Eiza Gonzalez Luce un Versace PF21 y sandalias de Alexandre Birman sandals Su estilismo esta trabajado por Elizabeth Saltzman
Lucieron vestido del diseñador dominicano Oscar de la Renta
Amanda Seyfried Usa un Oscar de la Renta, su estilismo elaborado por Elizabeth Stewart
Kaley Cuoco con un vestido de la firma de Oscar de la Renta Estilismo de Brad Goreski
Jane Levy vestida de Oscar de la Renta Estilismo de Tara Swennen
Isla Fisher
Isla Fisher Vestida de: Alex Perry, zapatos de Stuart Weitzman Estilismo por Micah Schifman
Isla Fisher
Lana Condor
Lana Condor Lleva un Monique Lhuillier Estilismo: Tara Swennen
Gilian Anderson, Primera Ministra en la serie The Crown
Gillian Anderson LLeva un Christian Dior SS21 Couture
Olivia Colman, la reina en The Crown
Olivia Colman en un Armani Privé
Salma Hayek
Salma Hayek Llevó un Alexander McQueen y accesorios de Harry Winston
Awkwafina, en un Gucci, estilismo de Erica Cloud
Awkwafina
Catherine Zeta-Jones
Catherine Zeta-Jones Dolce & Gabbana, accesorios de Chopard y estilismo de Kelly Johnson
Jane Fonda
Jane Fonda En un vintage Richard Tyler y los accesorios de Pomellato
Anya Taylor-Joy, recibió su primer Golden Globe como Mejor Actriz por la Miniserie «Gambito de Dama»
Recibió su primer Golden Globe como Mejor Actriz por la Miniserie «Gambito de Dama»
Jamie Lee Curtis
Vestida de Alex Perry
Elle Fanning
Vestida en un Gucci, accesorio se Fred Leighton estilismo de Samantha McMillen
¡177 años de historia, de independencia, soberanía, de una patria libre e independiente! ¡Feliz día dominicano!
¡27 de febrero, la gran puerta de la libertad! Hoy es un día para levantar la cabeza, meditar y dar gracias porque gozamos de ser dominicanos libres e independientes, hoy se cumplen 177 años desde el primer trabucazo lanzado por Mella. También importante, porque el presidente Luis Abinader, elegido en medio de una pandemia, rinde por primera vez cuentas sobre lo que ha logrado hasta ahora en su mandato. ¡Igualdad, equidad y justicia! Justo lo que reclamaron aquellos luchadores en 1844.
Dicho esto, hablemos de este ceremonial público, que tiene como principal función exteriorizar las prácticas que ha establecido el Estado para ordenar esas actividades públicas que el dignatario y las autoridades oficiales han establecido en su territorio o institución, en este caso pasado los seis meses de la Toma de Posesión.
No puede existir una sociedad sin jerarquía sin civilización o sin ceremonial. Es por ello que el protocolo de Estado se acata a un estricto orden de formalidades, un conjunto de solemnidades que se observan en estos actos oficiales, en los que es importante establecer respeto y reglas.
El recorrido inicia en el Congreso, luego de terminado este acto se dirigen a la Catedral para escuchar el ‘Tedeum’, y terminar en el Altar de la Patria, depositando una ofrenda floral.
Indumentaria de protocolo
La historia de este acto inicia con el patricio Juan Pablo Duarte no solo fue, un patriota que sacrificó hasta los bienes de su familia, sino que fue el primer dominicano en rendir cuentas. Durante la era de Trujillo, para ceremonias importantes, como la rendición de cuentas, el mandatario utilizaba un traje blanco conocido como Chaqué, que fue tendencia en la década de los 90. Con el pasar del tiempo el este traje dejó de ser atractivo, quedando en desuso al igual que el traje diplomático.
La Rendición de Cuentas de desarrolla cada 27 de febrero, anual el presidente debe exponerle a sus soberanos los avances hasta esta fecha, el código de vestimenta es traje negro; en caso de los hombre acompañado de camisa blanca, corbata negra, medias y zapatos negros. En el caso del mandatario deberá llevar la banda presidencial que se le impone durante la Toma de Posesión. La indumentaria de las damas, traje negro de falda ( con manga y corte debajo de las rodillas) y zapatos negros cerrados.
Algunos de los atuendos llevados este año por las principales figuras políticas:
Luis Abinader, presidente de República Dominicana
Raquel Arbaje, primera dama de República Dominicana
Nuestra primera dama, Raquel Arbaje, sigue apostando al diseño local, esta vez con la marca santiaguera Camila Casual.
Raquel Peña, vicepresidente de República Dominicana
La vicepresidenta Raquel Peña, con diseño de Reading Pantaleón y confección de Yeimy Pérez.
Carolina Mejía, Alcaldesa de Santo Domingo
Según fuentes cercanas, la alcaldesa ha reutilizado este traje tenía en su armario personal.
Juliana Oneal, diputada por la Provincia Santo Domingo
Juliana Oneal vestida de Michelle Reynoso, un traje corte recto elaborado en Crepé Strech italiano y Gabán elaborado en Gipur color negro, que armonizó con chaqueta larga con toques de encajes. Su maquillaje es de Jhonaly Makeup.
Gloria Reyes, la directora de Progresando con Solidaridad
Gloria Reyes, la directora de Progresando con Solidaridad, ha optado por un Vestido de diseño de Melkys Díaz, el que estilizó con un cinturón que favorece la silueta. Su maquillaje es de Carolina Rojas. Peinado de @elvirasepulvedahair
Betty Gerónimo, diputada de Santo Domingo Norte
Para la ocasión ha elegido el estilismo de Carlos Matínez (@carlosmartine08) y maquillaje de @lorenmkp.
Charlene Canaan, diputada por la Provincia Hermanas Mirabal
Charlene Canaan, diputada por la Provincia Hermanas Mirabal, apostó a las manos dominicanas de @melkisdiaz. Su maquillaje de @engellmakeup. Su broche hace honor a su provincia, la insignia de “Las Mirabal”
Priscila D’oleo, Diputada de la provincia María Trinidad Sánchez.
Él ha trabajado en muchas exposiciones interesantes, como “China: Through the Looking Glass”, donde utilizó técnicas como las de la inolvidable Diana Vreeland para vestir los maniquís con vestidos que les combinaran. Pero si tuviéramos que ver desde el futuro hasta el pasado, inclusive frente a «About Time», la más reciente exposición de su carrera, para el 150 aniversario del museo en Octubre, el show “Game Changer”, fue la de Alexander McQueen. Los sentimientos que inyectaba en su moda y esa capacidad de mover profundamente al público en cada uno de sus desfiles, fue lo que Andrew recreó y presentó en la sala. Cada vestido, escenario y fibra sensible se convirtió en una experiencia y el despertar de un conocimiento más consciente sobre la moda como forma de arte. Anteriormente, las personas le preguntaban: “¿Por qué tienes moda en el Met?” pero, a partir de entonces, nadie volvió a cuestionarlo jamás, y este se ha convertido en su legado.
EDITORIAL.
The Costume Institute es uno de los 17 departamentos del Metropolitan Museum of Art. Es una de las colecciones de trajes y ornamentos más grandes del mundo y Andrew Bolton, el guardián y curador de todas ellas, uno de los más dinámicos de todo el museo. Partiendo de la perspectiva de Jorge Contreras, quien fue curador del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey y entiende esta profesión como «la autoría intelectual de una exposición, quien organiza y desarrolla toda la producción de una exposición de arte», las exhibiciones de Bolton son, más bien, espectáculos memorables. Él brinda una visión que combina una gran sensibilidad frente a los desarrollos de vanguardia, pero basado en un profundo conocimiento del cambio socio-económico, la política y el arte. Su visión de la moda es interesante, porque la percibe y explica siempre a través de los lentes de la sociología y antropología, por lo que el punto de partida de todas sus exhibiciones es la relevancia, que conecten, de alguna manera, con lo que está pasando en las vidas de las personas. A través de ella, detecta una tendencia cultural y la articula de una manera muy particular. Parte de esto es su intención de promover el concepto de que la moda, como expresión artística, es tan válida como la escultura y la pintura, y demostrar, a la vez, lo poderosa e inmediata que es su respuesta en «el espíritu de un tiempo».
Hace casi dos décadas desde que los Kardashians, The Hills, The City, American Idol, The Voice, entre otros tantos hicieron de los «Shows de realidad» una industria creciente. Tanto que todavía hoy son altamente consumidos y compartidos. En especial los últimos y los de moda, quizás porque todos queremos ser, de alguna manera, testigos y parte del nacimiento de estrellas. Y si eres de esos, te compartimos una lista actualizada de los top Reality Shows de Moda para tus horas de diversión en casa:
American Beauty Star
Ashley Graham es siempre tema de conversación y siendo presentadora de un programa como este, lo es mucho más. Enfocado en el mundo de la belleza, American Beauty Star reta a un grupo de de maquillistas y expertos del cabello para superar retos que van desde crear looks para editoriales, pasando por maquillaje para pasarelas y alfombras rojas. ¿Te gustaría disfrutar de estas propuestas?
American Beauty Star Teaser
Next in Fashion
Este es un programa original de Netflix. De hecho, fue el que sentó las bases para el regreso de los reality shows al estilo de Project Runway en el que la premisa es la búsqueda de futuros diseñadores poniendo a prueba a un grupo de modistas para mostrar sus habilidades y talento a través de diferentes retos. Los hosts que se encargaron de revisar meticulosamente los trabajos de los diseñadores son Alexa Chung,it girl e incipiente diseñadora y Tan France, diseñador británico y personalidad de televisión. El ganador recibió un premio de 250 mil dólares y la oportunidad de lanzar una colección ready to wear para la tienda Net-a-Porter.
NEXT IN FASHION COMPETITION SERIES Trailer (2020) Netflix
Skin Wars
Presentado por Rebecca Romjin y con RuPaul, en este programa, que ya tiene tres temporadas, varios profesionales del body-painting compiten en varias pruebas para ganar un premio de 100.000 dólares. Cuenta con un spin-off, ‘Skin Wars: fresh paint’. Aquí, varios artistas se enfrentan por primera vez al body-painting.
Y si no eres de reality, pero igual amas los programas de moda, esta es una selección de series que esperamos, por segundo, el estreno de temporada.
The Bold Type
Tres amigas viviendo el sueño editorial. La serie es comedia dramática creada por Sarah Watson, y protagonizada por Katie Stevens, Aisha Dee y Meghann Fahy. Está inspirado en la vida de la exeditora de Cosmopolitan, Joanna Coles y se centra alrededor de tres amigas – Jane (Katie Stevens), Kat (Aisha Dee), y Sutton (Meghann Fahy) – que trabajan todas para Scarlet, una revista mundial de la mujer. El programa explorará sus extravagantes vidas en la ciudad de Nueva York mientras aprenden a encontrar sus propias voces y explorar su sexualidad, identidad, amor y moda.
The Bold Type | Official Trailer | Freeform
The Bold Type Season 4B Trailer (HD)
Younger
¿Te imaginas regresar a tus 20? Eso es más o menos lo que sucede a inicios de esta serie de los mismos creadores de «Sex and the City». Liza (Sutton Foster) es una madre recién divorciada de 40 años de edad, a quien su marido dejó por una mujer más joven, que trata sin éxito de conseguir trabajo después de 15 años inactiva. Después de ser confundida por una chica de 20 años por un joven llamado Josh (Nico Tortorella), idea un plan con su mejor amiga Maggie (Debi Mazar) para hacerse pasar por una mujer de 26 años y así conseguir un empleo. El plan triunfa, convirtiéndose en la asistente de Diana (Miriam Shor) en una empresa editorial, haciéndose amiga rápidamente de Kelsey (Hilary Duff), su alocada y veinteañera compañera de trabajo.
«Gambito de Dama», la serie de Netflix sobre la niña huérfana y prodigio del ajedrez podría no ser tan ficticia y más bien haber estado inspirada en la vida real. Desde su estreno, en Octubre del año pasado, han sido muchas las especulaciones, pero estas hoy ya tienen cara.
Se trata de Diana Lanni, contemporánea a Walter Tevis (autor del libro en el que se basa la serie y quien murió un año después de la publicación del libro); la mejor ajedrecista de su época, la «it girl» del momento que llegó a ser portada de Sports Illustrated con columnas dedicadas a sus proezas en el tablero de ajedrez, cuando socialmente se esperaba «otra cosa de las mujeres«; y que, al igual que Beth Harmon, como se llama la protagonista de la serie; tuvo que lidiar con temas de depresión y adicción a sustancias.
Esto ha salido a la luz por el podcast «The Grid» de Jennifer Shahade, donde Diana se motivó a conversar movida por las tantas cartas que recibió de parte de sus amigos diciéndole: «En Netflix hay una serie sobre ti». En esta entrevista, casi 40 años después de lanzado el libro, Diana dijo que Tevis frecuentaba los mismos lugares que ella en los 80, y lo recuerda observándola jugar en las mesas al aire libre de Washington Square Park, cuando pudo haber estado recopilando información para su libro.
Aunque Trevis se conocía muy bien la vida de Diana, su infancia, su talento y hasta cierto punto, también sus «demonios», esos temas personales que ya se hacían evidentes en la época; hubo algunos aspectos que no plasmó tal cual en su libro y por ende tampoco en la serie, por ejemplo, el tema de la orfandad y la edad a la que tuvo su primer contacto con el tablero. Mientras que en la serie dice que fue a los 8 años, y que fue introducida a este mundo por el conserje del orfanato, William Shaibel, que se convirtió en su figura paterna y mentor de ajedrez; en la vida real fue a la edad de 5 y gracias a su padre.
Por otro lado, sobre el tema del alcohol y el uso de sustancias, Diana admitió: «Esa es una cosa que Beth (el personaje) y yo tenemos en común. Lo solitaria que es y que lo único que le permite soltarse es beber. Y su depresión cuando perdía, o cuando empezaba a tomar pastillas o alcohol, es algo que he vivido toda mi vida y contra lo que he tenido que luchar».
A pesar de que no tenemos manera de confirmar que efectivamente el autor se inspiró en ella o no, ya que falleció un año después de la publicación, «The Queen’s Gambit» o «Gambito de Damas», la serie basada en la glamurosa élite mundial del ajedrez (que al inicio se pensaba que resultaría ser un improbable éxito de Netflix), se convirtió en la serie de edición limitada más vista de la plataforma de streaming. De hecho, Anya Taylor-Joy, quien interpreta a la prodigiosa ajedrecista Beth Harmon, opta a un Globo de Oro por su interpretación.
Te compartimos el trailer por si aún no la has visto:
Se dice que cada vez que una mujer está a punto de transformar su vida, empieza por el cabello. La llegada de los 40 y los 50, no son más que oportunidades, el llamado «second act» de la vida para reinventarnos, reencontrarnos y reintroducirnos de una manera, cada vez, más poderosa.
En teoría, cuando hablamos de lucir más jóvenes a partir del corte, la clave, en general, es que, a medida que se suman, restes…que cuando se avance en años, se reduzca el largo pero sin caer en lo aburrido. Lo mejor es optar por cortes donde el límite sea la altura del hombro, jugar con cortes desestructurados, que son los más rejuvenecedores porque aportan ligereza, frescura y naturalidad, al igual que los atemporales.
Sin embargo, las reglas son flexibles y todo dependerá del tipo de rostro, el tipo de cabello y condiciones particulares de cada una, por lo que te compartiremos algunos de ellos.
1. El «pixie»
Este artículo, en cualquier otro momento, hubiese tomado otra dirección, pero Allure recién reveló su portada y a los pocos minutos ya era trending topic. No lo juzgamos, se trata de Jlo, y luciendo espectacular a sus 50 en una nueva versión del corte «pixie» con «wet look».
Un look que revolucionó a Francia en la década de los 20 y que las grandes estrellas de Hollywood llevaron en los 60’s como Mia Farrow y Audrey Hepburn, aportando un toque algo masculino a su aspecto, sensual e imponente.
2. Un «long bob» con luces
Después de tantos años luciendo melena XL, Penélope Cruz revitalizó su cabellera con un pequeño pero significativo corte de pelo justo a la altura de la clavícula, de cara cuadrada, lleva un cabello más denso y voluminoso, que al llevarlo con división a un lado, y jugar con las luces, le da un toque más jovial.
3.Cortes despuntados u ondulados
Naomi Watts quien recién cumplió los 48 años, ha apostado por este atractivo corte con raya en medio que le quita años de encima gracias a su carácter más informal, pues aporta un efecto más divertido y desenfadado. Eso sí, la forma de peinarlo también es decisiva: menos es más.
4. Sacar el flequillo
A la hora de quitarse años, los expertos suelen recomendar un flequillo para ocultar ciertas líneas de expresión y darle un aire nuevo al look. Estos, por supuestos, deben de ser adaptados a la forma de tu cara y preferiblemente de pocas ondas. En este caso, Reese Witherspoon llevó una versión ladeada a la altura del pómulo durante sus 38.
Su elegancia precede cualquier acción, también lo hace su belleza y estilo sofisticado. Sin embargo, no es esto lo que ha cautivado a Dior para considerar a la royal como embajadora de la firma. Es más bien su espíritu luchador, su trayectoria profesional como periodista y cineasta en Italia, y el hecho de representar a la perfección a la mujer feminista y preparada de estos tiempos.
Está confirmado: Beatrice Borromeo Casiraghi, la cuñada de Carlota Casiraghi, esposa del tercer de los hijos de Carolina de Mónaco, Pierre Casiraghi, es la nueva embajadora de Dior. Y no fue de mucho extrañar, pues ya despertó algunas alarmas su participación en el más reciente desfile de nueva colección de la casa francesa.
La firma anunció la noticia publicando una fotografía de la nueva embajadora luciendo un enterizo azul marino que aparenta ser «muy sencillo» pero que marca un antes y un después en la trayectoria de la «Maison» francesa.
Chanel Vs Dior
Las comparaciones con su cuñada han surgido de manera instantánea. Y es que a finales del año pasado se anunció también que la hermana de su esposo, y en lo personal, muy amiga suya también, Carlota, sería la nueva imagen de Chanel. Esto en honor a la relación tan cercana que tuvieron tanto ella como su madre, Carolina de Monaco, con Karl Lagerfeld.
Sin embargo aquí, más que un enfrentamiento de dos royals, o de dos grandes casas de moda, como lo ha querido provocar inicialmente la audiencia y algunos medios, lo que vemos en esencia es a dos muy grandes amigas haciendo historia en la moda.
Más sobre Beatrice
Beatrice es una aristócrata italiana, periodista, presentadora de televisión y directora de cine de 35 años. Está diplomada en Derecho por la universidad de Bocconi y en Periodismo por la Universidad de Columbia. Su marcada convicción política «izquierdista» como ella misma ha definido, entre otras ideologías, le han llevado a grabar documentales de carácter social y muy centrados en figuras femeninas de poder.
Su relación con Pierre inició en 2008, hace ya casí 13 años, pero no fue hasta 2015 que contrajeron matrimonio. La pareja tiene dos hijos en común: Francesco y Stefano, hasta el momento.
En una época en la que reinaba el estilo minimalista y sencillo de Gabrielle Chanel, Elsa Schiaparelli cambió el esquema de la moda, dándole un carácter fuerte y definitivo que ofrecía color, humor, ironía e innovación. Lo definieron como “Strange Glamour” en las revistas norteamericanas y el cine lo propuso a través de sus íconos sexuales, como Greta Garbo. Su lenguaje era distinto y sus propuestas fueron un punto de partida de muchas tendencias de la actualidad. En 1927, creó el primer jersey tejido a mano que Vogue consideró su obra maestra.
Model wearing Schiaparelli silk organdie strapless purple dress and purple gloves with a navy pleated overskirt apron turned back and bow tied in the back. (Photo by John Rawlings)
Ascot Fashions by Schiaparelli. Photograph by James Jarches.
Las colecciones de prendas de punto se complementaron con salidas de playa y bañadores, conjuntos deportivos de tweed, trajes de esquí y vestidos de noche. También fue la primera en diseñar un vestido con zipper visible para haute couture y obtener licencias en Estados Unidos para utilizar estampados en la ropa, además de diseñar zapatos y medias de colores. Como mujer moderna e innovadora, presentó una patente para un bañador de una pieza con sujetador integrado al que llamó «postizas» que más tarde adaptó también a los vestidos.
Fue pionera de la creación de piezas de colaboración con un artista, como el collar de porcelana “aspirina”, con la artista Elsa Triolet. En 1954, cerró su atelier para dedicarse a otras de sus pasiones: escribir, en este caso su autobiografía, Shocking Life, donde resaltó que la clave de su éxito, siendo empírica en la moda, fue rodearse siempre de un equipo de expertos. Su legado profesional fue retomado más tarde, en 2012, cuando la «Maison» volvió a abrir sus puertas.
Editorial.
Su vida inició en Roma en 1890 y “terminó” en Francia, en 1973, pero, en el intervalo, conquistó tantos puntos del mundo. En su época, entre guerra y guerra, supo liderar su propia batalla como ninguna otra mujer lo había hecho antes en la moda, ni en la vida. Bueno, quizás sí: Coco Chanel, por lo que, en su momento, fueron consideradas grandes “rivales” dentro de la industria. Su nombre fue sinónimo de revolución y atrevimiento, pero también de excentricidades y una genialidad gigantesca. Y es que, en la práctica, Elsa supo romper con los esquemas establecidos, renovar ideas preconcebidas sobre la belleza y la elegancia, y llevar al mundo un mensaje claro de independencia y libertad de creación, colocando su nombre en la lista de personajes más importantes de la historia. Redujo el guardarropa de las mujeres, vistiéndolas con diseños combinables y funcionales, que se adaptaran a las necesidades del momento y les permitieran llevar una maleta pequeña. En su apogeo, en la década de los 20, el movimiento surrealista acogió el fenómeno de la moda como una experiencia de arte y una forma a través de la cual llevar su discurso. Esta ofrecía un terreno lúdico, creativo y de expresión de sus preceptos artísticos. De origen aristocrático y cultura exquisita, y viniendo de una familia de egiptólogos, astrónomos, maestros y aristocracia, Elsa unificó visiones y trajo al presente aquellos poemas que escribía de niña, ahora en forma de prendas de vestir. Lo suyo era un glamour diferente, que no trataba de exaltar la belleza natural sino, más bien, lo irónico, lo desafiante. Era una estética construida para mujeres psicológicamente maduras que, a través de la contradicción y contraste, dejaba a cada observador en un eterno estado de impresión.
«somos el resultado de mucho crecimiento, mucha terapia y muchas oraciones»
Entrevista: Natalia Nachón Fotos: Julio César Peña
Una relación sólida tiene sus secretos, los de Ray y María Conchita son, más bien, testimonios de lo que sucede cuando se tiene a Dios como centro y el resultado de haber entendido que el amor es una pasión comprometida que se alimenta y se trabaja todos los días. A ella la vemos y leemos muy a menudo en las redes sociales, hablando sobre esenciales para mujer. También escribe sobre sus hijas, su familia y, de manera muy especial, sobre “El esposo”, su compañero de vida, de manera tan transparente que es fácil para nosotros sentirnos que también somos parte de su historia. Hace poco, dejó colgado el pseudónimo de «Peccata Minuta«, para ser completamente “María Conchita Arcalá”, y hoy es a la mujer de “ingenuidad e inocencia cautivadora” (como la describe su esposo) y al hombre de principios, objetivos y pasos muy determinantes del que se enamoró, Ray Fernández, los que tenemos por primera vez en una entrevista en conjunto, desde el corazón de su relación: su hogar, para compartirnos desde cero lo que son como equipo, con sus altas, medias y todo el entretanto, de una manera tan cómica y honesta como solo ellos saben hacerlo, dejándonos muy claro que no existe en el mundo nada más real que esto.
¿Qué percepción tienen sobre el amor y el compromiso?
El amor es un conjunto de muchas cosas. Digamos que es una fórmula compuesta por muchos factores, entre ellos el respeto mutuo, la fidelidad, la admiración, la química, la complicidad, la fe, el apoyo y las risas.
¿Dónde y cuándo (fecha exacta) se conocieron?
Nos conocimos un domingo 16 de noviembre, en Praia. Ray andaba con uno de mis amigos y, según él, cuando nos presentaron, dijo: “esa es.” Yo no me recuerdo mucho, pues estaba encima de un sillón, bailando.
¿Cuál fue la primera impresión que tuvieron uno sobre el otro y qué tan acertados o errados estaban?
Ray: Bueno, yo andaba en busca de una muchachita buena para casarme. Algo de ella me llamó la atención y me encantó, no sé si ingenuidad o inocencia, o una combinación de ambas cosas, pero me volvió loco a primera vista y no me equivoqué. Definitivamente, esa era la mía.
¿Quién dio el primer paso y cuál fue?
María Conchita: Ray se la buscó, en buen dominicano. Mi amigo no quería coordinar la salida pues entendía que él no tenía buenas intenciones. Duró dos semanas en convencerlo, hasta que lo logró. Yo no pensaba salir esa noche. Había ido al gimnasio y no quería tener que arreglarme el cabello (en serio, ese era el factor decisivo), pero me animé y salimos en grupo. Yo pensaba que Ray andaba atrás de una de mis amigas. Él era súper tímido pero me puso tema y, hablando y hablando, le comenté que iba al concierto de Julio Iglesias, Jr. Él me dijo que iba también y quedó de buscarme con el grupo. Se apareció solo en mi casa y ahí fue que caí en qué andaba el asunto.
¿Quién es más flirty y quién es más tímido?
En teoría, Ray es más tímido pero, en asuntos de conquista, él fue que se lanzó primero.
Existe entre ustedes, como en muchas otras parejas, una diferencia de edad de unos 10 años que en la adultez no se marca ni interfiere, pero, ¿cómo manejaron esto (si es que tuvieron que manejarlo) en la adolescencia, cuando iniciaron el noviazgo?
Cuando comenzamos a salir, él omitió que me llevaba diez años. Primero eran dos y luego le fue subiendo peaje hasta que, como a las dos semanas creo que fue, me admitió la verdad. Yo pensé que a mi mamá le iba a dar una cosa mala. Por suerte, nos compenetramos muy bien y no se sintió.
María Conchita, ¿cómo se lo contaste a tú madre?
Tengo muchos primos, todos conocían a Ray. Entonces, se lo dije desde un inicio pues o se lo decía yo, o se enteraba por uno de ellos, lo cual sería peor. Ella, desde el día uno, me dijo: “yo lo tengo que conocer” y convocó una cena. Esa noche estaba cayendo un diluvio y yo cruzando los dedos para que se cancelara. Pues no, éramos casi la única mesa esa noche, en Mitos, un restaurante bellísimo de la época. Mi mamá le dijo que yo era una Cacata y casi la ahorco. Al sol de hoy se lo agradezco. Cuando Ray le dice que lo tengo loco, ella le dice “yo te lo dije muy claro el primer día.”
¿En qué momento de la relación supieron que “esta era su persona”?
Desde el inicio, la relación fue muy formal, pero creo que era lo mucho que hablábamos. Nos daban las 6 a.m. hablando por teléfono casi todos los días.
Ya que estamos hablando de esto, ¿Cómo fue “the proposal”, tanto para ser novios como para matrimonio?
María Conchita: Para ser novios fue muy cómico. Ray me quería robar un beso y le dije que no, que yo no besaba personas que no fueran mi novio. Entonces, ahí me pidió amores (según él, eso fue un logro, pues a los 29 años nadie anda pidiendo amores). Todavía cuenta que eso le encanto de mí.
El proposal de matrimonio fue súper dulce y cómico también. Él me dijo, de la nada, sentados tranquilos, que si me casaría con él. Yo le digo: “solo si prometes ir tú al súper.” Ahí me puso el anillo y me dijo: “entonces, sí.” Y para el record, él fue al súper los primero diez años. Al cumplirse los diez, me dijo que el acuerdo había expirado.
Tengo entendido que ambos son cristianos. ¿Cómo se refleja esa base religiosa en el día a día de su vida de pareja y qué tan importante ha sido a lo largo de los años?
Ese ha sido el éxito de este matrimonio. Desde novios, vamos juntos los domingos a misa y, desde el primer día de casados, oramos todas las noches los dos juntos, antes de dormir, y al nacer nuestras hijas las fuimos incorporando.
Todas las decisiones importantes las tomamos poniendo a Dios primero, todo lo ponemos en oración. Tenemos muchos testimonios que solamente el que tiene fe puede entender.
Hablemos del punto de convergencia de ustedes dos. ¿En que difieren al máximo, y en qué son muy parecidos? ¿Quién es quién en esta relación?
María Conchita: Primero, aclarar que el que manda es Ray Fernández. Yo relajo con mi hija mayor que él es mi dictador favorito. Diferimos en cosas puntuales, tipo “yo amo las redes y a él no le encantan”. Pero, honestamente, nos gustan muchas cosas en común, las cuales influyen en cómo va el día a día. Ejemplo: A ambos nos encantan la playa, las aventuras, comer rico y estar en familia los cuatro.
¿A qué se dedica cada uno? ¿Creen que esta misma dinámica de pareja que tienen en casa la podrían extrapolar a un escenario laboral, en algún proyecto que emprendieran en conjunto?
Ray tiene una empresa que presta servicios al sector de la construcción y es socio en otra empresa dedicada a la logística y transporte de mercancía.
Yo tengo una agencia digital y trabajo con marcas dirigidas a la mujer. Entiendo que, de ser necesario, pudiéramos trabajar juntos si los roles de cada quien están bien definidos. Ambos somos de opiniones firmes y nos conocemos nuestras áreas. Sería ver cómo cada uno aporta sus destrezas y listo.
¿Cómo transformó la llegada de sus hijas esta relación? ¿Fue diferente cuando llegó Amalia a cuando llegó Emilia?
María Conchita: Tuvimos a Amalia muy temprano en la relación. Su llegada le puso pausa a los domingos de descanso que tanto disfrutamos. A Ray, en lo personal, le trasformó positivamente su vida.
Cuando llegó Emilia fue diferente. Primero, porque ambos estábamos más maduros (y más cansados), y sabíamos que no iba a haber un tercero. Entonces, nos propusimos disfrutar cada etapa al máximo.
Por lo que podemos ver en el Instagram de Ray, sus hijas son “Daddy’s Girls”. ¿Cómo es la química entre ustedes? Y en casa, ¿Quién hace de policía bueno y quién de policía malo?
Mis hijas adoran a su papá. Es un apoyador, él les habla y las escucha, aparte de complacerles demasiado. Usualmente, yo soy la que tiene que recordar las cosas no divertidas, pero somos muy de trabajar en equipo y de no desautorizarnos, generalmente nos turnamos. Pero, por lo regular, con Amalia prefiero yo ser la fuerte y dejarlo a él que sea más permisivo, pues ella es más flexible conmigo y me lo deja pasar más rápido.
María Conchita, de todos los pasos y aprendizajes que te ha dado la vida, sobre todo en el amor, ¿cuáles son los más vitales, esos que más anhelas compartir con tus hijas cuando llegue el momento de elegir?
Creo que esa respuesta tiene contenido para un libro. Lo más importante: no asumas, no juzgues, no pienses lo peor. Trabaja la relación todos los días, varias veces al día. Y, como dice Peter Garrido, “sean novios por siempre”.
¿Qué reservan y qué no de las redes sociales?
Ambos mostramos nuestras vulnerabilidades por las redes, como muestra de agradecimiento a Dios por todo lo que nos da. Queremos dar testimonio y ayudar a que otros conozcan de Él. Hay intimidades que no compartimos pero, por lo general, somos muy abiertos. Nuestro trabajo es lo que más guardamos, pues la discreción es clave del éxito.
¿Cuál ha sido la clave? ¿Qué es eso que, a pesar de las adversidades, pandemias o circunstancias, siempre les ha ayudado a continuar y fortalecerse como pareja?
En nuestro caso ha sido la perseverancia, la capacidad de cambiar y crecer, con la sabiduría de saber cuándo buscar ayuda, sin darnos por vencidos. Siempre seguimos luchando por dar un poco más, por ser mejores personas, tanto individual como uno para el otro.
Si hoy tuvieran que describir o introducir al otro, ¿Qué tan parecido o diferente sería el discurso de aquel primer día?
Total y absolutamente distintos. Éramos dos niños loquitos cuando nos conocimos. Hoy, somos el resultado de mucho crecimiento, mucha terapia y muchas oraciones.
¿Qué tanto creen saben sobre el otro?
Comida Favorita:
Ray: MC ama un buen mexicano.
MC: Ray es loco con una carne o mariscos.
La ropa que más le gusta verte puesta:
Ray: Ella es bella tanto en pijamas como arreglada con tacones para date night.
MC: Ray en camisa blanca y jeans me mata.
Pet peeve:
Ray: Ella detesta que le hagan cosquillas.
MC: Que le usen algo y no lo pongan exactamente donde estaba.
Momento del día: La noche, luego de dormir a las niñas, contarnos nuestro día y reflexionar sobre lo aprendido, contarnos anécdotas de las niñas que el otro se haya perdido.
CONFESIONES ÍNTIMAS
Apodos
Ray a María Conchita: Mama, Mi Carajita
María Conchita a Ray: Mi Amore.
Primer beso: Cuando me pidió amores.
Una canción: “Tú De Qué Vas”, Franco De Vita.
Día de aniversario de novios: 14 de diciembre.
Día de aniversario de bodas: 3 de julio
Un momento favorito de ambos: Cuando nació nuestra primera hija, una mirada de complicidad que al sol de hoy ambos recordamos.
¿Quién eligió el nombre de sus hijas? María Conchita.
Las redes sociales son: Una herramienta para quienes la sepan utilizar.
Bueno, quizás exageramos un poco con insinuar que Marilyn Monroe fue propietaria, pero sus recurrentes visitas y estadías la hicieron casi convertirse en una y es que gracias a su exclusiva locación, la utilizó en varias oportunidades para alejarse de la estresante vida de Hollywood. Es por este motivo también que existen tantas fotos de la actriz en los espacios más icónicos de la mansión.
Estamos hablando del Owlwood Estate, la propiedad más codiciada de Los Ángeles, especialmente cuando acaba de salir al mercado, en 1936. La casa en sí era la residencia más grande y grandiosa de Los Ángeles en ese momento y continúa rompiendo récords en ventas históricas para el condado de Los Ángeles, sobretodo por el amplio listado de celebridades que han vivido en ella a lo largo de los años.
Esta histórica vivienda se encuentra en diez acres en el próspero enclave de Holmby Hills, ubicado entre Sunset Boulevard y Los Ángeles Country Club. La ubicación fue seleccionada por el empresario británico Arthur Letts (conocido por transformar un sector de la ciudad de Los Ángeles en un verdadero paraíso) para su propiedad familiar personal, pero nunca pudo vivirla. Fue finalmente construida en la década de 1930 por la viuda de Lett, Florence Letts Quinn, y su posterior esposo, el empresario Charles H. Quinn.
La mansión de 12,201 pies cuadrados fue diseñada por el arquitecto Robert D. Farquhar bajo el estilo renacentista italiano. Dentro de los detalles, están las molduras intrincadas, chimeneas majestuosas de mármol, mantos tallados a mano, elegantes candelabros de cristal y adornos de oro. Cuenta con nueve dormitorios y diez baños en la casa principal, además de la casa de huéspedes y las dependencias del personal, cuenta con un sótano completo con un ascensor a los tres pisos, si opta por no caminar por la escalera de caracol palaciega.
Joseph Schenck: El primer dueño famoso y a quien visitaba Monroe
En la década de los 50, Joseph Schenck (fundador de ‘20th Century Fox’) adquirió la residencia, y fue visitado con regularidad por una famosa estrella de cine: Marilyn Monroe. Ambos se habían conocido a finales de la década de los 40, cuando Monroe daba sus primeros pasos en la industria.
A pesar de la diferencia de edad entre ambos, Schenck invitó a Monroe por primera vez a una cena en esta casa y sin saberlo se convirtió en la primera de múltiples veladas y encuentros similares que hicieron crecer el rumor de que entre ellos había otro tipo de vínculo. Sin embargo, Marilyn dijo siempre que estos simplemente los transformaron en grandes amigos.
Laura Ballesteros, Laura Cepeda, Ana Isabel Taboada, Maria Canela Gomez, Glory Ang, Majo Lavi y Catalina Morales.
El encuentro realizado LASKASAS, Punta Cana, un espacio donde podemos apreciar el décor Portugués; tuvo como objetivo realizar el showcase de las más reciente colecciones de algunas de las diseñadoras que actualmente exponen sus piezas dentro del marco de la boutique Santa Paloma. En el evento se pudo observar como sus organizadores tomaron precaución cumpliendo con todas las medidas de bioseguridad, la utilización de un mínimo de modelos, distancia entre los asistentes, estaciones de higiene y uso permanente de la mascarilla.
Las marcas presentes en el Santa Paloma Fashion Show se centran en los ideales de sus creadores, además de llevar moda auténtica y diferente a la mujer actual, libre y vanguardista donde el diseño va acompañado de las raíces que a toda Latinoamérica nos une.
En el evento participaron diferentes artistas del diseño, quienes exhibieron sus modelos en una noche en el que la moda vistió sus mejores galas para resaltar estilos y creaciones.
Las marcas presente en el Santa Paloma Fashion Experience fueron: Alis Custodio (Rep. Dom.), Tierra de Cúa (Rep. Dom.), Laura Cepeda (Colombia), Lavi by Majo Lavi (Colombia), Waya Bags (Colombia), Mia de Dios(Colombia), Pulpa y Sal (Colombia), Sogno Mio (Colombia), Glory Ang Atelier (Colombia), Bamboleira (Colombia) y Leonor Rincón (Colombia).
Dawilda, Yazmin Yeara, Lia Montas, Deborah Karter y Helen Blandino.
Deborah Karter y Majo Lavi.
Karen Koronell y Maria Canela Gomez.
Laura Cepeda, Perla Gomez, Maria Canela Gomez y Deborah Karter.
Lidia Valdez, Clauda Garcia, Clarissa Carceres, Maria Alejandra Varela y Marie Claire Santiago de Rainieri en el Santa Paloma Fashion Experience.
La presentación de la nueva colección de Alta Costura estuvo acompañada de una exposición de libros raros y manuscritos.
Tras ser anunciada su posición como director creativo de Fendi en Septiembre del año pasado, Kim Jones se trazó una nueva meta: traducir todas sus conversaciones sobre moda masculina exagerada a la ropa femenina de alta costura. El resultado lo presentó ayer, con una colección que fusionó su estilo y percepción de la moda y la creatividad con la magia de la literatura.
Kim Jones, director creativo de Fendi.
La escritora Virginia Woolf fue su fuente de inspiración, de manera especial su novela «Orlando» donde el protagonista cambia de hombre a mujer, difuminando así las líneas de género. Además, vimos vestidos empalmados con trajes a medida, bolsos de mano en forma de libros, citas de la novela bordadas en accesorios y un patrón en los looks finales extraídos de los libros encuadernados en mármol que Woolf publicó con su esposo Leonard Woolf para Hogarth Press.
Como dijo la revista Elle, «Para llevar aún más a casa la importancia de la moda (y su fluidez andrógina), las notas del programa iteran una línea de Orlando: “Por insignificantes que parezcan, la ropa tiene, dicen, oficinas más importantes que simplemente mantenernos calientes. Cambian nuestra visión del mundo y la visión que el mundo tiene de nosotros «. (como en el clutch de abajo).
Naomi Campbell, Bella Hadid, Christy Turlington y Kate Moss y su hija Lila Grace Moss Hack, todas caras familiares de la marca, compartieron escenario; junto a una muy curada lista de modelos que transmitieran los «latidos» de la firma.
La hija mayor de la inolvidable Grace Kelly y elpríncipe Rainiero III cumple 64 años y lo hace con una trayectoria marcada por su inconfundible estilo, su pasión por la filosofía y el arte, la constante búsqueda del amor y cada gran aprendizaje que le han dejado los hitos de su vida.
Princesa de Mónaco por nacimiento y princesa consorte de Hannover por matrimonio, lleva con elegancia y carisma las expectativas del mundo y las de ella consigo misma. También las de sus hijos: Andrea, Carlota, Pierre y Alejandra.
Sus vivencias han inspirado libros y su rostro, las portadas de moda más importantes del mundo. Su relación con la Casa de Moda Chanel, es un acápite especial que ha heredado su hija Carlota tras convertirse en la imagen de la firma a finales del año pasado.
Pero, retomando la fecha, todavía no sabemos dónde celebrará Carolina su cumpleaños. Sin embargo, estamos seguros de que ningún lugar dejará reflejar más su luz que la biblioteca del Palacio de Mónaco el 23 de enero del 1957, cuando la sala había sido forrada con telas de color verde, por expreso deseo de su madre, la princesa Grace, quien dio a luz allí, siguiendo una tradición irlandesa.
Hace dos años desde aquel primer encuentro en la Riviera Maya, México, para el lanzamiento del primer foro de moda latinoamericana que reúne a diseñadores, empresarios, ejecutivos de marcas, minoristas, consumidores y realmente a todo aquel a quien le apasione la moda, porque el emblema de LAFS es la inclusión. También lo es la idea de fortalecer la industria a través de preparación, oportunidades y llevarse a cabo cada año en un país distinto de la región por lo que el segundo año se apoderó de la ciudad amarullada de Cartagena, Colombia; donde las mañanas y noches se paseaban entre el Antiguo Teatro Heredia -hoy Teatro Adolfo Mejía- y Casa 1537.
En esa ocasión, el año de panelistas, jueces y mentoras como Carolina Herrera, Carmen Busquets y Silvia Tscherassi, al formato de conferencias inicial se agregaron paneles informativos, talleres especializados, la segunda edición de “Pitch to LAFS”, un concurso que reconoce la próxima generación de talentos latinoamericanos brindándoles una plataforma, dentro del evento, para compartir su trabajo con líderes pertenecientes a todas las facetas de la industria de la moda y así perfeccionar sus marcas, además de la incorporación del “Showroom de LAFS”, una especie de exposición en un espacio curado donde compradores, editores, estilistas e influencers podían descubrir a Latinoamerica a través de las piezas de los cuarenta mejores diseñadores de moda de la zona.
Carolina Herrera fue panelista en la segunda entrega.
Estefanía Lacayo y Samantha Tams fundadoras de LAFS.
“Samantha y yo creamos LAFS con la necesidad de cambiar la indrustria y hacerlo de una manera distinta a como todo mundo lo estaba haciendo”, Estefania Lacayo, cofundadora.
Hace a penas algunos días, el evento se celebró por primera vez de manera virtual, Diane Von Furstenberg, Edmundo Castillo, Fernando Garcia, las mismas fundadoras, y 21 panelistas más compartieron sus vivencias, secretos mejor guardados y experiencias profesionales con participantes que se unieron desde cada rincón del mundo; logrando así su idea de proyección al extranjero del talento latinoamericano y confirmando, más que nunca, la fuerza del tercero de sus objetivos como proyecto: crear un foro abierto para que las marcas, minoristas y consumidores simplemente conecten.
Editorial.
Yo creo que el hipocentro, el punto interior de la corteza terrestre donde tiene origen un terremoto, también existe dentro de las personas. Ese lugar donde los pensamientos se superponen, las emociones contrarias se enfrentan, donde inicia ese diálogo detonante, intenso y contradictorio entre lo que se cree, lo que se espera y lo que es y se tiene en el momento, está posicionado dentro de nosotros, en algún punto cerca del cerebro y lo que representa para nosotros el corazón. Ese espacio, testigo de los sacudiones que nos transforman y la cuna y luz de las nuevas ideas, es lo que celebramos en esta edición, donde colocamos “Under the spotlight” (bajo foco) al Latin American Fashion Summit, un proyecto compartido entre dos veteranas de la industria: Estefania Lacayo, una nicaragüense con dos décadas de experiencia en el mundo editorial de moda y negocios en New York, y Samantha Tams, una mexicana especialista en retail, compras y estrategia de marcas. Con el objetivo de unir fuerzas una vez al año y marcar un antes y un después en la industria de la moda latinoamericana promoviendo preparación, herramientas y contactos en profesionales nóveles, crean LAFS, la primera cumbre de la moda de la región. Y es recién ocurrida su tercera entrega, cuando nuestras páginas de P.S. It’s Fancy se dejan seducir por los colores, la magia y el espíritu incansable de cada país que conforma la zona para compartirles un poco más que moda como símbolo de compromiso y la voluntad eterna de hacer historia.
Desde los directores y actores con los que trabajó Audrey Hepburn, todos coincidían en que ella era especial y en que nunca habrá otra igual, así lo sentenció Billy Wilder, hasta los amantes de la moda continuando inspirados en ella, pasando incluso por los intelectuales. Como si supiera que este 2020 necesitábamos más de este mito entre mitos, la directora Helena Coan presentó el tráiler del documental Audrey, more than an icon que profundiza en los inicios de Audrey, inicios que no tenían que ver con la interpretación: “Mi sueño era ser bailarina de ballet, pero caí en el showbusiness”, escuchamos confesar a la protagonista de Vacaciones en Roma en el teaser de esta esperadísima biografía audiovisual.
Su amor por el baile es uno de los ejes del documental, que profundiza en los días en los que Audrey Hepburn vivió en la Holanda ocupada y bailaba en espectáculos clandestinos cuya recaudación donaba a los perseguidos por los nazis. De ese periodo habla en exclusiva su hijo Sean Hepburn Ferrer, que explica en la cinta que durante toda su vida Audrey sufrió las secuelas físicas (en forma de malnutrición) y psicológicas (para complicar aún más el trauma, su padre, un simpatizante nazi, abandonó a la familia cuando ella era una niña).
Helena Coan ha prestado especial atención a la faceta como bailarina de Audrey: en el documental, entre las imágenes históricas y los fotogramas de películas se cuelan grabaciones y entrevistas nunca antes vistas y recreaciones de los momentos más especiales en las que las bailarinas Keira Moore, Francesca Hayward y Alessandra Ferri. La coreografía de esas escenas es obra de Wayne McGregor coreógrafo residente del Royal Ballet de Londres mientras que el compositor Alex Somers se encarga de la banda sonora.
Pero además de cine y danza, el nombre de Audrey Hepburn es sinónimo de moda. Y el documental, que está producido por el mismo equipo que produjo McQueen) también repasa la entrañable (y fructífera) relación de la actriz con Hubert de Givenchy. (mediante entrevistas exclusivas con la ex directora creativa de la forma Clare Waight Keller) y con Tiffany & Co. (cuando la actriz falleció, la firma publicó un obituario que simplemente decía “our Huckleberry Friend”).
Pero sobre todo, More than an icon trata sobre el amor de una musa que dedicó los últimos años de su vida a colaborar con Unicef. “Cuando amo, lo hago incondicionalmente”, dice al final del teaser. El documental se podrá comprar en DVD y ver online a partir del 30 de noviembre en la web de Salon Pictures.
Esto es lo que sucede al “to be continued” de la edición anterior: la segunda parte de una serie de encuentros exclusivos de la Semana de la Moda de París, de la mano de Agus Cattaneo, como una especie de “Take Over” que viste nuestras páginas de sus experiencias e impresiones. Con propuestas que rememoran emociones, imágenes y posturas que perturbaron hasta inspirar en medio de cuarentena, Dior y Roger Vivier se dirigen hoy a la industria y al mundo. Desde un Gherardo Felloni (Director Creativo de Roger Vivier) marcado por las flores de un jardín italiano, hasta una Maria Grazia Chiuri (Directora Creativa de Dior) que sostiene que “cada colección consiste, no solo en lograr una serie de piezas que se acomoden al cuerpo de la mujer que las utiliza, sino también en lograr, con ellas, un reflejo de las transformaciones de nuestra sociedad; que estas sean una reacción a eventos actuales”, emprendemos viaje una nueva vez. Intrigados de manera especial por esto último, la convicción de María Grazia sobre una proyección perfecta de cada suceso histórico y las tantas formas en la que la moda puede reflejarse sobre el espejo del momento.
Take Over
Paris Fashion Week
(Part II)
texto: Agus Cattaneo @iamaguscattaneo
Dior
Para Maria Grazia Chiuri cada colección consiste, nosolo en lograr una serie de piezas que se acomoden el cuerpo de la mujer que las utiliza, sino también en lograr, con ellas, un reflejo de las transformaciones de nuestra sociedad; que estas sean una reacción a eventos actuales.
El desfile fue en Jardin des Tuileriesdonde, en una de las fuentes principales, se montó la escenografía. El desfile de Dior es siempre uno de los primeros del Fashion Week deParís, casi que da la bienvenida a lo que serán los próximos diez días. A los pocos días del desfile, tuve la posibilidad de ir a un encuentro privado, en un showroom, a ver todas las piezas de la colección. Allí, me encontré con Victoria, del Departamento de Comunicación de Dior, quien fue súper amable conmigo y me hizo una explicación súper detallada de cada pieza. Uno de los temas que me comentó fue la transformación del saco de bartradicional (The Bar jacket) que hizo Maria Grazia Chiuri para esta colección, teniendo en mente una muestra diseñada por Dior inspirada en Japón, para el otoño/invierno de 1957. Pude ver mucho tie-dye, técnica que ya vemos desde hace varias temporadas. Un trabajo muy detallado hecho con láser se ve en el denim. Se ven siluetas súper cómodas. La idea clave en toda la colección es la versatilidad, es decir, que las piezas uno las puede usar de día, de noche, en la playa, en un cóctel, etcétera.
Fotos: Cortesía de Dior
Roger Vivier
Todaslas Paris Fashion Week tenemos el Hôtel Vivier, y son siempre en casas súper lindas, donde el formato es como de hotel. En una habitación, se presenta una parte de la colección y en la siguiente, otra, y así sucesivamente. Y hay lugar para comer y tomar algo, cosa que es espectacular este año, por la situación particular que se está viviendo en el mundo.
Fue mucho más chico y con cita previa, a una hora exacta. Yo fui el viernes 2 de octubre, a las 6 de la tarde. Me estaba esperando Marie, quien es la encargada de prensa y que, muy amablemente, hizo un recorrido conmigo por toda la colección. Lamuestra fue diseñada por suDirector Creativo, Gherardo Felloni, quien pasó el confinamiento en Italia, donde tiene unos jardines espectaculares.
Se pueden ver, en algunas piezas, detalles de flores pintadas a mano, lo que las hace únicas. Unosdías antes de ir a la presentación, me mandaron un link para que vea una película interactiva: L’Hôtel Vivier Cinémathèque, que era como un juego de adivinanzas. La protagonista del filme es Isabelle Huppert. Esa misma película la pude volver a ver y jugar en un cine solo para mí, sí un cine con solo una butaca para mí. Acá les muestro algunos de los productos.
Fotos: cortesía deRoger Vivier
Hermès
El miércoles 15 de octubre fue la presentación de objetos de Hermès. Uno de mis elegidos fue esta gomita de seda para el pelo, estos aretes y este brazalete. Y estos zapatos se los muestro porque también se vieron en el desfile durante laParis Fashion Week y se ven súper cómodos y modernos para lo que son, en general, las siluetas Hermès.
Fotos: Studio des Fleurs
Cartier
Todos los años, durante laParis Fashion Week, tenemos el Rendez-Vous Cartier. Es un evento súper lindo donde nos encontramos con todos los equipos de Cartiery tenemos tiempo para ver juntos las colecciones. Son siempre en lugares súper únicos, con comida y tragos riquísimos. Este año, por la situación mundial que estamos viviendo, tuvo que ser un evento más chico, pero igual fue en un Hôtel Particulier muy hermoso, donde sus distintas habitaciones estaban ambientadas con distintos productos de la colección, así que acá les muestro algunos ítems que me encantaron: una manta de para poner en el pie la cama, estos aretes y el reloj Panthère, que es mi preferido.
Presidenta de la Asociación Nacional de Hoteles y Restaurantes
Persistente.
fotos Misael Ramírez y Mayra de Ramírez
“El turismo siempre ha sido protagonista de primer orden en mi vida, lo cual es una ventaja comparativa para desarrollar habilidades y un conocimiento profundo”.
Al crecer en el sector turismo, se expuso, a temprana edad a una visión globaldel mundo, donde el ejemplo, la prudencia y el amor a Punta Cana de sus padres Frank y Haydee rainieri, le enseñaron a valorar esta tierra hermosa. Por eso no es de extrañar que su juventud no fue impedimento para sortear las crisis mediáticas del 2019 y el tema del covid -19 en este 2020.Su legado como presidenta de ASONAHORES, convierte la institución en una entidad más fortalecida y llena de retos para afrontar aún más unidos el porvenir del sector turístico en nuestro país.
“He sido testigo del impacto y el desarrollo que el turismo puede tener sobre una región, un país, y su gente. Es una herramienta que nos permite romper los círculos de pobreza”.
Llegamos a las ocho de la mañana, puntuales a la dirección señalada, y a los pocos minutos entró radiante, Paola, acompañada de su gran danés de nombre Blue. Conversamos animadamente sin pausa sobre su rol determinante como Presidenta de Asonahores y de cómo está entidad ha enfrentado con entereza, situaciones inimaginables donde, en un esfuerzo coordinado con otros sectores y el Estado, han aprendido a trabajar juntos, situación que les ha unido y ayudado a valorar en conjunto, una visión de país que pertenece a todos, como es el turismo.
Ritmo Social: ¿Quién es y cómo se define Paola Rainieri de Díaz?
Paola Rainieri de Díaz: Soy esposa ante todo, madre, hija, hermana y amiga. Soy empresaria y disfruto lo que hago en el plano laboral y personal. Como persona soy sensible, ecuánime, decidida y perseverante.
RS:¿El turismo siempre ha sido protagonista de primer orden en su vida? ¿Cómo esto la marca como ser humano y su visión por el país?
PR:Crecí en este mundo y me identifico con él porque sin siquiera entenderlo ya estaba involucrada en el mismo. Para mí, no hubo un principio o una decisión para iniciar en este sector, tan sen- cillo es parte de mi vida desde que tengo uso de razón. Esta es una ventaja competitiva, por ponerlo de alguna forma, que me permitió desarrollar las habilidades necesarias y un conocimiento profundo de todos los aspectos relativos al mismo. Crecer dentro de este sec- tor me expuso a temprana edad y me permitió crear una visión más globalizada del mundo, en una época previa al internet y los celulares. El ambiente hotelero me enseñó la importancia de crear relaciones nacionales e internacionales, a sentirme cómoda con los cambios y a trabajar muy duro.
He podido ser parte, al principio como espectadora y al crecer como parte integral del desarrollo del sector en nuestro país, sobre todo en la región Este. Recuerdo cuando aún no había nada y paseábamos en camioneta por las playas de Macao y Arena Gorda donde el paisaje era el único protagonista. Recuerdo la inauguración del Aeropuerto de Punta Cana y cuando llegaron los Barceló al país e iniciaron la construcción del Barceló Bávaro.
RS:¿Tiene alguna anécdota que quiera compartir de ser parte de una familia como los Rainieri, que llevan el turismo en la sangre?
PR: Mi bisabuela, Doña Blanca Franceschini de Rainieri abriósu primer hotel en Puerto Plata a principios del siglo 19, la casa donde estaba ubicado, aún existe y fue el primer hotel “de lujo” enla región. De hecho hoy por hoy hay un callejón adjunto a donde estuvo el Hotel Europa al que le llaman el Callejón de Doña Blanca, algo que me llena de orgullo, sobre todo porque siendo mujer y viu- da en esa época dejó su huella. Mi adorado tío, Fernando Rainieri, fue Ministro de Turismo y estuvo en Infratur. Recuerdo ir con él y toda la familia a Puerto Plata cuando Playa Dorada aún estaba en desarrollo. De mis padres, que decirte, desde muy temprana edad nos involucraron y han sido mi ejemplo. Supongo que de alguna forma el turismo está impregnado en mi ADN.
RS: ¿Usted es Presidente de ASONAHORES, como evalúa esta gestión en tiempos de Covid?
PR:Han sido meses en los que se han presentado situaciones que eran inimaginables. Desde Asonahores lo hemos enfrentado con en- tereza, trabajando más unidos que nunca, no solo dentro del sector sino en un esfuerzo coordinado junto a los demás sectores produc- tivos y el Estado. Hemos aprendido a trabajar juntos, esta situación nos ha unido y nos ha hecho más fuertes.
RS: ¿Cuál es el rol de la Asociación Nacional de Hoteles y Restaurantes?
PR:El turismo es la industria de todos, y como tal Asonahores es una institución inclusiva en la cual aquellas empresas que suplen al sector, operan en el mismo o tiene interés por apoyar su desar- rollo son actores importantes. El rol de Asonahores es asegurar el adecuado crecimiento y desarrollo de la industria en la RD. Puertos, aeropuertos, hoteles, restaurantes, tour operadores, la banca, firmas de abogados y de construcción, todo aquel que se identifica con el sector y empresas relacionadas al turismo pueden expresar su voz a través de Asonahores.
RS: ¿Qué nos falta como país para poder accesar a un turismo que siempre quiera regresar?
PR: Debo comenzar diciendo que más de un 60% de nuestros visitantes retornan al República Dominicana, eso incluyendo los miembros de clubes vacacionales.
La República Dominicana lo tiene todo, hermosas playas, excelen- tes campos de golf; ciertamente, lograr una verdadera integración de la Ciudad Colonial al paquete del visitante ofrecería una expe- riencia más completa. Pero sobre toda la belleza natural de nuestro país esta nuestro el verdadero diferenciador, nuestro mayor valor que es nuestra gente, su calidez, su sonrisa. Es precisamente eso lo que enamora a nuestros visitantes y hace que quieran regresar.
RS: En el sector turismo, ¿cuál entiende son nuestras fortalezas y debilidades?
PR:Somos un sector resiliente que opera con estándares internacionales y contribuimos de forma transversal con todos los sectores productivos del país. El turismo somos todos y creo que va quedando cada vez más claro. Nuestra mayor vulnerabilidad quedo evidenciada con la crisis mediática que vivimos en el 2019 y este es un punto en el que trabajamos para que no se vuelva a repetir la historia.
RS: ¿Qué consejo pone en práctica de Frank Rainieri para poder sobrellevar la responsabilidad que usted lleva y maneja?
PR:Te hablare de lo que es el resultado de su ejemplo en mí, más que de algún consejo en particular. Trato de ser prudente en mis intervenciones, me aseguro de trabajar para todos por igual y for- talecer la institucionalidad. Valoro la capacidad de mediar y llegar a términos en cualquier situación por mas adversa que parezca se que siempre hay un punto medio.
RS: ¿Cómo visualiza el turismo interno en nuestro país para los próximos meses?
PR:El turismo interno será un sostén para la industria. Acogién- donos a la solicitud de nuestro presidente Luis Abinader, muchos hoteles estarán abriendo sus puertas en octubre y noviembre a sabiendas de que para esas fechas no contaremos aun con suficiente flujo de turistas como para hacer la operación rentable y contando con el turismo local para que nos ayude a balancear la apertura. Los programas de financiamiento de vacaciones anunciados por el Ministerio de Turismo y con el apoyo de Banreservas, Banco Popular y BHD buscan precisamente motivar el turismo interno. Es momento de apoyar a la República Dominicana, contribuir en la rehabilitación de la economía y movilizar la cadena de valor.
RS: ¿En nuestro país, que lugares le atraen y por qué, que valora?
PR:Valoro la calidez del dominicano, la alegría de nuestra gentey su resiliencia. Disfruto de nuestro clima, el sol y las playas,salir y conocer los rincones más remotos de nuestro hermoso país. Como familia, siempre hemos sido aventureros y nos tomamos el tiempo de hacer turismo interno con nuestros hijos. Los cayos de Montecristi son un espectáculo, los 27 charcos son un “must”, los manglares en Punta Rucia son una joya, Barahona ofrece hermo- sas vistas que me recuerdan la costa Amalfitana y sus playas sonel sueño de todo surfista. En Cabarete aprovechamos las olas y el surf y en las noches ese ambiente tan relajado y la gran variedad de opciones culinarias que ofrece la zona. El pan de coco de Samaná es un emblema culinario de la zona al que aún no le hemos dado su verdadero valor. Terrenas y sus boulangeries tienen los mejores panes de chocolate del país y ofrece un ambiente muy especial en el que se mezclan las culturas europeas (sobre todo la francesa) y la local. La laguna de Oviedo y sus playas son un tesoro escondido. Constanza, su clima, las fresas… nuestro país lo tiene todo.
“SE CREÓ RECIENTEMENTE UNA COMISIÓN MULTISECTORIAL RESPONSABLE DE LA MARCA PAÍS Y LA ELABORACIÓN Y EJECUCIÓN DE LA ESTRATEGIA DE DICHA MARCA ESTÁN A SU CARGO”.
RS: ¿Cuál usted entiende será su mayor logro al concluir su trabajo en ASONAHORES?
PR:Toda crisis trae consigo oportunidades y sin lugar a dudas estos dos años de mi presidencia en Asonahores han traído consigo retos nunca antes vividos que me han permitido dejar un Asonahores con lazos mas estrechos con otros gremios como Conep, AIRD, Adozona, Amcham y ABA.
Dentro de nuestro propio gremiohe estado en constante comunicación con asociaciones a las que representamos como Aderes, Adecor, Asociación de Aeropuertos, Asociación de Líneas Aéreas, el sector de excursiones, tour operadores, agencias de viaje, rent a cars, entre otras, que han podido valorar en su justa dimensión lo que la institución representa para ellos en tiempos difíciles. Incluso hemos apoyado a asociaciones, como la de bares, que apenas se están formando y aun sin pertenec- er a Asonahores hemos apoyado e incluido en nuestras negociaciones con el estado, entendiendo la difícil situación por la que están atravesando.
Las relaciones institucionales con el Estado, tanto el pasado como el presente se solidificaron y expandieron dejando claramente establecidos los vínculos que en lo adelante no pueden cesar con estamentos como DGII, Ministerio de Salud Pública, Ministerio de Trabajo, Ministerio de Relaciones Exteriores, Cesac, C51 y por supuesto el Ministerio de Turismo entre muchos otros.
RS: ¿Se habla de turismo religioso, ecológico, gastronómico, cul- tural, cree estamos listos para vendernos de esa forma?
PR:Antes de la pandemia avanzábamos en esa dirección. En el área gastronómica, por ejemplo, estábamos trabajando con La Guía de Restaurantes de San Pellegrino a fines de cumplir con sus estándares y ser tomados en cuenta como país. Es un trabajo que Asonahores realizaba de la mano de Aderes y todos sus integrantes. Parte de esos esfuerzos dieron como resultado la semana gastronómica y el festival gastronómico que fueron un éxito rotundo en el 2019 y que se llevara a cabo nuevamente antes de finalizar este año.
El turismo ecológico es parte de una fórmula más compleja que es la sustentabilidad y la sostenibilidad. El turista de hoy es más exi- gente en relación a como el sector se comporta con las comunidades cercanas y en torno al medio ambiente. Son muchos los hoteles y complejos hoteleros que hacen una gran labor en torno a estos temas y que han adquirido reconocimiento internacional por esto. Agregaría también el turismo de salud y el sector salud en las provincias turísticas. Un sector que viene trabajando arduamente y que ha logrado estándares y acreditaciones internacionales que aún nos faltan promover más adecuadamente.
RS: Un mensaje para los dueños de hoteles y restaurantes que se han sentido restringidos estos últimos meses y sus ingresos afectados…
PR:Siendo parte del sector los entiendo, he vivido de primera mano este proceso y la incertidumbre que esta situación ha causado para todos los que formamos parte de él. Entiendo la preocupación por el futuro, el sentido de responsabilidad sobre las miles de familias que dependen de nosotros, incluidas las propias. Sepan que he trabajado y continuaré trabajando sin descansar para lograr la recuperación del sector. Pueden confiar en que haré todo lo que esté a mi alcance para agilizar y facilitar la recuperación.
Un refugio de descanso y placer en este exclusivo proyecto
Ultravioleta Boutique Residences es un proyecto situado en la playa de Cabarete y con playa privada, tumbonas de ensueño y piscina de borde infinito con vistas al océano Atlántico. Se puede disfrutar de una magnífica estadía segura en familia, con amigos o la otra mitad, dada la arquitectura con gran atención a detalles y servicio personalizado.
Los apartamentos tienen una moderna cocina y jacuzzi, de modo que no es necesario salir, a menos que surja un antojo por la exquisita oferta gastronómica de Cabarete. Su hermoso exterior invita a disfrutar del sol junto a la piscina y saborear un exquisito cóctel frente al mar.
Sin darte cuenta, seguirás los siguientes pasos: estar relax y extenderte en la playa, para después sumergirte en la piscina, repetir el proceso durante todo tu estadía y, luego de un espectacular atardecer Cabaretense, pasar por la zona de hoguera y disolver cualquier estrés remanente, bajo las estrellas, con tu ser especial.
Los más activos pueden practicar el deporte de más auge en el planeta, el SUP, o stand-up paddle, por implicar una tabla grande de surf y un remo. Resulta que todos, desde niños hasta el más mayorcito, si está en forma, claro, pueden hacerlo.
Se dice que el que practica el SUP está más cerca de una tortuga marina que de un humano, convirtiéndolo en un deporte absolutamente seguro y libre de contacto. Este destino turístico fue creado con el objetivo de que el visitante viva una experiencia cinco estrellas.
Los diseñadores lograron su objetivo y explican que no dejaron a un lado las nociones preconcebidas de la “hospitalidad”. La locación que elegimos para alojarnos cuando tomamos la decisión de viajar debe ser el lugar perfecto para desconectarnos, un espacio que transmita paz, justo lo que vivirás en el Ultravioleta Boutique Residences.
Guiadas por los vientos, la intrepidez y valentía de los grandes conquistadores, las carabelas capitaneadas por Don Bartolomé Colón asoman a las costas del Mar Caribe y se internan, para nunca más abandonarlas, en las aguas del caudaloso Río Ozama, que al igual que ayer, con sus aguas y puertos siempre abiertos, recibe a todo aquel que quiera visitarnos.
Aquí, a fuerza de trabajo y espíritu, en el caney de la cacica Sumeca, inmortalizada por el maestro Vela Zanetti, fundaron la más hermosa y antigua ciudad del Nuevo Mundo: Santo Domingo, que enamora y apasiona a sus habitantes y todos aquellos que las visitan y la hacen su hogar.
Esta ciudad, el rio y el mar fueron testigos del nacimiento del primer mestizo del Nuevo Mundo, de sanadoras que se entregaban en cuerpo y alma al desvalido, de la llegada de piratas, mal llamados caballeros, y de murallas y monasterios que se inmolaron en bien de la sociedad.
Su fortaleza, erguida, imponente y llena de historias, guarda los más grandes y antiguos secretos de la Conquista y Colonización del Nuevo Mundo. Por allí pasaron Juan Ponce de León, Alonso de Ojeda, Diego Velázquez, Vasco Núñez de Balboa, Hernán Cortes y Francisco Pizarro, hidalgos que habrían de escribir la nueva historia de todo un continente.
Su fortaleza, erguida, imponente y llena de historias, guarda los más grandes y antiguos secretos de la Conquista y Colonización del Nuevo Mundo. Por allí pasaron Juan Ponce de León, Alonso de Ojeda, Diego Velázquez, Vasco Núñez de Balboa, Hernán Cortes y Francisco Pizarro, hidalgos que habrían de escribir la nueva historia de todo un continente.
Sus calles, rectas y empedradas, sirvieron de escenario y picardía a las Damas de la Corte de Doña María de Toledo y Alba, Primera Virreina del Nuevo Mundo, en sus paseos hacia el Palacio Virreinal de Don Diego Colón, joya de la historia y arquitectura colonial.
Sus residencias e instituciones, adornadas con escudos reales que indican la nobleza de sus habitantes, aún se exhiben en dinteles y fachadas construidas por expertos canteros europeos y la mano del noble taíno, dueños de la tierra y todas sus piedras.
Sus residencias e instituciones, adornadas con escudos reales que indican la nobleza de sus habitantes, aún se exhiben en dinteles y fachadas construidas por expertos canteros europeos y la mano del noble taíno, dueños de la tierra y todas sus piedras.
Hospitales, escuelas, universidades, catedrales, plazas, alcantarillas, alcaldías y comercios harían de esta ciudad de Santo Domingo, tan nuestra y de todos sus visitantes, una gran urbe: la verdadera hija primogénita y predilecta de España, y la madre de todas las Américas.
Sembrada de monasterios, iglesias y campanarios, Santo Domingo fue la tierra escogida por el destino para que se levante, por siempre y para siempre, la imperecedera voz de Fray Antonio Montesino, que aún clama por el respeto, la justicia y la dignidad de los taínos y toda la humanidad.
Este Santo Domingo, cuna de un Nuevo Mundo y propietario de todas las primacías, es el lugar idóneo para comprender, y luego amar, la verdadera historia de amor y, tantas veces, dolor, de Europa, África y esta América tan nuestra.
Abogada de profesión, maestra por vocación e impulsadora del sector turístico por pasión, se graduó Summa Cum Laude de la licenciatura en Derecho en UNIBE. Además, cuenta con una maestría en Leyes de la Universidad de Utrecht, Holanda, en Análisis Económico del Derecho, y otra enfocada al Derecho de la Competencia y los Mercados Regulados, en la Universidad de Chicago. Igualmente, es profesora de las asignaturas Derecho de la Competencia, Constitución Económica y Análisis Económico del Derecho, tanto a nivel de grado como de maestría.
Actualmente, es presidenta y coordinadora general del Clúster Turístico de Santo Domingo y de la Cámara de Comercio e Industria Franco-Dominicana. Asimismo, es miembro del Consejo de Directores y el Comité Ejecutivo del Airports Council International- Latin America (ACI-LAC). También, fue presidenta de la Asociación Latinoamericana e Ibérica de Derecho y Economía (ALACDE), e integrante, por tres períodos, del Consejo de Directores de la Cámara Americana de Comercio de la República Dominicana (AMCHAMDR).
¿Qué es lo que más le gusta de visitar las diferentes ciudades de la República Dominicana?
Descubrir y disfrutar el encanto de cada lugar, la alegría de su gente, su historia, su gastronomía y sus encantos naturales. Cada ciudad tiene algo que la hace única y especial, algunas con atractivos tradicionales ya conocidos, pero, en muchos casos, tesoros que vas descubriendo porque alguien te comenta o llegas como visita inesperada. Sin importar el nivel de desarrollo que tenga la ciudad que visites, en cada rincón de nuestro país puedes descubrir y disfrutar una nueva y maravillosa experiencia.
¿Qué pautas básicas deberían seguir las personas antes de elegir un destino?
Siempre es buena idea optar por aquellos que han ido creciendo su oferta y mejorando su posicionamiento, pues es la demostración del esfuerzo que todos harán porque tengas una gran experiencia. Igualmente, optar por destinos que ofrecen seguridad y diversidad de experiencias.
¿Cuáles son los destinos más visitados en República Dominicana?
Definitivamente, la ciudad de Santo Domingo es un destino único, lleno de encanto, color, historia y cultura. Todo el que visite la República Dominicana debería conocerle. Es su centro histórico: primera Catedral de América, primer Arzobispado, primer hospital, primera universidad y primera fortaleza, entre otras. Aquí encuentras la mejor experiencia culinaria nacional, una mezcla fascinante de lo colonial y una moderna metrópolis, con una renovada oferta hotelera, modernos centros comerciales con marcas internacionales reconocidas, hermosas avenidas, parques, bares y discotecas, incluso los edificios más altos del Caribe se encuentran en esta ciudad.
¿Cuáles son las medidas que está tomando el Clúster Turístico para incrementar atención en la ciudad de Santo Domingo, en cuanto a cultura y ocio?
En el Clúster Turístico de Santo Domingo trabajamos arduamente para mejorar la competitividad de la cadena productiva de valor en la ciudad. Desde el inicio de nuestra gestión, hemos puesto en ejecución una serie de iniciativas que agregan valor y fomentan el desarrollo del turismo en la Zona Colonial, posicionando, a su vez, nuestra ciudad. Entre estas acciones podemos destacar la elaboración de una estrategia integral de desarrollo; el fortalecimiento de los lazos de colaboración y alianzas público-privadas para evaluar problemáticas, definir soluciones y lograr que se materialicen muchas iniciativas que mejoran la ciudad e incentivan el crecimiento del turismo; diseñar un inventario de los atractivos naturales y culturales de la ciudad; capacitación constante a las personas que forman parte de la cadena de servicios en la zona; la implementación de un Programa Estratégico de Promoción de la Ciudad Colonial; y orientar nuestras acciones a favor de la sostenibilidad, protección al medioambiente y cumplimiento de las mejores prácticas internacionales e integrarnos a las estrategias gubernamentales que han identificado las oportunidades que tenemos, como, por ejemplo, el desarrollo del turismo de salud o el de ferias y convenciones (MICE).
Actualmente, trabajamos arduamente a favor de la recuperación del turismo en la ciudad con diversas iniciativas, como el estándar Zona Segura, el sello GoSantoDomingo, que permite certificar a los negocios participantes de la industria turística la correcta aplicación de protocolos de salud, turismo e higiene, bajo el estándar internacional POSI-Check, y el lanzamiento reciente de coches eléctricos, ofreciendo una oferta turística innovadora y de calidad en nuestra Ciudad Colonial.
“El orgullo de nuestras raíces fue el principal motor que nos impulsó a darle vida a Revista Soy Caribe Premium.”
Directora de Revista Soy Caribe Premium, en España
El orgullo de sus raíces fue el principal motor que le impulsó a darle vida a Revista Soy Caribe Premium. Crismeidy quería mostrar el bien más preciado, la calidez de su gente y su riqueza cultural, y exponer el valor no solo de sus espectaculares playas y exclusivos puntos turísticos, sino las historias de quienes son los responsables de construir y fortalecer la industria de servicios, y plasmarlo en una revista para contagiar a todos los extranjeros y dominicanos ausentes de la alegría y los lugares que hacen feliz a un isleño. Es una mezcla de detalles que constituyen nuestro principal activo como destino destacado en la región: el carácter amable de la gente, ese deseo de superación colectivo, y la hospitalidad y sencillez que nos hacen únicos.
Su idea busca, además, resaltar la labor de esas personas, familias e instituciones que, con su buen hacer, han desarrollado y potenciado los diferentes destinos, posicionando a la República Dominicana y el Caribe en el competitivo mapa de la competencia global.
“El Caribe tiene una riqueza cultural impresionante que se complementa con los mágicos lugares, rica naturaleza y las historias de poder que hay detrás de las personas que hacen posible su desarrollo turístico”, afirma Crismeidy Ureña.
Crismeidy Ureña reside en Madrid. De alma libre, con espíritu aventurero y mente creativa, decidió poner en marcha su sueño, apoyándose en el turismo, pero lo más importante es que ha sabido ser constante y proactiva, con espíritu de superación y creatividad para que todo esto sea posible. Posicionar la revista en Madrid ha sido un reto, logrado gracias a que ha podido identificar los nichos y oportunidades que le competen, además de ofrecer calidad en el producto, vincular personajes públicos españoles en la línea editorial y la investigación que entiende es fundamental para identificar su target.
Disfruta y ama lo que hace. Le encanta crear, iniciar proyectos, planificar nuevas campañas, el contacto con la gente, y tener la oportunidad de conectar con públicos grandes y pequeños. Su emoción crece cuando ve y siente a su equipo tan involucrado como ella. “Soy Caribe Premium es diferente de otras revistas latinas en España porque buscamos la innovación y el logro de un contenido que ha hecho brillar lo mejor de cada cultura, en una sociedad tan cosmopolita como exigente además de su fortaleza editorial y creatividad en el diseño. Es un proyecto construido con valores de liderazgo, innovación, prestigio y solidaridad”, agrega su directora editorial.
Para ella, cada edición ha sido un logro, ya que ha tenido “la oportunidad de entrevistar a personas con vidas interesantes: empresarios de primer nivel, artistas de fama mundial, chefs con Estrellas Michelin, celebridades con cualidades personales e impactantes historias de superación que los hacen únicos, entre ellos Mario Vargas Llosa y Juan Luis Guerra”, nos cuenta.
El 2018 marcó un antes y un después en la revista, puesto que tuvieron la oportunidad de colocarla en la Business Class de los aviones de Air Europa. “Fue un momento de mucho regocijo. La revista estuvo por casi cuatro meses volando”, narra Crismeidy.
La revista llevó a cabo una campaña con el nombre “RD Premium 2020”, la cual consistió en la presentación de una colección de imágenes que mostraban la excelencia y buen hacer de los dominicanos, donde se elegirá la portada que más les ha gustado a los seguidores. La iniciativa pretende llevar a cabo una obra de acción social para una de las comunidades de la zona representada en la imagen.
Revista Soy Caribe Premium cuenta con un equipo multicultural, (Puerto Rico, España, República Dominicana, Estados Unidos y México) encabezado por la editora asociada, la periodista dominico-americana Anna Jiménez, al igual que la participación de los redactores y colaboradores: Angela María Carrasco, Tania Báez, Jochy Fersobe, José María Vallejo, Onysela Valdez, Cristian Lebrón, Félix Olivo, Paola Serrata, Selenia Suriel, Carmen Zaiter, Salvador Batista, Rocío López, Amanda Ascuaciati, Esmerarda Montero y Jordi Canal-Soler.
idioma es una etiqueta de moda multidisciplinaria con base en New York. Se nutre de la investigación en cine, música, poesía e historia para proponer un punto de vista único a través de la cultura latinoamericana. Es el empredimiento de los jóvenes dominicanos: Joel De La Rosa y Nabila Brache, la lanzaron en 2019 como una manera muy particular de traducir conceptos a un lenguaje visual, mientras se crea un diálogo más allá de la ropa. “La primera letra en idioma se coloca al revés para simbolizar nuestra actitud hacia la moda”.
¿Cómo se conocieron? Nos conocimos en Output, un club nocturno en Brooklyn, hace dos años. La unión vino por amigos en común. Esa noche compartimos que ya los dos teníamos varios años viviendo en la ciudad y estábamos sorprendidos de que no nos habíamos conocido anteriormente ya que nos gustaba ir a los mismos lugares y teníamos una pasión en común.
Joel, naciste en Nueva York, pero creciste en la República Dominicana. ¿Dónde están tus raíces? ¿De dónde es tu familia?
Mi madre nació en Brooklyn y mi padre en Santo Domingo. Siempre me siento extranjero. Cuando estoy en Nueva York soy dominicano y, en Santo Domingo, soy norteamericano. Pienso que la nacionalidad es una elección cultural y no un hecho geográfico. Nací en Nueva York, pero soy dominicano.
Nabila, ¿Por qué emigraste a Nueva York para perseguir un sueño?
Emigré a Nueva York para estar más expuesta a la moda, con oportunidades de aprender de distintos aspectos de la industria. Para mí, Nueva York siempre fue donde me imaginé viviendo. A mí me trae satisfacción hacer una carrera aquí, al igual que grandes diseñadores como Oscar de La Renta y Marc Jacobs.
Ambos han encontrado en la moda su llamado de vida, pero ¿Cómo y cuáles fueron los caminos que cada uno tuvo que seguir para encontrarla? ¿En qué momento se dieron cuenta de que eso era lo de ustedes? ¿Algún familiar hace moda?
J: Yo ni sabía que existía el mundo de la moda hasta que llegué, a los 18 o 19 años. Recuerdo que Ángelo Beato, Director Creativo de LEBLANC, me enseñó la página MR PORTER. Me encontraba los productos bellísimos. Ángelo y yo mirábamos esta página por horas, analizando cada detalle. Antes de esto, yo era bien pasivo con mi carrera y futuro, pero, finalmente, encontré algo que de verdad me interesaba. Después, llegué a conocer más canales de información, como SHOWStudio, y fui educándome más y más. Me gradué de Administración de Empresas, pero mi Universidad de Modas fue el internet.
N: Me di cuenta de que me gustaba la moda porque, desde pequeña, me encantaba ayudar a mi hermana y a mi mamá a elegir sus atuendos. Igual, en mi tiempo libre, me la pasaba diseñando ropa que soñaba con hacer. Cuando vino el momento para elegir una carrera, estuve dudosa. No sabía si elegir Diseño de Modas porque me sentía insegura de si podría tener éxito y tenía la voz de mi papá en la cabeza, diciéndome lo importante que era saber de negocios en la vida. Pero, también sabía que, si no estudiaba moda, no iba ser feliz. Al final, me fui por Fashion Merchandising.
El propósito del nombre es que queremos crear un idioma visual. Nosotros vemos a “idioma” como una plataforma cultural, no queremos limitarnos. Para nuestra creatividad, es importante tener espacio y libertad. Nos vemos diseñando otras categorías, no solo ready-to-wear. Tenemos planeado hasta diseñar muebles, en un futuro.
Siendo una marca emergente de la era digital, ¿Qué concepto de negocio manejan?
Como marca emergente, pensamos que la flexibilidad y la complejidad interna son las oportunidades que tenemos. Estamos conscientes de que la industria de la moda está evolucionando constantemente y tener la capacidad de evolucionar a ese paso es la clave para llevar a idioma donde queremos. Nos podemos adaptar fácilmente a cambios, junto a Rafael Gómez, un gran amigo que es nuestro socio y nos ayuda con la parte empresarial del proyecto. Estamos estableciendo una empresa con valores, abriéndonos puertas para un crecimiento sostenible. La creatividad es crucial para el balance en un negocio artístico como el de nosotros y va de la mano con cómo manejamos las operaciones.
¿Cómo se reflejan sus personalidades en la firma y cómo esta se refleja en ustedes?
Se refleja más nuestra identidad que nuestra personalidad. Tu identidad es algo que tú mismo elijes, tiene que ver con tus valores y moralidad, mientras que tu personalidad es la manera en que retratas tu identidad. Pensamos que hay dos tipos de directores creativos: los que recrean sus alrededores y los que crean su propio mundo. Los que crean su propio mundo son los poetas. Nosotros intentamos crear nuestro propio mundo y así se reflejan nuestras identidades, ya que somos nosotros quienes lo creamos.
¿Qué papel juega en “idioma” la cultura dominicana?
Es muy importante para nosotros. Creo que siempre va a estar presente en nuestras colecciones, de una forma u otra. Pero tampoco nos consideramos nacionalistas, tenemos una visión global. Nos interesa traer la cultura latina en un contexto de moda de alto nivel, pero en forma inclusiva. Por más que amemos nuestro país, todas las culturas pueden influir en nuestros diseños.
¿Qué dirían que los hace únicos?
Nos vemos más como una plataforma cultural que una marca de moda. Hacemos moda con el propósito de no solo generar cultura, sino también compartirla, siempre tomando en cuenta el tiempo en el que estamos, para que el mensaje sea relevante. Si nuestro trabajo empuja a aprender e investigar más a alguien, eso nos haría muy felices.
¿Cuál es el lineamiento para la selección de materiales y técnicas para trabajar?¿Cómo entra lo de “multidisciplinario” en el día a día?
Muchas veces, tratamos de seleccionar materiales no convencionales. Recuerdo que cuando nos acercamos a sastres con la idea de hacer una chacabana en canvas, muchas veces dudaban si era funcional. Se lo encuentran extraño. Nosotros pensamos que, cuando nos dicen que no es porque lo que estamos creando es interesante, nos empuja a querer ejecutarlo más. La moda siempre es multidisciplinaria, abarca mucho. Cualquier marca que esté consciente del mercado presente, entiende que no sólo puedes pensar en la ropa, hay otras disciplinas que forman parte del proyecto.
Como pareja y business partners, ¿Cómo se transforma su relación dentro y fuera del estudio? ¿Qué tanto cambian los roles?
Para nosotros, todo es igual, dentro o fuera. Lo vemos como parte de nuestras vidas. No tenemos una vida personal separada de nuestro trabajo, todo es la misma vida.
¿Cuál ha sido, hasta ahora, el mayor reto y la mayor ventaja de trabajar con una pareja?
Tenemos muchos retos, pero no creo que tenga que ver con el hecho de que seamos una pareja. Cogemos el trabajo en serio. La mayor ventaja de trabajar juntos es que hay un respeto y una confianza total.
Cuando ambos son directores creativos, ¿Cuál es el límite de cada uno?
Compartimos ideas constantemente. Usualmente, Joel empieza con un concepto y luego Nabila da su opinión y ayuda a concretizar. Pero eso puede cambiar para otra colección. El producto final es una combinación de nuestra creatividad. Nosotros somos “dreamers”, en nuestra mente no tenemos límites.
Cuando la intención es traducir conceptos en un lenguaje visual ¿Cómo es el proceso creativo?
La traducción es una manera de percibir cosas. Nosotros enseñamos nuestro punto de vista. Empezamos con referencias específicas, puede ser cine, arquitectura, pintura, música, etc… Para “Medicina De Amor”, nosotros hicimos una yuxtaposición de nuestros intereses, pero, para la próxima colección, solo escogimos un filme como referencia principal, para explorar la moralidad de la tecnología. Nosotros experimentamos con el proceso creativo, no pensamos trabajar igual cada colección. Incluso tratamos de que mejore el proceso creativo, siempre afinando, para llegar a nuevos territorios.
¿Por qué explorar el encuentro de una película soviética de los años 70 y un álbum de bachata para su primera colección, “Medicina de Amor”? A propósito, ¿Cómo transformar música en piezas de vestir?
Escogimos estas referencias tan diferentes porque era una yuxtaposición de nuestros intereses, pero también vimos una conexión entre ellos. La bachata es conocida como música de amargue y la película fue basada en un poeta llamado Sayat-Nova, que sintió mucho dolor y agonía a través de su vida. Estos sentimientos están presentes en la colección. Se tomó en cuenta en la fotografía, también, para que las imágenes transmitieran ese dolor. La película la escogimos no solo por las imágenes, que son sumamente fuertes, sino por lo que Sayat-Nova simboliza: la fraternidad entre naciones. Eso hizo la película relevante para hoy.
Otros temas que pasaron a formar parte de la creación de las piezas fue el tema de la inmigración del dominicano a Nueva York y, dentro de eso, el machismo. Vemos cómo, en el cover del álbum de “Medicina De Amor”, es un retrato del cantante llorando que, para la época, fue una imagen muy audaz, ya que la República Dominicana es un país machista. Estas referencias nos dieron la oportunidad de explorar temas políticos y sociales.
El tema de la “i” invertida me habla de emociones y de romper moldes. ¿Cuáles son estos sentimientos que se mueven en cada sketch?
La tecnología avanza tan rápido que estrecha la imaginación. Muchas personas no pueden ni imaginarse que sería lo próximo. Entonces, no estamos de acuerdo con que ya todo existe. Tenemos una visión romántica del futuro. Nuestra postura es que nada va por encima de la creatividad.
La tecnología juega un papel importante en la colección en la que están trabajando ahora. ¿Qué determina esto? ¿Qué podrían adelantarnos? ¿Cuándo la lanzan? y ¿Cuáles fragmentos de “World on a Wire” se verán más representados en sus diseños?
En esta colección, nosotros queremos explorar simulaciones de la realidad y reflexionar sobre la moralidad de la tecnología. Tenemos en mente trabajar con materiales sintéticos y repensar técnicas tradicionales para llegar a nuestra idea del futuro. La colección estará lista para este verano.
¿Cuál sería el siguiente paso?
Para nosotros, es siempre seguir trabajando, tratar de mejorar siempre.
La diseñadora de juegos infantiles que llevan al mundo un mensaje de inclusión
Fotos Daria Morozova / estilismos @brandaffairshowroom@houseofmaroti@aclprojects y Aclprojects.com
“Siempre me remonto a mi niñez, buscando sensaciones y recuerdos, jugando en cada rincón de Gazcue”.
RS:¿Qué papel juegan Puerto Rico, la República Dominicana y España en el ADN de Adele?
ACL:Puerto Rico es la tierra en la que nací y de donde son buena parte de mis raíces, la República Dominicana es el lugar en el que me crié y donde se formó mi personalidad, es de donde me siento. España es donde me he independizado y me he formado como profesional. También, donde han nacido mis mellizos Didac y Daniela. En todo caso, soy una orgullosa caribeña y mi éxito radica en la mezcla del carisma caribeño con la disciplina europea.
RS: ¿Qué significa Gazcue para tu infancia y para la mujer que eres hoy?
ACL:¡No sabes lo que me acuerdo de mi barrio! Por dedicarme al mundo de los juegos, siempre me remonto a mi niñez, buscando sensaciones y recuerdos. Corríamos por las calles, montábamos bicicleta en las aceras, jugábamos al escondite en los patios de los vecinos, nos subíamos a los árboles y, hoy en día, casi nada de esto se hace. La situación actual es muy distinta, ya que muchas ciudades crecen desmesuradamente, se vive en torres y no se contempla facilitar espacios dotados de equipamiento de calidad para que los niños se ejerciten e integren. Los tiempos cambian, pero eso no significa que no existan soluciones para sustituir lo que antes era natural e intuitivo. Jugar es fundamental para una infancia sana.
RS: ¿Qué tipo de niña eras? ¿Cómo fue evolucionando esta definición con los años?
ACL:Siempre fui una niña disciplinada y constante, esto me ha acompañado siempre. En mis genes hay una parte muy perseverante, que me ha ayudado a sobrevivir en un mundo donde si dejas de nadar te ahogas. Cuando las cosas se complican, la disciplina es una herramienta fundamental para seguir una dirección, es como andar por un camino con los ojos tapados. Por otro lado, tener constancia, para mí, ha sido fundamental. Walt Disney decía que el secreto para conseguir tus sueños radica en la fórmula de las 4 “C”: Curiosidad, Confianza, Coraje y Constancia. Con todas me siento muy identificada, pero, si tengo que elegir una que me describa, sería la constancia.
Barco de Juegos del Malecón
RS: ¿Qué historia traen tus apellidos “Colón” y “Lefranc” a tu vida?
ACL: Colónes un apellido muy Boricua, pero, si hacemos referencia al Almirante, por esa parte, me vendrá la Fuerza de surcar mares sabiendo que, si mantienes la fe, a pesar de no ver el horizonte, llegarás a tu nuevo mundo.
Lefranc viene de mi abuelo francés e ingeniero civil, que vino a trabajar con su padre en proyectos de puentes y, en La Vega, conoció a mi abuela. Se casaron y, a los 16 años, tuvieron a mi mamá. Soy una mezcla maravillosa de los extremos del mundo. ¿Ves? ¡El surcar mares ya me viene por ambas partes y hasta la actualidad!
RS: ¿Por qué arquitectura? ¿Qué encuentras en el diseño?
ACL: De pequeña, quería estudiar arquitectura. Me imagino que viene de mis abuelos, ambos ingenieros civiles. Ya dentro de la arquitectura, me he especializado en Juegos. En el diseño encuentro TODO. El diseño, en su principio más universal, se basa en una aplicación equitativa, flexible, intuitiva, perceptible, tamaño adecuado… lo tenemos en nuestro día a día y, sin él, no pudiéramos vivir. Y, si te hablo del diseño de mis juegos, te digo que detrás están los departamentos más completos con los mejores profesionales del mundo, estudiando cada detalle, centímetro, material, reacción, sonrisa, sensación, siempre buscando la máxima innovación para tener como resultado productos que entienden y se adaptan a los niños. ¡Esto es lo que nos hace especialistas en sonrisas!
RS: ¿De dónde surge tu pasión por la protección del medioambiente? ¿Cómo incorporas la arquitectura a esta causa y de qué manera la persigues?
ACL:Más que pasión, es la obligación de ayudar a arreglar el desastre de mundo que le dejamos a nuestros hijos. ¡Estamos a tiempo, pero debemos actuar YA! Los residuos están ahí y deben de ser organizados de la mejor forma, para su retirada y posterior reciclaje. Por suerte, en los últimos tiempos, empresas privadas y públicas se han concienciado y a ellos les ofrecemos las mejores soluciones del mercado.
A nivel arquitectónico, nuestro compromiso es poder proveer un elemento muy resistente, estético y funcional que está obligatoriamente presente en todo tipo de proyectos interiores o exteriores. Ese componente, al que llamamos zafacón, debe complacer los gustos de arquitectos, diseñadores y empresas para que se integren en el conjunto, funcionen durante años y, en otras ocasiones, apoyen su proyecto como marca. Era un elemento al que no se le prestaba importancia y, en los últimos tiempos, se han dado cuenta de que, como es indispensable, se debe incluir de la mejor manera posible. Para nosotros es un reto poder ofrecer los diseños más novedosos con las últimas tecnologías en materiales, porque solo así soportarían el arduo uso y las inclemencias del tiempo caribeño. No hay excusas: la solución la tenemos y se debe aplicar lo antes posible.
RS: ¿Cuándo inició formalmente tu vida laboral? ¿Dónde adquiriste tus mejores experiencias y qué te lleva a desarrollar tu proyecto en España?
ACL:Trabajé por primera vez en una constructora de Barcelona y luego di el salto a Vitra, para muchos la mejor empresa de diseño mobiliario del mundo con sede en Suiza. Fui Encargada de Proyectos y “Key Account” para España y Portugal. Ha sido la empresa que me formó como profesional, ya que trabajar con suizos y alemanes es toda una escuela. Luego trabajé en BD Ediciones de Diseño, una empresa ícono del mobiliario Barcelonés. En 2007, decidí independizarme y formé ACL Project Management, y desde España, junto con agentes en diferentes puntos del Caribe, llevamos los proyectos del área. Desde aquí tengo la suerte de estar muy bien conectada con el resto de Europa, donde se fabrican las marcas de origen finlandés, danés, alemán e inglés que representamos.
RS: En 2007, fundaste ACL Project Management. Desde su origen hasta la fecha, ¿Cómo se ha transformado o mantenido el enfoque?
ACL:Empezamos con la distribución de productos para proyectos Aeroportuarios, Hoteleros y Urbanos y, con el tiempo, me di cuenta de que, en la República Dominicana, había una necesidad real de introducir Juegos Infantiles, Inclusivos y Juegos de Agua de Calidad. Muchos de los productos que han adquirido hasta el momento son de origen asiático y, si no, se venden como “europeos” pero con piezas asiáticas. Nos apoyamos en los más de 50 años de experiencia de nuestras empresas de Juegos Infantiles, y más de 30 años en lo que a nuestro fabricante de Juegos de Agua respecta. Mantenemos el enfoque en ofrecer la máxima calidad, con el respaldo de las empresas de renombre del mundo. No se trata solo de vender, sino de que haya garantías reales, un servicio post venta y que, detrás de esa marca, haya un equipo de profesionales que den respuesta cuando sea necesario. No queremos ganar un solo proyecto, queremos ganar clientes que siempre confíen en nosotros.
“Colón es un apellido muy boricua, pero, si hacemos referencia al Almirante, por esa parte, me vendrá la fuerza de surcar mares, sabiendo que, si mantienes la fe, a pesar de no ver el horizonte, llegarás a tu nuevo mundo”.
RS: ¿Ha sido la maternidad aquello que te ha despertado al universo de los juegos? ¿Cómo comenzó?
ACL: Mis hijos me han llevado al mundo de los juegos Infantiles por ser, hasta la actualidad, usuarios incansables de este tipo de equipamientos. ¡He de confesar que hay una niña grande en mí que le encanta este mundo y, para mí, no es ningún sacrificio ir a un parque! creo que tengo el “don” de poder entender a los niños y, sentada en un banco, desde la distancia, el solo ver que sonríen me llena de satisfacción.
Un día, me dije: “¡Esto lo tengo que conseguir en mi país!”. Estudié un poco lo realizado hasta la actualidad y me di cuenta de que había un vacío enorme por llenar, especialmente por el tema de diseño y calidad. La gente no sabe diferenciar entre un Juego de calidad y uno que no lo sea, por lo que estamos educando en ese sentido y lo conseguiremos, porque el cliente en la República Dominicana es cada vez más exigente y una vez conozcan nuestros productos, verán la diferencia claramente. Te aseguro que la intención de ACL es que TODOS los niños, sin discriminación, tengan acceso a juegos de calidad.
RS: ¿Que convierte a la inclusión en un tema tan importante, tanto para el público en general como para ti? ¿Cómo te toca?
ACL: Jugar es una de las cosas más importantes que le puedes ofrecer a un niño. Es básico para que se desarrollen a nivel emocional, físico y social, con mucho más énfasis en niños que tienen algún problema emocional o alguna discapacidad. Para mí, jugar cura el alma y es un derecho fundamental. Si no les ofreces esta herramienta, les creas un obstáculo enorme para que tengan igual oportunidad que el resto. Cuando a un niño con discapacidad se le brinda una oportunidad de aportar son perfectamente capaces de superar los obstáculos que atentan contra su inclusión. Sin embargo, a muchos simplemente NO se les ofrece. Cuando piensas que un niño no es capaz de hacer algo, le estás creando un obstáculo ENORME para su inclusión y tener las mismas oportunidades que el resto. Aquello significa lo que cada persona puede aportar, en vez de lo que no. Se centra en las habilidades y jamás en las discapacidades. Por suerte, la inclusión ha sido reforzada por la Convención Internacional de las Naciones Unidas Sobre las Personas con Discapacidad (2006) y en el Estado Mundial de la Infancia por UNICEF (2013). Por eso, muchos de nuestros Juegos Infantiles y de Agua son inclusivos, y tienen el objetivo de que todos los niños estén integrados. ¿Alguna vez has visto un niño con discapacidad jugar en un área infantil por primera vez? ¡Esa imagen no tiene precio!
RS: ¿Qué relación tiene la actividad de un niño en su vida adulta? ¿Cómo estos juegos les ayudan a desarrollar la “psicomotricidad y densidad ósea”?
ACL: La Organización Mundial de la Salud recomienda que niños entre 5 y 17 años hagan 60 minutos de ejercicio físico al día, y estos no se refieren a jugar en el recreo ni al deporte del colegio, sino al ejercicio de elección LIBRE, no guiado. También, se recomienda 20 minutos, 3 veces por semana, de actividad física intensa. Muchos desconocen que la densidad ósea se forma, desde la niñez hasta los 20 años, a base de ejercicio y luego queda para el resto de la vida. Jugar ayuda a desarrollar confianza en sus habilidades motoras para ganar autoestima. Los niños, cuando juegan en un equipamiento infantil, exploran, resuelven situaciones, piensan, reflexionan sus acciones, se ejercitan, socializan… Probablemente, un niño inactivo será un adulto inactivo.
RS: Tu marca habla de calidad. Cuéntanos un poco sobre los materiales y las especificaciones que las convierten en las mejores piezas para el Caribe.
ACL: ¡Somos los juegos de moda! Trabajamos con las mejores marcas del mundo y eso conlleva que sean los mejores diseños, materiales y especificaciones para el uso y seguridad de niños. Nuestras pinturas no son tóxicas, los tornillos recesados, contemplamos el área de seguridad por posibles caídas y maderas prensadas que no se astillan, entre otras cosas.
El clima del Caribe es uno de los más extremos del mundo y no me puedo permitir ofrecer algo que no sea lo mejor para este ambiente: salitre, sol extremo, lluvias intensas y vientos fuertes. Trabajamos con productos de verdadera calidad, los cuales se prueban en laboratorios propios. ¿De qué te sirve invertir en algo más económico si, en 1 o 2 años, tendrás un producto roto, hecho de plástico común, que puede traer cortes, piezas metálicas oxidadas y maderas astilladas de mala calidad? Las grandes empresas no se pueden dar el lujo de invertir en productos que hagan daño a un menor y que les traigan posibles demandas.
RS: Desde tus diseños de Juegos de Agua para Santo Domingo Country Club y la familia Vicini, ¿Cuántos son los años que se suman creando para nuestro país?
ACL: En realidad, empezamos en el 2017, con unos Juegos Infantiles para Casa de Campo y tenemos la intención de continuar en Minitas, con unos impresionantes Juegos Infantiles y Juegos de Agua. Con el Country, empezamos a trabajar junto con Olga Capano, y la verdad que hemos hecho un excelente equipo. Luego, continuamos la parte de Juegos de Agua, con uno de los mejores fabricantes del mundo, manufacturado 100% en Canadá, y se instalaron muy pronto. Es un proyecto referente y han sido muy previsores porque, como en los próximos meses no se podrá viajar dado a la COVID, se han asegurado de que sus socios tengan todo lo necesario para su entretenimiento. Hay proyectos que no pueden darse el lujo de detenerse ya que, tarde o temprano, esta situación que vivimos será parte del pasado y han de estar preparados. Con la familia Vicini, hicimos un proyecto personalizado en Punta Cana, donde se colocó un maravilloso circuito de Juegos, acompañado de trampolines y un tobogán.
RS: ¿En qué te inspiras? ¿Qué tomas en cuenta a la hora de diseñar un proyecto de juegos?
ACL: Hay gente que dice que soy como Tom Hanks en la película BIG, ya que me pongo a la altura de los niños para entender sus gustos y necesidades. Es importante tener esta empatía y no vender por vender. Hay que garantizar que el proyecto sea un éxito.
Por otro lado, es básico conocer el perfil del cliente, sus preferencias y gustos, para que se adapten al proyecto, ya que tenemos desde líneas clásicas hasta las más modernas. Hay veces que los clientes quieren que los juegos se integren a la naturaleza, tal como sucedió en Casa de Campo, y en otras ocasiones que resalten y sean protagonistas. Luego, sabiendo el área disponible, analizo las edades de los niños y procuro que todos tengan su espacio pero que, a la vez, estén integrados en el proyecto. ¡En todo caso, garantizo horas de juego sano!
RS: Recientemente, se instaló un barco de juegos inclusivo en el Malecón, junto a la Alcaldía del Distrito Nacional. ¿Cuándo empezó a gestarse? ¿Cuál es su propósito? Y ¿Cuáles son esos próximos que continuarás realizando junto a la Alcaldía?
ACL: En realidad, se empezó a gestar hace años, junto con el Arquitecto Alejandro Marranzini, cuando estaba en proyecto la intervención del Malecón. La idea principal era colocar una gran pirámide, similar a la del Country. Luego, el tema pasó al equipo del ADN y el planteamiento cambió a colocar un juego inclusivo, y qué mejor que un barco frente al mar. El Ayuntamiento tiene la intención de continuar con su buena gestión en estos aspectos y estoy segura de que vienen muchas cosas buenas por el camino. Por nuestra parte, tenemos ganas de revolucionar la ciudad y estaremos a su disposición para facilitar todos nuestros conocimientos. ¡Está todo por hacer!
De la misma forma en que estuve en contacto con Marranzini, desde hace mucho, me he estado comunicando con el Arquitecto Antonio Imbert, mandándole imágenes y videos de productos rompedores. Si algo tiene Antonio, es que no deja indiferente a nadie y si en sus manos cae un proyecto de esta índole, podemos estar seguros de que será diferente. En ACL, somos la nueva generación de juegos infantiles y nos encanta colaborar con arquitectos que siempre quieran salirse de lo establecido.
RS: Háblanos un poco sobre los gimnasios al aire libre, sobre todo en estos momentos.
ACL:Con el sedentarismo al que nos hemos visto obligados a vivir, poder usar equipos fitness al aire libre es una bendición. Actualmente, mucha gente prefiere no encerrarse en un gimnasio y opta por hacer ejercicio de esta manera, por su salud mental y física. Es una tendencia en Europa y USA colocar poner este equipamiento a disposición de sus habitantes, en los exteriores de sus ciudades, hoteles, clubes sociales y otros proyectos, para dar ese PLUS a sus usuarios. Vale la pena mencionar que, por desinformación, en ocasiones, la gente no está invirtiendo en buenos equipos ya que, por ejemplo, las elípticas no incorporan fricción en su mecanismo, y usarlas 20 minutos y no hacer nada es lo mismo. Por eso insistimos en que, cuando se quiera hacer un proyecto de calidad, se cuente con las mejores marcas y con referencias importantes a nivel mundial. Por lo tanto, somos los mejores, razón por la que nos respaldan más de 50 años en el mercado. Por otro lado, quiero mencionar a los grandes olvidados: las personas mayores. Nadie los toma en cuenta en proyectos de equipamiento deportivo y nosotros contamos con líneas especialmente diseñadas para que la gente mayor se pueda ejercitar.
RS: ¿Cuál es el mensaje que llevan estos juegos infantiles al mundo?
ACL:Que, hoy en día, los niños y adolescentes pasan demasiadas horas frente a la computadora y los videojuegos, y que, si lo hacen, es porque no se les está dando el equipamiento necesario para que sean más activos. En un mundo cada vez más invadido por la tecnología y donde el sedentarismo va en aumento progresivo, tenemos que ser conscientes de que se debe combatir con SALUD. La sociedad y nuestros gobernantes tienen que tomar en cuenta que hay algo que se está haciendo mal y es por la poca información que ha habido hasta el momento. Por eso, parte de nuestra misión es informar y educar para volver a lo más intuitivo que tenemos como humanos: JUGAR.
RS: ¿La pandemia te ha inspirado a reestructurar algo en estos proyectos?
ACL:Totalmente. Ha sido un momento de reinventarnos y reforzarnos o dejarnos llevar por la negatividad. La pandemia ha confirmado que, usando las nuevas tecnologías, se puede trabajar muchas cosas en equipo y que la distancia no es un problema, cosa que ya hemos estado haciendo durante años. Por otro lado, no hemos parado de hacer seminarios web, entrenamientos y cursos de Juegos Infantiles y de Agua. Nos hemos asociado con un súper equipo de instaladores locales y hemos empezado a trabajar con agentes en otras islas del Caribe, ampliando y mejorando nuestra visión. También, hemos contactado con los mejores proyectos, arquitectos, constructoras, clubes sociales, colegios, centros comerciales, fundaciones y empresas hoteleras de la República Dominicana y el Caribe. Estoy muy contenta con la respuesta que estamos recibiendo y la reacción de todos cuando ven nuestros productos, vamos a lograr lo nunca visto. En ACL, nos encanta ser diferentes y muchas empresas necesitan lo que ofrecemos, ya que está demostrado que un buen equipamiento da más valor a sus proyectos. Te pongo ejemplos: Las torres residenciales con buenos juegos tienen más valor inmobiliario y, en los centros comerciales, si hay juegos infantiles interiores o exteriores, el consumo en tiendas y restaurantes es mayor.
“Jugar es una de las cosas más importantes que le puedes ofrecer a un niño. Es básico para que se desarrollen a nivel emocional, físico y social, con mucho más énfasis en niños que tienen algún problema emocional o alguna discapacidad. Los hace sentir capaces de vencer obstáculos. Eso hacen nuestros juegos infantiles”.
RS: ¿Qué trae el futuro inmediato para Adele?
ACL: Quiero terminar de educar al cliente y que entienda que vendemos Mercedes, pero en Juegos. Hay modelos grandes, medianos y pequeños, pero siempre son Mercedes. ACL quiere revolucionar el Caribe y que la Rep. Dominicana sea la gran referencia para seguir en toda el área. Esto solo acaba de empezar y queremos hacer las cosas como nunca nadie las ha hecho antes. Soy la persona más preparada en Juegos Infantiles y de Agua, y estoy en mi mejor punto de madurez profesional, con el conocimiento necesario para afrontar los retos que nos hemos planteado.
Confesiones Íntimas
¿Qué estabas haciendo justo antes de llenar esta entrevista? Ver a mis hijos jugar como locos por toda la casa.
Nombre Completo:Adele Marie Colón Lefranc.
Religión: católica
Signo: Acuario
Un desayuno frecuente en tus mañanas:Café con leche y tostadas con queso, pero quisiera que alguna vez fuera un Mangú con queso frito y salchichón.
Un Proyecto:El Guggenheim en Bilbao.
Una Ciudad: París, siempre París.
Color Favorito: Azul.
Un pasatiempo que nadie se imagine que tienes: MeditaciónZen.
¿Qué palabra repites mucho? ¡Carajo!
Si llevaras unaetiqueta, ¿Cuál sería? “Made in the Caribbean”.
Un sentimiento muy frecuente en ti: Amor.
Un Libro: El Principito.
Un Apodo: “La Reina de los Juegos.”
Un momento en el día: Cuando abrazo a mis hijos.
No Soportas: La Mentira.
¿Juegos de mesa o al aire libre? Al Aire Libre.
La FamiliaEs: La Base.
¿A quién admiras? Walt Disney
La inclusión Es: Lo que cada uno de nosotros puede ofrecer.
El Medioambiente es: Nuestro bien más preciado.
El aprendizaje más importante del confinamiento: Vivir el presente, trabajando para el futuro.
República Dominicana es: Un diamante por pulir más y mejor.
El Caribe es: Mi origen.
Una frase que describa tu vida: “The future belongs to those who dare.”
Un Sueño Realizado: Ser Madre.
Un sueño por cumplir: ¡Ver crecer a mis hijos y que sean felices!
A las 4:45 a.m., suena mi alarma. Lo primero que hago, al despertar, es recitar en mi mente una lista de agradecimiento. Me bebo mi masilla francesa, me pongo traje de baño y ¡salgo a la playa! Hoy tuve mi primera llamada a las 5:15 a.m., con una #MVbabesde Londres.
Durante la cuarentena, empecé a practicar un deporte de agua que me tiene enamorada. Ver el sol salir estando en el mar, no tiene igual. A las 10:00 a.m., suelo estar de regreso en Santo Domingo, donde empieza mi diversión con las joyas.
Todos los días son diferentes, cosa que me encanta de mi trabajo y, actualmente, extraño tener reuniones fuera de la oficina. Cuando llego alestudio, reviso piezas nuevas del taller, con mi equipo. Es mi momento favorito del día. Aquí, supervisamos los estándares de la JoyeríaMónica Varela. Luego, me reúno con mi Líder de Ventas y Producción, donde vemos las nuevassolicitudes y el inventario, y desarrollamos la estrategia de comunicación de la semana.
Mi manera de trabajar es bien espontánea. Con mucha frecuencia, tengo videollamadas con mi equipo de diseño en Nueva York y la Republica Dominicana. Disfruto mucho el factor sorpresa en nuestra joyería. Siempre estamos mandando a hacer piezas nuevas para nuestras #MVbabes.
A la hora de almuerzo, siempre con mis padres, me desconecto para estar presente en familia. Estos pequeños momentos me llenan el alma y me traen mucha felicidad. Después, nos sentamos en la sala, donde mi papá toca el piano por un rato, mientras mi mamá y yo disfrutamos. Trabajo un poco más y, a las 6:00 p.m., tengo clase de Yoga con mi mamá y nuestro instructor por Zoom, o asisto a mi clase de Ballet con Verónica, mi hermana.
A veces, termino el día jugando Rummikub con mis padres, cosa que se ha convertido en rutina. Somos muy competitivos, claro, siempre por diversión.
Mi rutina de noche es organizar mi habitación, beber mis vitaminas naturales,leer mi libro actual y recitar mi mantra junto a mi meditación, justo antes de dormir.
EDITORIAL.
Soy de conexiones, romántica, incluso cuando se trata de la moda. El tocar y coincidir es lo que mueve mis decisiones. Me intriga la historia detrás de una pieza, el contexto histórico que bordea el momento, lo que, durante el proceso creativo, envuelve la mente de quien la confecciona y la intención, ese mensaje con el que se pretende que un diseño selle al mundo. Es un trabajo que Mónica ha venido realizando desde pequeña, después de aquel cautivador encuentro con los colores vibrantes escondidos dentro de los cables eléctricos, que inspiró su primera colección, y luego continuó en el IstitutoEuropeodiDesign, de Milán, donde se preparó en Tecnología Impresa en 3D y Joyería en laSavannah College of Art and Design (SCAD). Las joyas de MónicaValera te invitan a un diálogo sensacional sobre energías, evolución, curiosidad, naturaleza, antropología, seguridad, color y mucho poder. Ella es todo menos convencional. A través del oro, la plata, las fibras microscópicas, el nylonimpreso en 3D, la resina, el acero inoxidable y las piedras preciosas, como el ámbar y el larimar, se entrelazan y profundizan todas sus dudas y hallazgos, como creativa y diseñadora. Una infancia definida por el arte y los contrastes culturales, siendo hija del artista visual uruguayo Fernando Varela y la directora italiana de galerías de arte Rosario Bonarelli, la especialatencióna los detalles está en ella desde siempre. Dicen que, de todos, la crisises el mejor alimento para la creatividad. Así que, en estos días de cuarentena, donde una pandemia y todas sus implicaciones sacuden nuestra realidad, nos inmiscuimos, por 24 horas, en la vida Mónica, para conocer los pormenores de sudía, en lo que podría ser uno de los momentos creativos más importantes de su carrera. A partir de ahora, quien escribees ella.
Hace tres años que viene predicando la inclusión, con piezas que se “derriten” bajo el sol, sobre todos los tipos de cuerpo, sin distinción alguna. Sus propuestas vienen en colecciones cápsulas que las hacen atemporales. Después de todo, hablamos de bañadores (y una que otra salida), y unos que no se dejan seducir por las distracciones de los estampados porque conocen la grandeza del color. Son básicos con propósitos para nada sencillos, porque no están pensados solo para el momento dentro del agua, sino para las miles de actividades que surgen antes o después, sin dejar detrás los destellos del estilo. Como hija fiel de las costas caribeñas, Maygel Coronel cree en su esencia y la celebra, y, como barranquillera, lleva muy en alto la mística de sus calles y la magia de su gente. En la moda, sus diseños son el punto medio entre muchas cosas, entre ellas lo estético y funcional, lo lujoso y artesanal, y el negocio y lo que realmente apasiona, sin perderse en la realidad de que, si tuviese que elegir hacia dónde inclinar la balanza, siempre sería por la pasión. Con el corazón de su marca puesto en sus valores, el escaparate donde estén sus piezas, en cualquier lugar del mundo, se convierte en el narrador de una historia que, apenas iniciando, conoce el éxito tan a plenitud como en el más añejo de los tomos.
Disciplina y perseverancia son palabras fáciles de pronunciar y escribir. Lo difícil es convertirlas en acción, sobre todo cuando se aplican simultáneamente. Lograrlo conduce a un éxito gradual, de esos que no conocen límites, como el que Fernando Rodríguez de Mondesert y su proyecto Jazz en Dominicana llevan cosechando desde hace 20 años. (Alexis Mendez – Música Maestro)
Jazz en Dominicana nació el 23 de octubre de 2006. Originalmente un blog cuyo objetivo era informar sobre el jazz que se presentaba en la República Dominicana (por músicos locales e internacionales), así como sobre la actividad de los músicos de jazz dominicanos en otras playas. Antes de cumplir su primer año (en septiembre de 2007), nacía el primer espacio semanal de jazz en vivo: Jazz Dominicana en Casa de Teatro.
Este 23 de octubre celebrarán 20 años desde que inició con su misión de difundir el jazz; contribuyendo a diversificar el público que se acerca al mundo del jazz, aumentando los espacios para el jazz en vivo, apoyando a talentos emergentes y dando a conocer, posicionando y promoviendo el jazz dentro y fuera del país a través de una serie de productos y servicios que ha desarrollado.
Durante este tiempo, la página de Jazz en Dominicana ha entregado más de 2.840 publicaciones: reseñas de conciertos y festivales, artículos, entrevistas, biografías, fotografías y más, ofreciendo una ventana a la escena del jazz en el país durante este período.
Además, en más de 1550 eventos semanales de jazz en vivo, han habido momentos enriquecedores de jazz instrumental y vocal, se han realizado presentaciones con músicos y vocalistas de todos los rincones de la nación caribeña, así como artistas invitados de Estados Unidos, Puerto Rico, Cuba, México, España, Francia, Italia, Alemania, Jamaica, Curazao, Aruba, Rusia, Holanda, Dinamarca, Israel, Argentina, Brasil, Venezuela, Perú, Chile, Haití, Canadá y Ecuador. El espacio de Jazz en vivo Fiesta Sunset Jazz, que se lleva a cabo todos los viernes en el octavo piso del Dominican Fiesta Hotel, celebrará su evento número 750 el próximo diciembre, y en la encuesta de lectores de All About Jazz de 2019 quedó como: ¡El local de jazz (jazz venue) número 21 del mundo!
El octavo libro de Jazz en Dominicana, «Jazz en Dominicana – Las Entrevistas 2025», se publicó en febrero de este año y es el séptimo de la serie de entrevistas. Estas publicaciones ofrecen una visión de diversos actores que han formado, forman y formarán parte de la escena del jazz en el país. Lo especial y diferente de estos libros es que no solo están escritos en español e inglés, sino que además incorporan Realidad Aumentada. Los libros publicados hasta la fecha incluyen entrevistas con 62 músicos y 11 educadores, productores de programas de radio, conciertos y festivales, así como la presentación de 50 mujeres que han contribuido y siguen contribuyendo enormemente en todos los estilos y periodos de la historia del jazz en la República Dominicana.
Entre los logros más destacados de 2026 se encuentran la decimoquinta ocasión consecutiva que Jazz en Dominicana organiza diversos eventos para celebrar el Día Internacional del Jazz; y su quinta participación como co-anfitrión en la programación virtual de la Celebración del Día Internacional del Jazz del Museo de Jazz de Nueva Orleans (evento reconocido por el Día Internacional del Jazz, la UNESCO y el Instituto de Jazz Herbie Hancock). Asimismo, Fernando Rodríguez De Mondesert continúa con su columna mensual «Hablemos de Jazz» en la reconocida publicación dominicana Ritmo Social, además de sus contribuciones habituales en Latin Jazz Network (Toronto, Canadá).
Jazz en Dominicana expresa su más sincero agradecimiento y reafirma su compromiso de seguir contribuyendo a la cultura musical, especialmente al jazz, en la República Dominicana. ¡Y el 24 de octubre comienza el año 21!
“Hemos podido dar una imagen maravillosa no solo por el aspecto deportivo, sino también a través de la gastronomía tan buena que tiene el país y por la oportunidad de poder disfrutar de cada una de las zonas destacadas que tenemos aquí en República Dominicana”, así resume Gonzalo Pan de Soraluce, director global de Golf de Grupo Piñero, el impacto de la celebración, por primera vez en el país, de la final del PGA Tour Américas, que se lleva a cabo en el campo de golf de Playa Nueva Romana del 15 al 18 de septiembre.
La final del circuito de torneos trae a la costa este dominicana a los 60 mejores jugadores que, durante la temporada 2026, han destacado en 14 torneos que les han llevado a recorrer nueve países, incluyendo Brasil, Argentina, Perú, Colombia, Estados Unidos, Canadá, México y República Dominicana.
“Desde mi posición, tengo la suerte de poder hablar tanto con el PGA Tour como con muchos jugadores y sus familias”, comenta Pan de Soraluce. “Y cada vez que les pregunto, la verdad es que el feedback es increíble, están muy impresionados con el campo de golf, con el destino, la infraestructura que tenemos aquí y, sobre todo, con la calidez y el servicio de la gente aquí en República Dominicana”, añade.
Gonzalo Pan de Soraluce, director global de Golf de Grupo Piñero // Foto: Silverio Vidal
El torneo, que llevaba más de un año en preparación para la celebración de la final en territorio nacional, cuenta con el apoyo del Ministerio de Turismo y el Scotiabank, dos organizaciones que, según Pan de Soraluce, han sido aliados clave para llevar a cabo un torneo que se ajuste a los más altos estándares de la franquicia del PGA. “Un torneo de esta magnitud requiere muchas exigencias”, explica. “Mucho cuidado de los jugadores, requiere prestar atención a temas de comunicación, para poder anunciar a República Dominicana a todos los amantes del golf”, continúa.
En ese sentido, la alianza público-privada fue, explica, vital para crear una experiencia que reuniera en el destino a jugadores y amantes del golf que vienen a vivir el circuito final del Tour Américas.
Asimismo, Pan de Soraluce destaca la importancia de mantener un campo de golf al nivel que demanda la franquicia, haciendo hincapié en la importancia de la preparación del mismo para los torneos que se llevan a cabo en Playa Nueva Romana como destino deportivo. “Todo el trabajo que hace el equipo de agronomía para poder presentar el campo de la mejor manera es fantástico”, comenta.
Además, durante su conversación exclusiva con Ritmo, el ejecutivo destacó la importancia del torneo para el sector turismo, especialmente el nicho del turismo deportivo, uno donde el visitante, según Pan de Soraluce, invierte solo el 25% del capital durante su visita en gastos relacionados con el torneo. “Este turismo, comparado con el tradicional, gasta más y se queda más tiempo en el destino, pero lo más importante es que gasta el 25% en golf, el 75% restante se queda derramado en la economía local”, detalla.
Camilo García, gerente senior de Negocios de Torneos y Relaciones con Patrocinadores del PGA Tour. // Foto: Silverio Vidal
Pese a que el circuito que se juega este fin de semana en Playa Nueva Romana es solo el primero, la relación de Grupo Piñero con la franquicia lleva ya casi cinco años. “Tenemos una relación con el grupo desde el año 2021, que arrancó en el PGA Riviera Maya en Tulum”, nos cuenta Camilo García, gerente senior de Negocios de Torneos y Relaciones con Patrocinadores del PGA Tour.
Y, en ese sentido, traer la final del Tour Américas a República Dominicana marca el inicio de una relación que, según García, esperan extender por varios años. “Tenemos un acuerdo por varios años, por lo cual nos quedamos acá en República Dominicana”, explica.
La decisión de continuar trayendo el torneo a territorio nacional se fundamenta, según García, en las condiciones favorables tanto de las instalaciones que reciben a los jugadores internacionales, como las del campo de golf y la disposición de los patrocinadores de continuar promocionando a República Dominicana como un destino idóneo para el turismo deportivo.
García enfatiza en la necesidad de un campo de golf competitivo, una cualidad que ha encontrado en el Oceans 4 de Playa Nueva Romana. “Te diría que el campo de golf PGA Oceans Four está muy bueno”, comenta. “Le han hecho unas inversiones importantes, y ese fue un factor determinante… pero podemos tener una buena cancha, pero necesitamos partners que nos ayuden a traer este tipo de eventos al país”; continua. “Entonces, es una combinación de una buena propiedad con buenos partners” que les permita continuar trayendo a República Dominicana a los mejores jugadores y amantes del golf internacional.
Bajo el lema “Nuevas vías para armar tu hogar”, IKEA reabrió sus puertas a una tienda renovada el jueves 15 de octubre con un Showroom renovado, ofreciendo una experiencia de compra optimizada, mayor variedad de productos y dinámicas exclusivas para toda la comunidad de La Romana.
LA ROMANA, República Dominicana. – IKEA República Dominicana anunció la gran reapertura de su tienda en La Romana celebrada este jueves 15 de octubre de 2026. La transformación física e integral responde al crecimiento sostenido de la provincia y al compromiso de la marca de evolucionar junto a las necesidades de sus clientes, reafirmando su liderazgo en soluciones de diseño, decoración y funcionalidad para el hogar.
Las instalaciones reabiertas cuentan con un área comercial ampliada de 417 m², que integra de forma armoniosa las áreas de Showroom y Markethall. La nueva propuesta maximiza el espacio de exposición e incluye 178 m² dedicados exclusivamente a complementos y accesorios, junto a más de 400 referencias para llevar al instante (Cash & Carry), garantizando una experiencia de compra más fluida, intuitiva y cercana.
Acto inaugural IKEA La Romana
El acto de apertura contó con la presencia de un equipo integrado por más de 10 colaboradores, encabezado por Mónica Guillén, Market Manager, y el equipo directivo, quienes realizaron el corte de cinta tradicional seguido de un recorrido guiado por las nuevas secciones. Durante la jornada inaugural de 10:00 a. m. a 12:00 p. m., los asistentes disfrutaron de animación, entrega de globos, degustaciones y sorpresas especiales. Asimismo, los miembros del programa IKEA Family accedieron a beneficios exclusivos, incluyendo una ruleta de premios y un cheque regalo de RD$500 por compras mínimas de RD$1,500 al afiliarse durante la actividad.
La celebración se extiende durante todo el fin de semana con novedades, actividades dinámicas y promociones pensadas para invitar a toda la comunidad a celebrar que tener el hogar soñado está al alcance de todos en La Romana. Como un 15% de descuento en una selección de mesas y sillas (del 15 de octubre y del 12 al 25 de octubre de 2026), 15% de descuento en una selección del sistema de almacenaje BESTÅ (del 12 al 18 de octubre de 2026) y un 10% de devolución del valor de compra en cocinas modulares en un cupón para la próxima visita (del 1 al 31 de octubre de 2026).
“La Romana crece y nosotros crecemos con ella. Esta ampliación representa una oportunidad para seguir innovando y fortaleciendo nuestra conexión con la comunidad de la región Este. Queremos que este espacio renovado sea una fuente constante de inspiración para transformar los hogares en lugares cada vez más cómodos, funcionales y propios”, expresó Ana Yahaira Guerrero, Manager de la tienda IKEA La Romana.
La Academia Dominicana de Gastronomía celebró la primera edición de El Burén de Oro, gala que reconoció a productores, instituciones e iniciativas que contribuyen al desarrollo de la gastronomía nacional. Bajo el concepto “De la raíz al escenario”, la ceremonia, realizada en El Embajador, A Royal Hideaway Hotel, otorgó seis galardones en las categorías Saludable, Solidaria, Sostenible, Sociable, Satisfactoria y Global, con reconocimientos para Wholesome, FAO, Rizek Cacao, Típico Bonao, Ajualä y Kah Kow. La noche también distinguió a Rafael Ansón con un reconocimiento honorífico y entregó el Gran Burén de Oro al ministro de Turismo, David Collado, por su visión de la gastronomía como parte esencial de la identidad y oferta turística dominicana. Durante la velada, además, fue presentada la tercera edición de la Guía Gastronómica Dominicana, ahora interactiva y bilingüe.
Servir un vino parece, a simple vista, un gesto sencillo: descorchar la botella, llenar una copa y disfrutar. Sin embargo, detrás de ese ritual existe todo un universo de detalles capaces de transformar la experiencia. Entre ellos, uno de los más importantes y, quizás, de los más subestimados es la elección de la copa.
La cristalería no cumple únicamente una función estética. Su forma, tamaño y diseño pueden influir directamente en la manera en que percibimos los aromas, sabores y textura de un vino. Por eso, en el mundo de la enología, la copa es considerada una herramienta esencial para expresar las características de cada etiqueta.
El primer elemento que entra en juego es el aroma. Una copa de vino está diseñada para dirigir y concentrar los compuestos aromáticos hacia la nariz. Las copas con un cáliz amplio permiten que el vino tenga mayor contacto con el oxígeno al girarlo, favoreciendo la liberación de sus aromas. Posteriormente, una boca ligeramente más estrecha ayuda a concentrarlos antes de que lleguen al sentido del olfato.
Este diseño también explica por qué no todas las copas tienen la misma silueta. Los vinos tintos suelen servirse en copas de mayor tamaño, capaces de ofrecer espacio para que el líquido respire y desarrolle sus matices. En cambio, los blancos suelen encontrar su mejor expresión en copas más pequeñas, que contribuyen a preservar su frescura y temperatura.
Y precisamente la temperatura es otro factor determinante. Una copa demasiado grande para un vino que debe mantenerse frío puede hacer que este pierda rápidamente su temperatura ideal. Del mismo modo, sostener la copa por el cáliz puede calentar la bebida con el calor de las manos. Por eso, tomarla por el tallo no es solamente una cuestión de protocolo: también ayuda a conservar las condiciones adecuadas del vino.
La forma de la copa puede modificar, además, la percepción de la textura. El lugar donde el líquido entra en contacto con la lengua y la velocidad con la que llega a la boca pueden influir en cómo interpretamos su acidez, dulzor, cuerpo o intensidad. Aunque la copa no cambia químicamente el vino, sí puede cambiar nuestra experiencia sensorial al beberlo.
El diseño también tiene una dimensión estética. Una mesa bien puesta convierte la cristalería en parte de la experiencia, aportando elegancia y personalidad. Copas de líneas delicadas, tallos estilizados y cristales transparentes permiten apreciar el color y la luminosidad del vino antes del primer sorbo. Porque beber vino también implica observarlo.
El color, de hecho, es una de las primeras pistas que ofrece una copa adecuada. Su transparencia permite apreciar la tonalidad, intensidad y evolución del vino. Inclinar ligeramente la copa sobre una superficie clara puede revelar matices que van desde los violetas y rubíes de un tinto joven hasta los tonos teja de uno con mayor crianza.
Pero no es necesario contar con una cristalería diferente para cada botella para disfrutar correctamente del vino. Lo importante es comprender que la copa puede potenciar determinadas características y elegir, dentro de las posibilidades disponibles, aquella que mejor acompañe la bebida.
Al final, el ritual del vino comienza mucho antes del primer sorbo. Está en la temperatura correcta, en la manera de descorchar, en cómo se sostiene la copa y, por supuesto, en la elección de esa pieza de cristal que se convierte en el último escenario antes de que el vino llegue al paladar.
Porque cuando se trata de vino, los detalles importan. Y una buena copa no solo contiene la bebida: ayuda a contar su historia.
La gastronomía dominicana trasciende los fogones para convertirse en una expresión de cultura, identidad y desarrollo económico, capaz de proyectar al país más allá de sus fronteras. Bajo esta mirada, Luis Ros, presidente de la Academia Dominicana de Gastronomía, ha desarrollado una trayectoria estrechamente vinculada al impulso y reconocimiento del sector. Su labor también se extiende al ámbito iberoamericano a través de su participación en la Academia Iberoamericana de Gastronomía, espacio desde el que contribuye a conectar y poner en valor las distintas expresiones gastronómicas de la región, mientras promueve el reconocimiento de quienes, desde diferentes ámbitos, ayudan a construir el presente y el futuro de la cocina dominicana.
De esa visión nace el Burén de Oro, una iniciativa concebida para reconocer a los protagonistas de la gastronomía dominicana y generar una plataforma que permita visibilizar su aporte dentro y fuera del país.
Una idea con raíces
La creación del Burén de Oro fue una idea que tomó varios años en madurar. Ros explica que una de las funciones de las academias es reconocer a los actores de la sociedad que realizan aportes significativos. Su experiencia en iniciativas como Restaurant Week, donde durante años se han evaluado y premiado propuestas gastronómicas destacadas, terminó de reforzar esa visión.
Su incorporación a la directiva de la Academia Iberoamericana de Gastronomía también marcó un punto importante en el proyecto. Allí estrechó su relación con Rafael Ansón, presidente de la institución, cuya propuesta sobre la gastronomía del siglo XXI contempla cinco dimensiones: saludable, solidaria, social, sostenible y satisfactoria.
A partir de esa filosofía, Ros planteó trasladar esos principios al contexto dominicano y crear una plataforma cuyos reconocimientos pudieran servir también como representación del país en los galardones iberoamericanos.
El nombre elegido guarda una conexión directa con la historia gastronómica dominicana. El burén, utilizado ancestralmente para transformar la yuca en cazabe, se convierte en símbolo de un proceso mayor: transformar el valor de la gastronomía dominicana en oro. Para Ros, cuando la gastronomía prospera también lo hacen el turismo y la economía nacional.
Una mirada que trasciende la cocina
Luis entiende que detrás de cada experiencia gastronómica existe una cadena de valor que merece reconocimiento. Productores, cocineros, restaurantes e industrias forman parte de un ecosistema en el que cada eslabón contribuye a que un producto termine convertido en una experiencia.
En ese proceso, destaca especialmente al chef como una figura fundamental, por su capacidad de decidir qué productos utilizar y cómo transformarlos. Como ejemplo del posicionamiento que comienza a alcanzar la cocina dominicana, menciona a la chef Tita, cuyo restaurante Aguají, en Sosúa, fue situado en el puesto 88 de Latin America’s 50 Best Restaurants. También señala la presencia de restaurantes dominicanos en 50 Best Discovery.
El valor de contar nuestra historia
En su trayectoria, Ros también reconoce el acompañamiento de José Carlos de Santiago, vicepresidente de la Academia Iberoamericana de Gastronomía, a quien atribuye parte de su aprendizaje al asumir responsabilidades dentro de la Academia Dominicana de Gastronomía.
Para él, uno de los grandes aprendizajes ha sido comprender la gastronomía como parte de la cultura. Un plato no representa únicamente ingredientes y preparación; también transmite identidad. Por eso considera fundamental construir una narrativa alrededor de la cocina dominicana que permita al visitante comprender qué hay detrás de cada preparación.
Con el Burén de Oro, Ros propone precisamente ampliar esa conversación. El reconocimiento no busca sustituir otras premiaciones existentes, sino sumar una plataforma que integre a los diferentes participantes de la cadena gastronómica. Su propósito es dejar una huella y contribuir a que el talento dominicano continúe encontrando espacios para ser reconocido y proyectado internacionalmente.
El largometraje documental Los pasos del tiempo, dirigido por Óliver Olivo, recorre parte de la historia del ballet en República Dominicana a través del legado de Herta Brauer, Magda Corbett y Clara Elena Ramírez, tres figuras fundamentales en el desarrollo de esta disciplina en el país. Realiza en Republica Domicana en 2025, la producción de la Fundación Ballet Concierto, bajo POB Films, apuesta por reconstruir esta memoria no solo mediante testimonios y archivos, sino a través de la danza como recurso narrativo. Con 93 minutos de duración, coreografías de Carlos Veitía y la participación de bailarines de Ballet Concierto Dominicano, la obra conecta distintas generaciones y muestra cómo el ballet echó raíces en el territorio dominicano hasta convertirse en parte de su patrimonio cultural y artístico.
En la cúspide del lujo y la gastronomía, el vino deja de ser una simple bebida para convertirse en arte líquido, historia embotellada y objeto de culto. Las ediciones especiales y las botellas de colección no solo representan la excelencia de un terruño excepcional o la maestría de un enólogo; son testimonios tangibles de cosechas irrepetibles y verdaderas piezas de diseño industrial y artístico.
La anatomía de la exclusividad
¿Qué transforma una botella de vino en una pieza codiciada por coleccionistas e inversionistas en casas de subastas como Sotheby’s y Christie’s? La respuesta reside en una combinación impecable de escasez, innovación y estética.
Por un lado, la materia prima suele proceder de microparcelas con rendimientos mínimos, vinificada mediante técnicas experimentales o crianzas prolongadas en barricas de maderas exóticas. Por otro lado, la presentación visual rinde homenaje al contenido: botellas de cristal pesado sopladas a mano, serigrafías en metales preciosos como oro de 24 quilates o plata, sellos artesanales de lacre y estuches de alta ebanistería. A esto se suma la numeración individual que garantiza la autenticidad y trazabilidad de cada ejemplar.
Las cinco botellas de vino más costosas del planeta
El valor de mercado de estas joyas alcanza cifras astronómicas cuando la rareza histórica se combina con el prestigio de la bodega. Entre los ejemplares más venerados destacan:
– Domaine de la Romanée-Conti 1945 (~558,000 USD): El santo grial de la enología borgoñona. Vendida en subasta por una cifra récord para una botella estándar de 750 ml, forma parte de una producción mítica de solo 600 botellas elaboradas justo antes de arrancar las cepas antiguas al finalizar la Segunda Guerra Mundial.
– Screaming Eagle Cabernet Sauvignon 1992 (Imperial 6L) (~500,000 USD): Emblema de los cult wines del Valle de Napa en California. Esta botella de formato monumental fue adquirida en una subasta benéfica en el año 2000, catapultando al vino del Nuevo Mundo a las más altas esferas del lujo internacional.
– Château Cheval Blanc 1947 (Imperial 6L) (~304,375 USD): Una obra maestra nacida en Saint-Émilion, Burdeos. Fruto de un verano atípicamente caluroso que otorgó una concentración y riqueza azucarada sin precedentes, es considerada por los críticos más influyentes como una de las mejores añadas del siglo XX.
– Château Lafite Rothschild 1869 (~232,800 USD): Adquiridas en una subasta histórica en Hong Kong, estas botellas de Burdeos pertenecen a la era prefiloxérica. Encarnan la distinción, longevidad y herencia imperecedera de la familia Rothschild.
– Château Margaux 1787 (Valorada en ~225,000 USD): Un ejemplar rodeado de leyenda al haber pertenecido a la colección privada de Thomas Jefferson. Aunque la botella se rompió trágicamente durante una cena en Nueva York antes de ser servida, su valor asegurado inmortalizó su estatus mítico.
Un legado que perdura
Coleccionar estas botellas va más allá del placer de la cata. Es un acto de preservación cultural y un tributo al paso del tiempo. Cada corcho y cada gota contienen la memoria de una época, garantizando que el prestigio de las grandes cosechas siga cautivando a las generaciones futuras.
